Eivind Aadland

Eivind Aadland, chef d’orchestre

Né en 1956 en Norvège. Violoniste et chef d’orchestre ; a été élève de Jorma Panula pour la direction et de Yehudi Menuhin pour le violon. Il a été premier-violon de l’Orchestre Philharmonique de Bergen. A reçu de Mariss Jansons le chaleureux encouragement de suivre dans sa carrière sa vocation de chef d’orchestre. A été ensuite directeur musical de l’European Union Chamber Orchestra et chef principal et directeur artistique de l’Orchestre Symphonique de Trondheim. Il est régulièrement l’invité des orchestres des pays scandinaves : les Orchestres d’Oslo, de Bergen, de Stavanger et l’Orchestre de Chambre Suédois. Il dirige aussi à l’Opéra de Norvège à Oslo. Il a été l’invité de l’Orchestre du Capitole de Toulouse, de l’Orchestre Symphonique de Melbourne, de l’Orchestre de Chambre d’Écosse, de l’Orchestre de la Radio Finlandaise, de l’Orchestre National de Belgique, de l’Orchestre Royal des Flandres, de l’Orchestre de la SWR à Stuttgart et de celui de la WDR à Cologne. Ses enregistrements chez BIS, CPO, Simax, Hyperion, ASV ou Koch, sont surtout consacrés au répertoire des compositeurs norvégiens et suédois : tout l’œuvre symphonique d’Eivind Groven, les œuvres pour violon d’Arne Nordheim, les compositions de Ludvig Irgens Jensen, Ole Bull, de Gerhard Schjeldrup, sans négliger le répertoire d’autres compositeurs européens, tels Gustav Holst, Percy Grainger ou Florent Schmitt.

 

 

Der Dirigent Eivind Aadland, der heute für den erkrankten Kazushi Ono einspringt, ist einer der angesehensten Dirigenten Norwegens. Ab 2004 war er während sieben Konzertsaisons künstlerischer Leiter und Chefdirigent des Trondheimer Sinfonieorchesters. In dieser Zeit dirigierte er die beiden Zyklen mit sämtlichen Sinfonien Beethovens und Mahlers. Auch mit anderen skandinavischen Orchestern arbeitet er regelmässig als Gastdirigent. Überdies hat er Aufführungen von Don Giovanni, Figaros Hochzeit, der Zauberflöte und der Fledermaus dirigiert, die von der Kritik sehr gelobt wurden.

 

Mit den Trondheimer Sinfonikern unternahm er 2010 eine China-Tournee mit sieben Konzerten. Im gleichen Jahr gab er auch sein Debüt in Seoul mit dem koreanischen KBS Sinfonieorchester. 2011 wurde er Hauptgastdirigent des Queensland Sinfonieorchesters in Brisbane. In der Saison 2014-15 hat er zahlreiche Engagements, u. a. beim Trondheimer und beim Isländischen Sinfonieorchester, bei den Bergener Philharmonikern, beim Sinfonieorchester Barcelona, bei den Osloer Philharmonikern und beim WDR-Sinfonieorchester in Köln. Ausserdem sind Auftritte mit dem Kammerorchester Uppsala, dem Belgischen Nationalorchester und dem Meropolitan Symphony Orchestra Tokio vorgesehen.

 

Eivind Aadland studierte Violine bei Yehudi Menuhin und trat mit ihm in Kammermusikkonzerten in London, Paris und der Schweiz auf. Dirigierkurse belegte er bei Jorma Panula; Mariss Jansons ermutigte ihn, eine Dirigentenlaufbahn einzuschlagen.

 

Seine enge Beziehung zu den Orchestermusikern hat ihre Wurzeln in seiner Tätigkeit als Konzertmeister des Bergener Philharmonischen Orchesters (1981-89) und in seiner darauf folgenden Arbeit als musikalischer Leiter des Kammerorchesters der Europäischen Union (1987-97).

 

Eivind Aadlands umfangreiche Diskografie enthält ein weitgespanntes Repertoire und zeugt insbesondere von seinem unermüdlichen Einsatz für die norwegische Musik. Die Aufnahme des sinfonischen Gesamtwerks Edvard Griegs mit dem WDR-Sinfonieorchester Köln unter seiner Leitung ist beim Label Audite erschienen.

 

Neben seiner beruflichen Tätigkeit als Dirigent ist Eivind Aadland auch ein begeisterter Kenner moderner Kunst. Seine private Sammlung von Gemälden, Fotografien und Videos wird von vielen als die bedeutendste dieser Art in Skandinavien angesehen.

 

Jean-Sélim Abdelmoula

 

Yves Abel

© Francesco Martinelli

Yves Abel
chef d’orchestre

 

Après des études à l'Université de Toronto, Yves Abel se rend à Tanglewood, où il suit l'enseignement de Léonard Bernstein, Seiji Ozawa, Gûnther Herbig et Roger Norrington. Il dirige à plusieurs reprises au Festival Rossini de Pesaro (Mathilde de Shabran et le Barbier de Séville), à l'Opéra de Monte-Carlo (le Turc en Italie) et se fait l'ambassadeur de la musique française à New York. Il fonde l'Opéra français, avec lequel il programme et dirige des raretés comme Zampa d'Hérold, les Mamelles de Tirésias de Poulenc, l'Etoile de Chabrier, tes Deux Journées de Chérubini ou encore le Pauvre Matelot de Darius Milhaud. Parmi ses engagements récents, signalons Hamlet d'Ambroise Thomas à l'Opéra de San Francisco avec Thomas Hampson dans le rôle titre, Thaïs de Massenet à l'Opéra de Nice (oeuvre qu'il a enregistrée chez Decca avec Renée Flemming, Thomas Hampson et Giuseppe Sabbatini), Faust de Gounod à l'Opéra-Bastille,... Yves Abel collabore également avec les plus grands orchestre symphoniques, comme celui du Concertgebouw d'Amsterdam, les orchestres symphoniques de San Fransisco, Toronto et Saint Luke.

 

 

Yves ABEL is considered one of the most exciting conductors of his generation.

He has been Principal Guest Conductor of the Deutsche Oper Berlin since 2005, and has conducted in major international opera houses around the world, including the Metropolitan Opera, Royal Opera at Covent Garden where he recently made a successful debut, Opéra National de Paris Bastille, La Scala, Vienna Staatsoper, El Gran Teatro del Liceu in Barcelona, New York City Opera, San Francisco Opera, the Lyric Opera of Chicago, Seattle Opera, Teatro San Carlo di Napoli, Teatro Comunale di Bologna, Opéra de Monte-Carlo, as well as opera companies in Cagliari, Palermo, Cardiff, Leeds, Lisbon, Dallas, Oviedo, Nice, amongmany others.

In addition, he has conducted in many of the world's great opera festivals, including the Glyndebourne Festival, the Santa Fe Opera, the Rossini Opera Festival in Pesaro.

Equally comfortable in symphonic music, Yves Abel conducted in concerts all over the world, notably with the orchestras of the Rotterdam Philharmonic, Théâtre du Capitole de Toulouse and Orchestre National de Lyon in France; the Toronto, Edmonton and Montreal Symphony Orchestras and the National Arts Centre Orchestra in Canada; the San Francisco Symphony and the Orchestra of St.

Luke’s in the United States, Genova, Bologna, Palermo, Naples, Bolzano, Granada, Berlin, Bochum, among many others.

Futureorchestral concerts include the orchestras of Rotterdam Philharmonic, the Deutsche Oper Orchestra Berlin, RTE Dublin, Orquesta Nacional do Porto, NWD in Herford, Bochum, Bolzano Haydn Orchestra, OSPA in Oviedo Spain, among others.

In New York, he is best known for his enterprising Opéra Français de New York, which rediscovered many excellent forgotten works of the French repertoire, such as Les Deux Journeés and Médée of Cherubini, La Jolie Fille de Perth and Le Docteur Miracle of Bizet, Berlioz's Béatrice et Bénédict, Gluck's Orphée et Eurydice and Iphigénie en Aulide, Donizetti's La Favorite, many Offenbach operettas, as well as modern works by Milhaud (for which Madeleine Milhaud, the composer's wife came to assist in the premieres) and Poulenc.

He also brought Pascal Dusapin's To Be Sung to New York, and Kurt Weill's Marie Galante, both as American premieres.

For his services to French music, he is honored with one of the country’s highest cultural honors, the prestigious Chevalier des Arts et des Lettres in 2009.

Yves Abel's future engagements include his returns to London's Royal Opera Covent Garden with La Traviata and La Fille du Régiment; to Vienna Staatsoper for Carmen, Elisir d'Amore, Madama Butterfly and Il Barbiere di Siviglia; Operade Oviedo with Werther, and Seattle with Les Contes d'Hoffman ; debuts and new productions of I Capuletti ed i Montecchi for the Bayerische Staatsoper in Munich and Les Vêpres Siciliennes for the Grand Théâtre de Genève; La Fille du Régiment for San Diego Opera, Giovanna d'Arco in Bilbao; Madama Butterfly in his debut at the New National Theatre of Tokyo.

He returns to the Rossini Opera Festival this summer for La Cenerentola and to the Metropolitan Opera twice in the near future.

 

Gregory Ahss

© Geoffroy Schied

GREGORY AHSS

Erster Konzertmeister

Schon im Alter von fünf Jahren begann der israelische Violinist Gregory Ahss mit dem Geigenunterricht an der Gnessin Musikschule in seiner Geburtsstadt Moskau. Während seiner Ausbildung, die ihn an das israelische Konservatorium, die Akademie für Musik in Tel Aviv und das New England Conservatory of Music in Boston führte, gewann er bereits namhafte Wettbewerbe als Solist aber auch als Kammermusiker mit dem von ihm gegründeten Tal Piano Trio. Er konzertierte unter der Leitung von Claudio Abbado und Yannick Nézet-Séguin, mit dem Mahler Chamber Orchestra, dem Orchestra Mozart Bologna und der Camerata Salzburg. Als Konzertmeister gastierte er schon in vielen führenden Orchestern - beim London Symphony Orchestra genauso wie beim Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks oder den Bamberger Symphonikern. Von 2005 bis 2011 leitete Gregory Ahss zahlreiche Konzerte des Mahler Chamber Orchestra als Konzertmeister, seit 2012 ist er Konzertmeister der Camerata Salzburg.

 

Angel Cabrera  Alguacil

Il naît à Guadalajara (Espagne) en 1977. Il débute ses études musicales à 12 ans avec Esther Zillarbide, en donnant une année plus tard son premier concert lors d'un enregistrement pour la radio. En 1996, il termine ses études de degré moyen avec un premier prix et il gagne une bourse pour étudier avec Aldo Ciccolini en Italie. Il étudie ensuite avec Fernando Puchol et Luis Rego dans le Conservatoire royal de Musique de Madrid, où il obtient un premier prix. Il prend part aux classes de maître de C. Hoëfer au Mozarteum de Salzburg et de Vitalis Margulis. Dès 2000 et jusqu'à 2005, il a été élève de l'École supérieure de Musique Reine Sofia, dans la classe de piano de la Fondation "Santander Central Hispano" du professeur Galina Eguiazarova. En 2004, il joue en soliste avec l'Orquesra Freixenet de cette École dans l'Auditorium national de musique de Madrid, sous la direction de Juanjo Minerai. Comme élève de cette École, il a participé à des classes de maître de Rosalyn Türeck, Krystian Zimerman, Bruno Canino, Eliso Virsaladze, András Schiff, Ralf Gothoni, Peter Frankl, Vitaly Margulis et Alexander Satz. Durant les années 2002 et 2003 il a été le meilleur élève de la classe de piano de Galina Eguiazarova, ce qui lui a valu de recevoirson Diplôme des mains de la Reine Sofia en personne. En 2003, il est invité à prendre part à la troisième Rencontre de Musique et à l'Académie de Santander, où il joue au Palacio de Festivales de cantabria avec G. Caussé et J. D. Bugaj. Durant 2005 et 2006 il est pianiste accompagnateur de la classe de chant "Alfredo Kraus" de la Fondation "Ramón Areces" à l'École supérieure de Musique Reine Sofia, avec le professeur Tom Krause, titulaire de cette classe. Comme soliste et membre d'ensembles de musique de chambre, il joue en Espagne, en Italie, en Allemagne et en Autriche. Il a effectué des enregistrements pour la radio et la télévision espagnoles. La presse a dit de lui : "C'est un pianiste à la formation rigoureuse, d'une grande sûreté pianistique et de bon goût". C. G. Amat, dans El Mundo. "Cabrera a surpris par la précision de son jeu, l'assimilation de la substance musicale, l'expression chopinienne et le sérieux rigoureux de ses concepts musicaux". Enrique Franco, dans El Pais.

 

Giovanni Antonini

© Marco Borggreve

Chef d’orchestre reconnu au niveau international, Giovanni Antonini est célèbre pour son interprétation du répertoire baroque et classique. Né à Milan, il étudie à la Scuola Civica di Musica et au Centre de Musique Ancienne de Genève. En 2012, il est nommé Directeur Artistique du Wratislavia Cantans Festival en Pologne.

Giovanni Antonini est un des membres fondateurs de l’ensemble baroque “Il Giardino Armonico” qu’il dirige depuis 1989. Avec cet ensemble, il se produit en tant que chef d’orchestre, à la flûte à bec et à la flûte traversière baroque en Europe, aux Etats-Unis, au Canada, en Amérique du Sud, en Australie, au Japon et en Malaisie. Il a joué avec beaucoup d’artistes prestigieux tels que Cecilia Bartoli, Kristian Bezuidenhout, Isabelle Faust, Christophe Coin, Katia et Marielle Labèque, Viktoria Mullova et Giuliano Carmignola.

Giovanni Antonini est un chef d’orchestre très sollicité par des ensembles tels que le Berliner Philharmoniker, Concertgebouworkest, Tonhalle Orchestra, Mozarteum Orchester et le City of Birmingham Symphony Orchestra.

Au cours de la saison 2012/13, Giovanni Antonini dirige le Concertgebouworkest, Staatskapelle Berlin, Bayerischer Rundfunk Symphony Orchestra Munich, Orchestre National du Capitole de Toulouse, Orchestre National de Lyon, Mozarteum Orchestra Salzburg, Spanish National Orchestra, Wroclaw Baroque Orchestra, Tonhalle Orchestra Zurich, puis, il dirige Norma de Bellini au Salzburg Festival. Il poursuit ses fructueuses collaborations avec le Kammerorchester Basel. Avec Il Giardino Armonico, il se produit dans toute l’Europe notamment avec la soprano Julia Lezhneva.

Les productions d’opéra de Giovanni Antonini incluent Les Noces de Figaro de Mozart et, de Haendel : Acis et Alcina à la Scala, Galatea e Polifemo à Vienne et Salzburg et Giulio Cesare au Salzburg Festival avec Cecilia Bartoli.

Avec Il Giardino Armonico, Giovanni Antonini enregistre de nombreux CDs d’œuvres instrumentales de Vivaldi dont Les Quatre Saisons, de compositeurs italiens du XVIIe et XVIIIe siècles, de JS Bach, les Concertos Brandebourgeois, de Biber et de Locke chez Teldec Classics.

Le CD enregistré avec Viktoria Mullova, Les Concertos pour violon de Vivaldi remporte le Diapason d’Or en 2005 pour la musique instrumentale baroque.

Il Giardino Armonico est maintenant chez Decca, leur enregistrement le plus récent de l’opéra de Vivaldi Ottone in villa chez Naïve est sorti à l’automne 2010. Avec le Kammerorchester Basel, Giovanni Antonini enregistre toutes les symphonies de Beethoven chez Sony. Les symphonies de 1 à 6 sont déjà éditées.

 

Christian Arming

© PJ-Ivan Maly

Il compte parmi les chefs d’orchestre les plus demandés de la jeune génération. Il dirige avec autant de succès le répertoire symphonique que l’opéra. Il est né à Vienne en 1971 et a étudié la direction à l’Universität für Musik und darstellende Kunst à Vienne, dans la classe de Leopold Hager. À l’âge de 24 ans, il dirige pour la première fois l’Orchestre Philharmonique Janácek d’Ostrava. Peu après, il est le plus jeune chef nommé à la tête de cet orchestre, dans l’histoire musicale tchèque. Il occupe ce poste jusqu’à la fin de la saison 2001-2002. De 2001-2004, il est directeur musical de l’Orchestre symphonique de Lucerne. Depuis 2003 et jusqu’en 2013, il est directeur musical du New Japan Philharmonic. Une étroite collaboration avec Seiji Ozawa l’a amené plusieurs fois à Tanglewood (Orchestre Symphonique de Boston) et à Tokyo (New Japan Philharmonic), entre 1992 et 1998. En 1997 et 1999, il est invité au Festival de Salzbourg. En juillet 1999, il dirige à Cincinnati une nouvelle production de The Turn of the Screw de Britten. À l’automne 1999, il réalise dans un délai très court la nouvelle production du Rosenkavalier à Trieste. Après cela suivent les nouvelles productions de La Bohème à Lucerne (2001), Salome (2002) et Elektra (2003) à Vérone et Le Prince Igor de Borodine à Strasbourg. À l’opéra de Francfort, il dirige une reprise de la production du Fliegender Holländer (2004), Don Giovanni (2006), Jenufa (2007) et Les Contes d’Hoffmann (2011). Avec son orchestre japonais, il dirige Fidelio, Jeanne d’Arc, Lohengrin, Die Fledermaus et Tristan & Isolde. En mai 2003, il est le deuxième plus jeune chef d’orchestre, après Rafael Kubelik, à diriger la Philharmonie Tchèque pour le concert d’ouverture du Festival du Printemps de Prague. Avec au programme Má Vlast – Ma Patrie de Smetana. Il est réinvité au cours du Festival 2008. Depuis le début de sa carrière en 1994, il a déjà été invité dans le monde entier, par plus de 50 orchestres dont le Deutsche-Symphonie-Orchester Berlin, l’Orchestre de la Radio de Francfort, le MDR-Sinfonie Orchester à Leipzig, le Münchner Philharmoniker, le SWR Stuttgart, la Staatskapelle de Dresde, la Philharmonie Tchèque, l’Orchestre National de Belgique, les Wiener Symphoniker, le RSO Wien, le Mozarteum Orchester Salzburg, la Camerata Salzburg, l’Orchestra Sinfonica Nazionale della RAI, l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, l’Orchestre de la Suisse Romande, l’Orchestre National du Capitole de Toulouse, les Orchestres symphoniques de Boston, de Cincinnati et de Houston. Depuis septembre 2011, il est le nouveau directeur musical de l’Orchestre Philharmonique Royal de Liège.

 

Kit Armstrong

© Gesine Born

Né à Los Angeles en 1992, Kit Armstrong a commencé à composer à cinq ans et débute le piano peu de temps après. Il se produit dans les plus grandes salles du monde dont le Musikverein de Vienne, le Concertgebouw d’Amsterdam, le Royal Festival Hall et le Wigmore Hall à Londres, la Philharmonie de Berlin, la Laeiszhalle de Hambourg, la Philharmonie de Cologne, le NHK Hall de Tokyo et  le  Palais des Beaux-­Arts de Bruxelles. Il travaille avec des chefs d’orchestre majeurs tels que Riccardo Chailly, Christoph von Dohnányi, Manfred Honeck, Kent Nagano, Jonathan Nott, Esa-­‐Pekka Salonen  et  Robin Ticcati. Le premier album solo de Kit Armstrong est sorti chez Sony Classical en septembre 2013. Il comprend des œuvres de Bach, Ligeti et Armstrong, illustration de la singularité de ses goûts. La sélection de préludes et chorals de Bach fut particulièrement remarquée. Pour Kulturradio (RBB), il s’agit de « l’un des très rares CD que le monde attendait » ; la NDR Kultur l’a décrit comme « un album de début plein d’émotions ». Musicien de chambre passionné, Kit Armstrong se produit régulièrement au sein d’un trio qu’il compose avec le violoniste Andrej Bielow et le violoncelliste Adrian Brendel. Récemment, il a commencé à travailler avec des chanteurs.

Cet artiste polyvalent s’est déjà fait une renommée en tant que compositeur. Six fois lauréat du prix Morton Gould des jeunes compositeurs de la fondation ASCAP, il remporte également le prix Charlotte Bergen de la fondation ASCAP pour sa composition Struwwelpeter: Character Pieces for Viola and Piano. Il reçoit des commandes entre autres du Gewandhaus de Leipzig, du Collège de musique de Winterthur et du Frankfurter Bachkonzerte, qui lui commande un concerto pour clarinette dont la première est assurée par Paul Meyer à l’Alte Oper de Francfort avec l’Orchestre de chambre de Zurich. Son trio pour piano, Stop Laughing, we’re rehearsing! est publié par le label Genuin. Les compositions de Kit Armstrong sont publiées aux éditions Peters.

Kit Armstrong étudie au Curtis Institute of Music de Philadelphie et à la Royal Academy of Music de Londres. A partir de sa septième année, il étudie également les sciences naturelles dans diverses universités dont l’Imperial College de Londres. Kit Armstrong obtient son master en mathématiques pures à l’Université de Paris VI. Il reçoit le prix Leonard Bernstein du Festival de musique du Schleswig-­‐Holstein en 2010 et le prix du soliste WEMAG au festival de Mecklenburg-­‐Poméranie  en 2014. A treize ans, il fait la rencontre d’Alfred Brendel qui depuis l’a guidé en tant que professeur et mentor et fait l’éloge de « sa compréhension des grandes œuvres du piano qui marie fraîcheur et subtilité, émotion et intelligence ». La relation unique qui existe entre Armstrong et Brendel a été portée à l’écran dans le film Set the Piano Stool on Fire du réalisateur britannique Mark Kidel.

 

Kit Armstrong

Born in Los Angeles in 1992, Kit Armstrong started composing at five and shortly after that began piano studies. Today he performs in the most famous concert halls in the world.

In November 2015, Sony Classical released Kit Armstrong’s new solo album Liszt: Symphonic Scenes. His previous album on Sony, with works by Bach, Ligeti and Armstrong was released in September 2013. Illustrating the original nature of his programming, the selection of Chorale Preludes by J.S. Bach attracted particular attention. For Kulturradio (RBB) it was “one of the very few CDs that the world was waiting for”; the NDR Kultur described it as a “debut album full of emotions”.

Kit Armstrong’s compositions are published by Edition Peters. A six time winner of the ASCAP Foundation’s Morton Gould Young Composer’s Award, he has received commissions from the Leipzig Gewandhaus, the Volkswagen Autostadt Movimentos festival, the Philharmonic Orchestra Kiel, and BASF Culture Management, among others. His piano trio, “Stop Laughing, We’re rehearsing!” was released on CD by the GENUIN label.

Armstrong studied at the Curtis Institute of Music in Philadelphia and at the Royal Academy of Music in London. At the age of seven, he started studying natural sciences at various universities including the University of Pennsylvania and Imperial College London. He earned his master’s degree in pure mathematics at the University of Paris VI.

Kit Armstrong received Schleswig-Holstein Music Festival’s Leonard Bernstein Award in 2010. Kit Armstrong won the WEMAG-Soloist Prize at the Mecklenburg-Vorpommern Festival in 2014.

At the age of 13, Kit Armstrong came to know Alfred Brendel, who since then has guided him as his teacher and mentor and ascribes to him “an understanding of the great piano works that combines freshness and subtlety, emotion and intellect”. The unique relationship between Armstrong and Brendel was captured in the film “Set the Piano Stool on Fire” by the British director Mark Kidel.

In 2013, Kit Armstrong acquired the Eglise Sainte-Thérèse in Hirson, France, with the plan of reawakening this disused church, a unique historical Art Deco monument, as a concert hall and creative centre for culture. Following its inauguration in 2014, it has become home to events featuring imaginative programmes and renowned artists.

 

Stefan Asbury

Stefan Asbury ist weltweit einer der gefragtesten Dirigenten für Neue Musik. So war er in den vergangenen Saisons an bedeutenden Festivals wie der Münchener Biennale, dem Festival d'Automne, den Salzburger Festspielen, dem Festival Wien Modern, den Wiener Festwochen oder der Biennale di Venezia zu erleben.

Im Laufe seiner Karriere dirigerte Stefan Asbury namhafte Klangkörper wie das Klangforum Wien, das Boston Symphony Orchestra, das Los Angeles Philharmonic, das WDR Sinfonieorchester, die Dresdner Philharmoniker, das Concertgebouworkest Amsterdam sowie das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks. Eine enge Zusammenarbeit verbindet den Dirigenten überdies mit der basel sinfonietta, mit welcher er im Sommer 2007 Gérard Griseys "Les Espaces Acoustiques" an den Salzburger Festspiele zur Aufführung brachte.

Ausserdem dirigierte Stefan Asbury im Spätsommer und Winter 2009 die basel sinfonietta bei ihren Debütkonzerten am Kunstfest Weimar und in Baku, Aserbaidschan. Zur Saison 2011/12 übernahm er das Amt des Chefdirigenten beim Noord Nederlands Orkest.

 

Radek Baborak

Le corniste Radek Baborák est né en 1976 en république tchèque dans une famille de musiciens et a commencé à l'âge de 8 ans à jouer le cor avec le professeur Karel Křenek. A 12 ans déjà, il a été distingué dans un concours radiophonique. Trois ans plus tard, il remporte le troisième prix au Concours du Printemps de Prague.

De 1989 à 1994 Radek Baborák a étudié avec le Professeur Bedrich Tylšar et a terminé ses études au Conservatoire de Prague avec distinction. Ensuite il a glané de nombreuses distinctions lors de concours.

Ensuite, il a collaboré avec de nombreux ensembles en tant que soliste. "Cet artiste est un phénomène", a écrit la presse pour ses concerts avec les Bamberger Symphoniker au festival Mozart à Würzburg (Juin 2001).

Baborák est aussi un passionné de musique de chambre et joue fréquemment avec le Quintette Afflatus (1er prix ARD 1997).

A 18 ans, il est devenu le premier cor de la Philharmonie tchèque. Ensuite il a été cor solo de l'Orchestre Philharmonique de Munich. Maintenant, il est cor solo de l'Orchestre Philharmonique de Berlin.

 

Philippe Bach

© Ralf K. Wegst

Philippe Bach wurde 1974 in Saanen, Schweiz, geboren. Er studierte Horn an der Musikhochschule Bern und am Conservatoire de Genève und anschliessend Dirigieren an der Musikhochschule Zürich bei Johannes Schlaefli und am Royal Northern College of Music in Manchester bei Sir Mark Elder. Er besuchte Meisterkurse bei Sir Colin Davis, David Zinman, Vladimir Jurowski, Prof. Ralf Weikert und Prof. Peter Eötvös. Philippe Bach gewann zahlreiche Auszeichnungen, u.a. erste Preise am Schweizerischen Dirigentenwettbewerb (1996) und an der «International Jesús López Cobos Opera Conducting Competition» (2006). 2006 bis 2008 war er Assistant Conductor am Teatro Real in Madrid und Assistent von Jesús López Cobos. Im Juni 2007 gab er im Teatro Real sein Debut mit Madama Butterfly. Im Dezember 2008 folgte sein Debut an der Hamburgischen Staatsoper mit Hänsel und Gretel. Von 2008 bis 2010 war Philippe Bach Erster Kapellmeister und Stellvertretender GMD am Theater Lübeck. Seit 2011 ist er Generalmusikdirektor der traditionsreichen Meininger Hofkapelle und des Südthüringischen Staatstheaters Meiningen und seit 2012 Chefdirigent des Berner Kammerorchesters. Als Gast leitete Philippe Bach u.a. Konzerte mit dem Tonhalle Orchester Zürich, dem London Philharmonic Orchestra, dem BBC Philharmonic Orchestra, dem Helsinki Philharmonic Orchestra, dem Royal Scottish National Orchestra, dem Orchestre de chambre de Lausanne, dem Basler Sinfonieorchester, dem kammerorchesterbasel, dem Hallé Orchestra, dem RTE National Symphony Orchestra, dem Orquesta Sinfónica de Madrid, dem Orchestra della Svizzera Italiana, dem Brandenburgischen Staatsorchester, dem Bournemouth Symphony Orchestra, dem Kuopio Symphony Orchestra, der Basel Sinfonietta und dem Berner Sinfonieorchester.

 

Frédéric Bager

 

Brigitte Balleys

Très jeune, la mezzo-soprano Brigitte Balleys a quitté son Valais natal pour se former et mener une carrière internationale. Après des études aux Conservatoires de Sion et de Berne, auprès de Jakob Stämpfli, elle remporte à Londres le prestigieux Concours Benson & Hedges où elle est nommée meilleure interprète de lieder. C’est le départ d’une carrière de soliste qui la mène dans le monde entier.

Du lied à l’opéra, l’artiste a chanté avec les plus grands chefs et interprété les rôles les plus variés. Sa voix, dont elle dit que c’est son ange gardien, s’est notamment incarnée dans la déesse Cérès lors de la dernière Fête des Vignerons.

Brigitte Balleys enseigne le chant au Conservatoire de Lausanne et à l’Académie de musique Tibor Varga à Sion.

La passion de Brigitte Balleys est la mélodie et le lied, et elle se consacre aussi au répertoire suisse: Frank Martin, Arthur Honegger, Jean Binet et Othmar Schoeck. « Chanter est ma raison de vivre » affirme Brigitte Balleys.

 

Claudia Barainsky

La soprano berlinoise Claudia Barainsky a fait ses études à la Haute Ecole des Arts de sa ville natale, où elle a suivi l’enseignement de Dietrich Fischer-Dieskau. Parmi les nombreux orchestres avec lesquels elle s’est produite comme soliste figurent la Philharmonie de Berlin, le Philharmonia Orchestra de Londres, l’Orchestre du Gewandhaus de Leipzig, l’Orchestre du Concertgebouw d’Amsterdam et l’Orchestre de Paris. La cantatrice a chanté sous la direction de chefs renommés comme Gerd Albrecht, Christophe Eschenbach, Zubin Mehta, Ingo Metzmacher, Philippe Herreweghe, Michael Tilson Thomas et Giuseppe Sinopoli. Elle a récemment remporté un franc succès à Berlin dans La Création de Haydn, sous la conduite de Christian Thielemann, ainsi que lors d’une tournée sud-américaine avec la Jeune Philharmonie Allemande sous la baguette de Lothar Zagrosek. En 1994, Claudia Barainsky a fait ses débuts au Semperoper de Dresde. D’autres engagements ont suivi sur les scènes lyriques de Hambourg, Munich, Stuttgart, Leipzig, Cologne, Berlin, Bruxelles et Amsterdam. Le registre du Lied figure aussi en bonne place au répertoire de la soprano berlinoise, dont le talent a été mis en valeur à travers d’innombrables enregistrements discographiques et radiophoniques, ainsi que des productions télévisées.

 

Stephan Barrat-Due

Stephan Barratt-Due appartient à la 3e génération de violonistes de la famille Barratt-Due, de longue tradition musicale. Il a commencé l’étude du violon à 5 ans, avec son père, et a poursuivi son éducation musicale à l'Académie Norvégienne de Musique, à Oslo, à l'Académie Internationale de Musique Menuhin à Gstaad, et au Conservatoire de Musique de San Francisco.

Stephan Barratt-Due a fait son entrée dans la carrière en 1981, comme soliste, musicien de chambre, tant en Norvège qu’aux États-Unis, en Asie, Amérique du Sud et dans plusieurs pays d'Europe.

Depuis 1985, Stephan Barratt-Due est le directeur artistique de l'Institut de Musique Barratt Due, célèbre conservatoire de 500 élèves, établi à Oslo en 1927 par son grand-père. Il dirige l'orchestre de chambre Oslo Camerata et a été un des fondateurs du Festival International de Musique de Chambre de Kristiansand, qui se tient chaque année.

 

Yuri Bashmet

Né à Rostov en Ukraine, Yuri Bashmet passe son enfance à Lvov. Il entre à 18 ans dans la classe d'alto du Conservatoire Tchaïkovski de Moscou, où il travaille d'abord avec Vadim Borisovsky, altiste du quatuor Beethoven, puis avec Feodor Drujinin. En 1976, il remporte le Premier Prix du Concours International de Munich. La France et le monde découvrent Yuri Bashmet dans les années 1980 au Festival de l'Académie Internationale d'Art Musical à Tours, point de départ d'une étincelante carrière internationale. Aujourd'hui, grâce à sa sonorité miraculeuse, son coup d'archet de rêve, sa sensibilité à fleur de peau sous des allures de prince russe, Yuri Bashmet règne sur l'alto. Soliste, il joue avec les plus grands ensembles, et sous la direction des plus grands chefs.

Yuri Bashmet est devenu chef d'orchestre en 1986, avec l'orchestre des jeunes de l'Académie Internationale d'Art Musical au Festival de Tours, remplaçant Valéry Gergiev, malade. La même année, il fonde son propre orchestre, « Les solistes de Moscou ».

 

 

 

Rasmus  Baumann

1. Kapellmeister und Stellvertreter des Generalmusikdirektors am Staatstheater Kassel.

Rasmus Baumann, 1973 in Gelsenkirchen geboren, studierte Klavier an der Folkwanghochschule Essen bei Prof. Till Engel und ließ sich in Bochum zum Kirchenmusiker ausbilden. Sein Dirigierstudium absolvierte er von 1996 bis 1999 an der Musikhochschule Frankfurt bei Prof. Jírí Stárek und Prof. Wojciech Rajski. Daneben nahm er an zahlreichen Meisterkursen teil.

Bereits während des Studiums ging Baumann als Musikalischer Leiter mit dem Musical „Die Schöne und das Biest“ auf Tournee. Weitere berufliche Stationen waren ein Engagement als Repetitor und Kapellmeister am Theater Solingen/Remscheid, die Position des Chordirektors des Philharmonischen Chores Bochum sowie die Leitung zahlreicher Konzerte mit den Bochumer Symphonikern. 1998 folgte ein Engagement ans Aalto-Theater, in Essen.

Im vergangenen Jahr wurde Rasmus Baumann, der sich auch als gefragter Gastdirigent im In- und Ausland einen Namen gemacht hat, vom Deutschen Musikrat in das Förderprogramm „Dirigentenforum“ aufgenommen.

 

Peter Baur

Peter Baur studierte bei der französischen Pianistin Catherine Dalban und an der Akademie für Schul- und Kirchenmusik in Luzern.

Er erhielt 1984 den Förderungspreis des Aargauischen Kuratoriums verbunden mit einem Studienaufenthalt in der Cité des arts in Paris. Danach besuchte er Meisterkurse für Liedbegleitung bei Irwin Gage, Zürich und bei Noël Lee, Savonlinna.

Als Gastdozent an der Hogeschool voor de Kunsten Utrecht war er 1988 - 96 Assistent von Prof. Udo Reinemann für die Solistenklasse Gesang.

Neben seiner Lehrtätigkeit begleitet der Pianist vor allem liedrezitals ( u.a. Amsterdam, Bern, Darmstadt, Genève, Luzern, Paris, Prag, Utrecht, Wien, Zürich, Féstival Auvers-sur-Oise, Festival du Périgord Noir und Festival du Périgord Pourpre in F) sowie Meisterklassen (u.a. mit Heidi Brunner, Bodil Gümoes, Margreet Honig, Udo Reinemann, Kurt Widmer).

Seit 2000 ist er Studienleiter für Vokalmusik an der Musikhochschule Luzern sowie Lehrer für Klavier, Liedduo, Ensemble und Kammermusik.

 

Philippe  Béran

Philippe Béran, chef d'orchestre

Après une formation classique, Philippe Béran mène une carrière qui l’éloigne des sentiers battus. Né à Genève en 1962, il suit, en parallèle, des études scientifiques et musicales. Premier prix de clarinette au Conservatoire de Genève puis au Conservatoire National de Musique de Paris, il obtient un 1er prix de direction d’orchestre au Conservatoire de Genève. Il décroche également un diplôme de physique théorique à l’Université de Genève et enseigne dix ans les mathématiques, la physique et la musique aux collégiens. Lorsqu’il peut se consacrer exclusivement à la musique et à la direction d’orchestre, ce mari et père de quatre enfants fait de sa relation privilégiée avec le jeune public l’une de ses cartes maîtresses. Désireux de transmettre sa passion et son amour profond de la musique à la nouvelle génération, Philippe Béran mise sur l’enthousiasme : le sien, qu’il communique aussitôt au public. Il rompt avec « les schémas de concerts vieux de 250 ans » et le côté guindé de certaines représentations où n’assistent que des mélomanes avertis. Pour amener à la musique ceux qui la connaissent peu, ou mal, il développe une forme originale et vivante de concert où le public n’est pas tenu à distance mais invité à participer. Plus courtes, ponctuées de commentaires, ces représentations font découvrir le grand répertoire symphonique avec simplicité et humour, dans un esprit de partage et de complicité avec la salle. Le succès est au rendez-vous : chaque année, 12000 enfants viennent écouter les concerts commentés que Philippe Béran dirige à la tête de l’Orchestre de la Suisse Romande, des spectacles qui se jouent à guichet fermé. Présentée au Grand Théâtre de Genève au printemps 2011, la version courte de la Flûte enchantée de Mozart a dû être reprogrammée à l’automne. En décembre 2011, la projection des « Temps modernes » de Charlie Chaplin a fait 10 salles combles au Victoria Hall. Un véritable challenge, pour le chef et l’OSR, car la musique et les images doivent être parfaitement synchrones : « 99% de réussite, cela ne suffit pas ! » aime à dire le Genevois, grand spécialiste de la direction de ciné-concerts, en particulier des films de Chaplin. Responsable de l’action pédagogique de l’Orchestre de la Suisse romande et de l’Orchestre de Chambre de Lausanne de 2002 à 2011, Philippe Béran est également le directeur de l’Orchestre du Collège de Genève. Cette jeune formation de très bon niveau rassemble une centaine de collégiens, âgés de 14 à 19 ans, et couvre tous les répertoires : symphonique et choral, ballets, opéras, musiques de films. Chaque année, l’Orchestre du Collège assure une quinzaine de concerts et part régulièrement en tournée – dernièrement en Toscane et… en Chine! La musique et le plaisir, toujours, pour ce chef d’orchestre qui a la joie de vivre et l’énergie chevillées au corps. C’est dans cet esprit qu’il enseigne la direction d’orchestre à la Haute Ecole de Musique de Lausanne depuis 2009. Sur un terrain plus classique, Philippe Béran s’est fait remarquer comme chef d’opéra (invité régulier du Grand Théâtre de Genève depuis 2002 et de l’Opéra de Lausanne) mais surtout comme chef de ballet, un genre qu’il affectionne particulièrement. Il parcourt le monde auprès de nombreuses et célèbres compagnies des plus prestigieux opéras. En décembre 2007, il a donné neuf représentations de « Casse-Noisette » au Lincoln Center avec le New York City Ballet. En mai 2008, il a inauguré le nouvel opéra de Pékin avec le Ballet national de l’Opéra de Paris et l’Orchestre symphonique du Ballet central de Chine (Paquita). Il est aussi régulièrement invité depuis 2009 par l’Opéra Royal de Suède à Stockholm et fais ses débuts cette saison à l’Opéra National de Finlande.

 

Fabio Biondi

© S. Flower

Fabio Biondi est l’une des plus importantes figures du monde musical sur instruments d’époque. Né à Palerme, il débute sa carrière internationale dès l’âge de 12 ans en tant que soliste avec l’Orchestre Symphonique de la RAI. Très vite, Fabio Biondi découvre les pionniers de la nouvelle approche de la musique baroque qui enrichissent sa vision musicale. Sa carrière connaît alors un nouvel essor, et à 16 ans il se produit au Musikverein, interprétant Bach sur instrument et archet baroques. Il collabore ensuite avec les plus importants ensembles baroques du moment avant de fonder en 1990 Europa Galante qui acquiert rapidement une notoriété internationale. Dès son premier enregistrement des Quatre Saisons de Vivaldi, Europa Galante conquiert le public du monde entier grâce à sa lecture révolutionnaire et son interprétation libre et passionnante de la musique italienne, s’imposant avec un succès extraordinaire. Leurs nombreux enregistrements sont encensés par la critique et reçoivent de nombreux prix. En 2006, son enregistrement de Bajazet de Vivaldi est nommé pour un Grammy Award. Avec Europa Galante il se produit sur les plus grandes scènes internationales. Fabio Biondi est l’incarnation même d’une certaine recherche stylistique, loin des dogmatismes, tout en restant fidèle à sa quête initiale, celle d’un langage originel. Son répertoire, orienté tant vers les œuvres majeures que vers la redécouverte de compositeurs méconnus, comprend trois siècles de littérature musicale, du XVIIe s., en passant par les grandes œuvres instrumentales du XVIIIe s., les concerti et concerti grossi de Vivaldi, Corelli, Locatelli, Geminiani, les oratorios, sérénades et opéras d’Alessandro Scarlatti, Haendel, Vivaldi, Veracini ou encore Bellini, aussi bien que les Sonates de Bach, Schubert et Schumann, avec lesquelles il se produit en récital sur les scènes les plus prestigieuses. C’est avec la même approche qu’il collabore soit en tant que soliste, soit comme chef, avec de nombreux orchestres. Depuis 2005, il est directeur artistique pour le répertoire baroque du Stavanger Symphony Orchestra. En 2011 Fabio Biondi est reçu à l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia à Rome et en 2013 on lui remet les Clefs de la Ville de Cracovie en Pologne. Fabio Biondi joue des violons d’Andrea Guarneri (Crémone, 1686) et de Ferdinando Gagliano (Naples, 1766), ce dernier violon appartenait à son professeur, Salvatore Cicero, et a été mis à sa disposition par la Fondation Salvatore Cicero.

 

Rafał Blechacz

Rafal BLECHACZ est né en Pologne (Naklo nad Notecia), le 30 juin 1985.
En octobre 2005, il remporte à l'unanimité le Concours International de Piano Frédéric Chopin à Varsovie.
Lors de ce concours, il gagne également trois autres prix: le Prix de la Radio Polonaise pour la meilleure interprétation des Mazurkas, le Prix de la Société Polonaise de Chopin pour la meilleure interprétation des Polonaises et le Prix du Philharmonique de Varsovie pour la meilleure interprétation du Concerto.
Il a également reçu la récompense créée par Krystian Zimmermann pour la meilleure interprétation des Sonates.
Rafal BLECHACZ commence ses études de piano à cinq ans et continue actuellement ses études au Conservatoire Feliks Nowowiejski à Bydgoszcz avec Katarzyna Popowa-Zydron.
Il a déjà remporté plusieurs prix dans les plus grands concours internationaux notamment le deuxième prix du Concours Arthur Rubinstein à Bydgoszcz (2002), le deuxième prix du Cinquième Concours International de Jeune Pianiste à Hamamatsu, au Japon en 2003 (cette année-là, il n'y eut pas de Premier Prix), le premier prix du 4è Concours International de Piano au Maroc (2004) ainsi que le premier prix du Concours Chopin à Varsovie en 2005.
Sa victoire au Concours Chopin en 2005 lui ouvre les portes des salles les plus prestigieuses du monde entier : en mars 2006 il se produit à la salle Philharmonique de Varsovie, en mai 2006 il joue au Conservatoire de Moscou avec l'orchestre du Théâtre Mariinsky sous la direction de V.Gergiev, et à la Tonhalle de Zurich en septembre 2006. Il donne des récitals dans les plus grandes salles du Japon, notamment au Suntory Hall et à l'Opéra de Tokyo en novembre 2006, ainsi qu'au Concertgebouw d'Amsterdam (décembre 2006), Herkules Saal à Munich (mars 2007), Wigmore Hall (avril 2007), l'Auditorium National à Madrid (mai 2007), le Palais des Beaux Arts à Bruxelles (septembre 2007). Il se produit à nouveau en mai et juin 2007 au Suntory Hall à Tokyo et en septembre 2007 au Palais des Beaux Arts à Bruxelles.
En 2006, ses récitals dans les festivals d'été de la Roque d'Anthéron, Verbier et Ruhr ont été très bien accueillis par la critique. Le calendrier de Rafal Blechacz est déjà complet pour les deux prochaines années, il se produira dans les plus grandes salles d'Europe, d'Amérique du Nord et d'Extrême Orient.

En mai 2006, Rafal BLECHACZ signe un contrat d'exclusivité chez Deutsche Grammophon. Il est le deuxième polonais, après Krystian Zimerman à signer avec ce grand label musical. Le premier disque, les Préludes de Chopin, est sorti en France en janvier 2008. Un jour après sa sortie, le disque a reçu le statut d'Or puis ensuite Platine dans les ventes en Pologne. Un disque des Sonates de Beethoven, Haydn et Mozart est sorti en France en mars 2009 chez Deutsche Grammophon e un disque des deux concertos de Chopin en 2010.
En 2012 nouveau disque Debussy /Szymanowski et En 2013 nouveau disque Chopin –Polonaises [piano bleu]

 

 

Rafał Blechacz

Po dziesięciu latach od zwycięstwa na XV Międzynarodowym Konkursie Chopinowskim w Warszawie w roku 2005 zyskał pozycję artysty o formacie prawdziwie światowym. Jego wybitny talent został doceniony przez publiczność Europy, Ameryki, Azji; przez krytykę muzyczną, znakomitych dyrygentów i słynne orkiestry symfoniczne, producentów płyt, menadżerów i agencje artystyczne organizujące koncerty w najsłynniejszych salach i w największych centrach muzycznych. Ostatnie dziesięć lat kariery Rafała Blechacza, to czas występów z recitalami solowymi i również wspólnych koncertów z orkiestrami symfonicznymi. Jednak przede wszystkim to czas wytężonej pracy przy fortepianie nad coraz to nowym repertuarem. Zdobywając Grand Prix, Złoty Medal i wszystkie z możliwych nagród regulaminowych: za najlepsze wykonanie mazurków, poloneza, koncertu, sonaty (tę ostatnią ufundowaną przez Krystiana Zimermana), także nagrodę publiczności – w ten niekwestionowany sposób został uznany za najznakomitszego wykonawcę utworów Chopina swej generacji. W takiej też roli zapragnęła go usłyszeć i bliżej poznać międzynarodowa publiczność, której nigdy nie zawodzi, zyskując jej sympatię i uznanie. W związku z tym młody artysta odbywa liczne i również odległe podróże artystyczne, wszak tytuł Zwycięzcy Konkursu Chopinowskiego ma swoją rangę i wymowę. Każdy i wszędzie chciałby usłyszeć i doświadczyć obcowania z talentem kogoś, kto w jakże trudnej rywalizacji i przed jakimż to kompetentnym i dostojnym jury – okazał się najlepszy. Można tylko wspomnieć, że młody polski pianista zdecydowanie górował nad liczną i mocną, jak zawsze w Warszawie, grupą konkurentów. Jury, dla podkreślenia skali jego talentu, nikomu nie przyznało II nagrody, tylko dopiero III i następne. Wspomniana praca nad repertuarem dotyczy rzecz jasna dzieł Chopina, ale trudno sobie wyobrazić, żeby pianista tej rangi nie wykonywał innych kompozytorów. Stąd ciągłe wzbogacanie repertuaru o utwory Bacha, Mozarta, Beethovena, Liszta, Brahmsa, Debussy’ego, Szymanowskiego. Spośród nich był wybierany również program na kolejne płyty (obecnie w liczbie pięciu) nagrane i wydane przez Deutsche Grammophon. Mocnym i jakże wymownym akcentem podsumowującym ostatnią dekadę działalności artystycznej Rafała Blechacza jest amerykańska Nagroda Gilmore, przyznana w styczniu 2014 roku, a nazywana niekiedy „Pianistycznym Noblem”. Rafał Blechacz urodził się w 1985 roku w Nakle nad Notecią. Grę na fortepianie rozpoczął w wieku pięciu lat. Uczył się w Państwowej Szkole Muzycznej im. Artura Rubinsteina w Bydgoszczy pod kierunkiem prof. Jacka Polańskiego. W 2007 roku ukończył studia pianistyczne w Akademii Muzycznejw Bydgoszczy w klasie prof. Katarzyny Popowej-Zydroń. Jeszcze jako uczeń zdobył wiele nagródi wyróżnień jak: I nagroda i Grand Prix w XIII Ogólnopolskim Konkursie im. Jana Sebastiana Bachaw Gorzowie Wlkp. (1996), II nagroda w V Międzynarodowym Konkursie Młodych Pianistów „ArthurRubinstein in memoriam” w Bydgoszczy (2002), zwycięstwo w V Międzynarodowym KonkursiePianistycznym w Hamamatsu w Japonii (2003).Jako zdobywca Grand Prix Konkursu Chopinowskiego zaczął koncertować w najbardziejprestiżowych salach: m.in. w Concertgebouw w Amsterdamie, Musikverein w Wiedniu, FilharmoniiBerlińskiej, Alte Oper we Frankfurcie, Herkulessaal w Monachium, Sali Pleyel’a w Paryżu, Royal FestivalHall oraz Wigmore Hall w Londynie, Tonhalle w Zurichu, La Scala w Mediolanie. Jest zapraszany na największe festiwale muzyczne jak: Salzburg, Verbier w Szwajcarii, La Roque-d’Anthéron (Francja), Klavier-Festival Ruhr w Niemczech oraz Gilmore Festival w USA. Koncertuje z wieloma orkiestrami symfonicznymi, współpracując z wybitnymi dyrygentami, jak: Charles Dutoit, Valery Gergiev, Daniel Harding, Pavo Järvi, Fabio Luisi, Kent Nagono, Andris Nelsons, Victor Pablo Perez, Trevor Pinnock, Mikhail Pletnev, Jerzy Semkow, Antoni Wit, Dawid Zinman. W 2006 roku podpisał ekskluzywny kontrakt z niemiecką wytwórnią fonograficzną Deutsche Grammophon. Jest drugim w historii, po Krystianie Zimermanie, polskim artystą związanym z tą prestiżową firmą.Pierwsza płyta z Preludiami Fryderyka Chopina ukazała się w 2007 roku. W Polsce uzyskała statusplatynowej płyty już w drugim tygodniu sprzedaży. Została wyróżniona wieloma nagrodami m.in.niemiecką „Echo Klassik” i francuską „Diapason d’Or”. Rok później została wydana kolejna płyta, tym razem z sonatami Haydna, Mozarta i Beethovena i została przyjęta równie znakomicie. Po sukcesiedwóch pierwszych płyt artysta uczcił Rok Chopinowski’2010 nagraniem obu Koncertów fortepianowychChopina z towarzyszeniem, pod batutą Jerzego Semkowa, legendarnej Concertgebouw Orchestra,która przez brytyjski „Gramophone” w roku 2009 została uznana za najlepszą orkiestrę świata. Tym razem trzecia już płyta Rafała Blechacza została uhonorowana prestiżową nagrodą krytyków z Niemiec, Austrii i Szwajcarii „Preis der Deutschen Schallplattenkritik”. W Polsce uzyskała w krótkim czasie status podwójnej płyty platynowej. Kolejne nagranie – utworów Debussy’ego i Szymanowskiego, z uwagi na dobór repertuaru jak i jego wykonanie zyskało znaczny rozgłos i uznanie międzynarodowej krytyki muzycznej. W 2012 roku Deutsche Phono Akademie przyznało mu nagrodę „Echo Klassik”w kategorii „Najlepsza płyta solowa roku” ( XIX i XX w.). Ponadto nagranie to zostało wyróżnione jakoAlbum Miesiąca przez brytyjski magazyn „Gramophone”. Otrzymało też polską nagrodę fonograficzną„Fryderyk”, jako najlepszy album z muzyką klasyczną (2013). Jesienią 2013 roku Rafał Blechaczpowrócił do repertuaru chopinowskiego nagrywając jego siedem wielkich polonezów. Album ten już w dniu sprzedaży okazał się złotą płytą. Otrzymał wyróżnienie „Preis der Deutschen Schallplattenkritik”, jako najlepszy album w kategorii „Muzyka fortepianowa” (2013).Rafał Blechacz za swoją dotychczasową działalność artystyczną w lipcu 2010 roku otrzymał nagrodęPremio Internazionale Accademia Musicale Chigiana (Siena), przyznawaną przez międzynarodowejury krytyków muzycznych. W stycznia 2014 w Nowym Jorku został ogłoszony zdobywcą NagrodyGilmore’2014, niezwykle wysoko cenionej w świecie pianistycznym, która jest przyznawana co cztery lata najbardziej wyróżniającemu się artyście z udzieleniem finansowego wsparcia dalszejkariery artystycznej.24 lutego 2015 roku w Warszawie podczas koncertu w Filharmonii Narodowej został odznaczony,przyznanym przez Prezydenta Rzeczypospolitej Polski, Krzyżem Kawalerskim Orderu OdrodzeniaPolski.

 

 

 

Jörg-Andreas Bötticher

Né à Berlin en 1964, Jörg-Andreas Bötticher étudie la musique ancienne à la Schola Cantorum Basiliensis, et obtient son diplôme d'orgue dans la classe de Jean-Claude Zehnder en 1987 et son diplôme de clavecin en 1990 dans celle d'Andreas Staier. Il se perfectionne par la suite auprès de Gustav Leonhardt, Michael Radulescu et Harald Vogel. Ses études de musique d'ensemble et de basse continue, menées à la Schola Cantorum auprès de Jesper B. Christensen, l'incitent à approfondir ses connaissances pratiques et théoriques de la basse continue; il est ainsi coauteur de l'article "Generalbaß" dans l'encyclopédie Musik in Geschichte und Gegenwart (MGG, nouvelle édition), il a également collaboré à plusieurs revues musicales (Bach-Jahrbuch, Basler Jahrbuch für Historische Musikpraxis).

Jörg-Andreas Bötticher se produit comme soliste et avec différents ensembles tels que l'Ensemble 415 et La Fenice, dans toute l'Europe et en Amérique.

Il est en outre organiste de l'église Predigerkirche à Bâle.

Avec Hélène Schmitt, il entretient une fructueuse relation de musique de chambre; leur dernier enregistrement consacré aux sonates pour violon et basse continue d'Ignazio Albertini a obtenu un diapason d'or.

Il dirige, entre autres activités pédagogiques, sa propre classe de clavecin à la Schola Cantorum Basiliensis.

Enregistrements pour Ricercar, Mottete, Harmonia Mundi France, Alpha et Opus 111.

 

Shirley Brill

Après avoir étudié en Israël avec Yitzhak Katzap, Shirley Brill continue sa formation à la Musikhochschule de Lübeck avec Sabine Meyer et étudie actuellement au New England Conservatory à Boston avec Richard Stotzman. Elle a commencé sa carrière à l'âge de 16 ans déjà comme soliste avec l'Orchestre philharmonique d'Israël sous la direction de Zubin Mehta.

Depuis, elle a gagné de nombreux prix dont un Prix spécial au Concours international de l'ARD à Munich (2003) et le Deuxième Prix du Concours international de Markneukirchen en Allemagne (2006) et le Deuxième Prix (première nommée) du Concours de Genève en 2007.

Elle a joué en tant que soliste avec l'Orchestre symphonique de Jérusalem et de Haifa, avec l'Orchestre philharmonique de Lübeck et avec les Orchestres de chambre de Potsdam et de Essen. On l'a également entendue au Festival de Ljubljana en Slovénie, au Festival Brahms en Allemagne, au Festival « Hommage à Hindemith » en Suisse.

En 2008, Shirley Brill se produit en tant que soliste avec le Deutsche Symphonie Orchester de Berlin et l'Orchestre de Chambre de la République Tchèque notamment. En musique de chambre, elle accompagne le Quatuor de Leipzig dans le cadre des fêtes Jean-Sébastien Bach à Leipzig. Elle apparaît également lors du festival de Davos (Suisse). Deux tournées aux USA et en Norvège en octobre et des performances au Schumannhaus de Bonn et aux Clarinet Days d'Israël clôturent cette intense année 2008.

Elle se produit aussi beaucoup en musique de chambre, notamment avec Jonathan Aner avec lequel elle forme le Duo Brillaner. Ensemble, ils ont sorti un CD en juin 2005. Elle a joué en Europe, en Israël, en Australie et aux Etats-Unis avec des artistes tels que Sabine Meyer, le Boromeo et le Jerusalem String Quartets, le Trio Esprit, le Trio di Clarone et le Tel Aviv Trio.

 

Michel Brodard

La basse-baryton Michel Brodard a obtenu sa virtuosité de chant au Conservatoire de Fribourg avec la mention Summa cum laude avec félicitations du jury.
Dans son intense carrière de concertiste, il chante dans de nombreux pays sous la direction de Michel Corboz, Markevitch, Loehrer, Stein, Menuhin, Jordan, Rilling, Plasson, Herreweghe, Magloire, Lopez-Cobos, Järvi, Viotti et Luisi.

Des oratorios, passions et messes aux oeuvres méconnues, il cultive un vaste répertoire. Nombre de compositeurs actuels l'ont choisi pour la création d'œuvres dont certaines écrites pour lui. A l'opéra, il chante de nombreux rôles dans des oeuvres de Paisiello, Rossini, Cimarosa, Donizetti, Gluck, Bizet, Purcell et Britten. Il a enregistré des oeuvres de Monteverdi, Bach, Schubert, Ravel notamment, sous la direction de Michel Corboz, Armin Jordan, Helmuth Rilling, Neeme Järvi.

Depuis 1997, Michel Brodard enseigne le chant à la Musikhochschule de Lucerne.

 

Boris Brovtsyn

Ein "Rising Star" (Pretoria News), "Ein wunderbares Talent" (Ruggiero Ricci), "Ein bemerkenswerter Techniker und intensiver Musiker" (Los Angeles Times)

Boris Brovtsyn, geboren 1977 in Moskau, erhielt seinen ersten Geigenunterricht mit 4 Jahren bei seinem Grossvater. 1984 begann er sein Violinstudium an der Moskauer "Central Music School", setzte sie 1994 in Moskau am Tschaikowsky-Konservatorium fort und vervollständigte sie an der Londoner Guildhall School of Music bei David Tenko, wo er 2004 die Guildhall School of Music and Drama-Goldmedaille gewann (frühere Gewinner waren Jacqueline du Pré, Tasmin Little und Bryn Terfel).

Boris Brovtsyn ist Preisträger mehrerer internationaler Violinwettbewerbe wie z.B Kulenkampff-Wettbewerb in Köln (1994) und Yehudi-Menuhin-Wettbewerb in Paris (1998). 2002 errang er den 1. Preis des Tibor-Varga-Wettbewerbs in Sion.

Als Solist arbeitet Boris Brovtsyn mit namhaften Dirigenten zusammen wie z.B. Sir Neville Marriner, Gerd Albrecht, Marek Janowski, Neeme Järvi, Louis Langrée, Antoni Wit, Alexander Lazarev, Vassily Sinaiski und Alain Lombard. Orchester, bei denen er solistisch auftrat, sind u.a.: Staatliches Russisches Symphonieorchester Moskau, Orchestre Philharmonique de Strasbourg, Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo, BBC Philharmonic Orchestra, CBSO Birmingham, BBC Scottish Symphony Orchestra, Rundfunk-Sinfonie-Orchester Berlin, Orchestre Philharmonique Royal de Liège, Orchestre de la Suisse Romande, Warschauer Nationalphilharmonie, Orquestra Sinfônica do Estado de Sao Paulo. Er ist Gast bei bedeutenden Festivals: Verbier Festival, Lugano Festival, Ascona Festival, Edinburgh Festival, Oxford Chamber Music Festival, Jerusalem Chamber Music Festival und George Enescu-Festival Bukarest.

 

Né en 1977 à Moscou, Boris Brovtsyn commence à étudier le violon à l'âge de quatre ans avec son grand-père. En 1984, il est admis à l'Ecole Centrale de Musique de Moscou et entre, en 1994, au Conservatoire Tchaïkovsky de Moscou dans la classe de Maya Glezarova. À partir de 2000, il étudie avec David Tenko à la Guildhall School of Music de Londres, dont il reçoit la Médaille d'or au printemps 2004 (quelques précédents lauréats : Jacqueline du Pré, Tasmin Little et Bryn Terfel, entre autres).

Boris Brovtsyn a remporté le deuxième prix du Concours Kulenkampf de Cologne en 1994. En 1998, il gagne le troisième prix au Concours Yehudi Menuhin à Paris. Il est l'un des finalistes du Concours Reine Elisabeth de Bruxelles en 2001. L'année suivante, il reçoit le premier prix du public au Concours Tibor Varga.

Boris Brovtsyn joue entre autres avec l'Orchestre Philharmonique de Strasbourg, l'Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo, le BBC Philharmonic, le CBSO Birmingham, le BBC Scottish Symphony Orchestra, le Rundfunk Sinfonieorchester Berlin, l'Orchestre Philharmonique Royal de Liège, l'Orchestre de la Suisse Romande, l'Orchestre Philharmonique de Varsovie, le Moscow State Symphony Orchestra et l'Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo. Il joue sous la direction de chefs tels que Sir Neville Marriner, Gerd Albrecht, Marek Janowski, Neeme Järvi, Louis Langrée, Antoni Wit, Alexander Lazarev, Vassily Sinaisky et Alain Lombard pour n'en citer que quelques-uns. Il participe également à différents festivals, entre autres ceux de Verbier, Lugano, Ascona, Edimbourg, Oxford, Jérusalem et au «George Enescu» Festival à Bucarest.

Passionné de musique de chambre, il joue régulièrement avec Janine Jansen, Maxim Rysanov, Amihai Grosz, Boris Andrianov, Anastasia Voltchok, Denis Matsuev, Alexei Ogrintchouk ou Nelson Görner.

 

Kai Bumann

Kai Bumann, né à Berlin en 1961, a étudié la direction d'orchestre, après sa maturité, dans la Hochschule de cette ville. Pianiste, il a participé à la classe d'interprétation du lied de Dietrich Fischer-Dieskau et de Aribert Reimann.

Il a débuté en 1986 sa carrière a commencé à l'opéra, comme corrépétiteur, à Trier, à Freiburg, Detmold et Wiesbaden. Après un premier prix au Concours international de Genève (CIEM) en 1994, il débute une activité intense de Direction en Pologne, il est nommé chef et directeur artistique de l'Opéra de Cracovie et fait ses débuts en 1998 au Deutsche Oper Berlin et en 2001 avec l'orchestre de la Tonhalle de Zurich. En novembre 2003, il dirige la première de Falstaff de Verdi à l'Opéra de chambre de Varsovie, dont il devient le responsable artistique.

Kai Bumann est, choisi par les musiciens de l'ensemble parmi de nombreux candidats, à la tête de l'Orchestre symphonique suisse des jeunes depuis 1998.

 

Eliana Burki

Bereits als Neunjährige stand die 1983 geborene Eliana Burki mit ihrem Alphorn am Jodlerfest in Schönenwerd als "Exotin" in den Männerreihen. Sie war vom traditionellen Instrument begeistert aber fest entschlossen, künftig nie mehr in der Tracht aufzutreten. Bald darauf entdeckte sie ihre Vorliebe für Latino-, Blues- und Jazzkompositionen.

Ihrem Entschluss für eine Profikarriere als Alphornmusikerin und Sängerin folgte eine intensive Ausbildung in Gesang, Performance, Tanz und Improvisation. Seither performt Eliana Burki auf dem Alphorn wie auch als Sängerin solo, im Duo, mit ihrer Band oder als Solistin funkige und bluesige Arrangements. Sie beherrscht auf dem Alphorn nicht nur die üblichen wenigen sondern 17 verschiedene Töne, und ihr "Alphorn der anderen Art" ist durch ihre Auftritte und Ausland-Tourneen schon bis China bekannt.

2006 gewann Eliana Burki den kleinen Prix Walo in der Kategorie Special-Act.

 

 Camerata Salzburg

© Andreas Hechenberger

Die Camerata Salzburg wurde in ihrem Musizierstil von der fruchtbaren Zusammenarbeit mit Musikerpersönlichkeiten wie Bernhard Paumgartner, Géza Anda, Sándor Végh, Sir Roger Norrington und András Schiff geprägt. Bedeutende Dirigenten, Solistinnen und Solisten wie Clara Haskil, Dietrich Fischer-Dieskau, Heinz Holliger, Aurèle Nicolet, Wolfgang Schneiderhan, Christoph Eschenbach, Philippe Herreweghe, René Jacobs, Franz Welser-Möst, Pinchas Zukerman, Peter Ruzicka, Anne-Sophie Mutter, Hilary Hahn, Patricia Kopatschinskaja, Julian Rachlin, Daniel Hope, Benjamin Schmid, Joshua Bell, Thomas Zehetmair, Augustin Dumay, Veronika Hagen, Mitsuko Ushida, Elisabeth Leonskaja, Claire-Marie Le Guay, Yu Kosuge, Oleg Maisenberg, Murray Perahia, Olli Mustonen, Alexander Lonquich, Till Fellner, Fazil Say, Stefan Vladar, Heinrich Schiff, Patrick Demenga, François Leleux, Hilary Hahn, Genia Kühmeier, Vesselina Kasarova, Christiane Oelze und Elina Garanca zählten und zählen zu den Gästen auf dem Camerata-Podium.

In Salzburg gehört die Camerata als Konzert- und Opernorchester zu den Stammensembles der Salzburger Festspiele und Salzburger Mozartwoche und hat einen eigenen Abonnementzyklus im Großen Saal des Mozarteums. Das Orchester konzertiert regelmäßig im Wiener Konzerthaus, in der Elbphilharmonie Hamburg, im Konzerthaus Berlin, Festspielhaus Baden-Baden, Bregenzer Festspielhaus, beim Carinthischen Sommer, bei den Haydn-Festspielen Eisenstadt, den Festivals von Aix-en-Provence und Luzern und gastiert auf Konzertreisen in Musik-Metropolen wie München, London, Florenz, Moskau, St. Petersburg, Bejing und Tokyo. Seit 2013 gestalten die Musikerinnen und Musiker der Camerata Salzburg das Festival „Schubert in Gastein“. Mehr als 60 Platten- und CD-Aufnahmen, von denen viele mit Preisen ausgezeichnet wurden, dokumentieren die Musizierkultur der Camerata aus sechs Jahrzehnten.

Gegründet 1952 mit Lehrern und Studenten des Salzburger Mozarteums, avancierte die Camerata mit Mozart-Matineen bald zu einem Herzstück der Salzburger Festspiele. Ins Leben gerufen wurde das Ensemble vom Mitbegründer und Präsidenten der Festspiele, dem Dirigenten, Pädagogen und Musikwissenschaftler Bernhard Paumgartner. Ihm ging es mit der Camerata um die Bewahrung und gleichzeitig um die Belebung eines klassischen und klassizistischen Musikgeistes und Repertoires. Ein Credo, das bis heute Gültigkeit hat und im Laufe der Jahre um die Pflege von chorisch aufgeführten Kammermusikwerken und die Auseinandersetzung mit Musik des 20. Jahrhunderts erweitert wurde. Bereits unter der Ägide Paumgartners galt als Ausrichtung des Ensembles, was auch heute eine organisatorische und künstlerische Maxime ist: Musizieren in Eigenverantwortung mit Gemeinschaftssinn. In der Camerata Salzburg bekam die Form des Kammerorchesters eine vorbildhafte Tradition.

Nach der Ära Paumgartner leitete der Violoncellist und Dirigent Antonio Janigro die Camerata. In seiner Wirkungszeit wurde 1974 ein eigener Abonnementzyklus des Orchesters ins Leben gerufen. Als Geigensolist musizierte mit der Camerata in jener Zeit Sándor Végh, der 1978 die künstlerische Leitung des Orchesters übernahm und parallel zu seinem Wirken als Pädagoge am Salzburger Mozarteum besonders begabte, junge Musikerinnen und Musiker in den Klangkörper einbezog. Végh verwirklichte ein Musizier-Ideal des Streichquartetts auf größer besetzter Ebene und förderte die individuelle Gestaltungsweise der einzelnen Orchestermitglieder innerhalb und zugunsten des Kollektivs. Bei einer Mozartwochen-Produktion mit Sir Roger Norrington wurde 1997 ein Nachfolger für den verstorbenen Végh gefunden. Sir Roger verband als Chefdirigent den charakteristischen Ensemblestil der Camerata mit seinen Erfahrungen im historisch informierten Musizieren. 2007 übernahm Norringtons Stellvertreter, der Geiger Leonidas Kavakos, die künstlerische Leitung. 2011 wurde Louis Langrée zum Chefdirigenten bestellt, in dessen Musizierstil und Repertoireschwerpunkten die Camerata eine große Übereinstimmung und ebenso viele inspirierende Akzente findet.

                                                                                                                    Rainer Lepuschitz

 

Bruno Canino

Né à Naples, Bruno Canino étudie le piano et la composition au Conservatoire de Milan, où il enseignera plus tard le piano durant 24 ans.

Il se produit régulièrement comme soliste, mais aussi comme musicien de chambre dans les plus importantes salles de concert en Europe, aux USA, en Australie, au Japon, et en Chine. Par ailleurs, il est régulièrement l'invité des festivals internationaux les plus prestigieux.

Bruno Canino collabore avec des partenaires illustres, tels que Salvatore Accardo, Lynn Harrell, Uto Ughi, Viktoria Mullova, Fabrizio von Arx. Il dirige la Société de Concerts Giovane Orchestra Genovese, puis celle du Campus International de Musique de Latina. Il est le Directeur de la section musicale de la Biennale de Venise. Il se consacre aussi à la musique contemporaine et collabore notamment avec Pierre Boulez, Luciano Berio, Karl-Heinz Stockhausen, György Ligeti, Bruno Maderna, Luigi Nono, Sylvano Bussotti, dont il donne plusieurs oeuvres en création mondiale.

Parmi ses nombreux enregistrements les plus récents, citons Les Variations Goldberg de Bach, l'oeuvre complète de Casella et le premier CD de l'oeuvre complète pour piano de Debussy. Pédagogue très recherché, Bruno Canino donne des masterclasses pour le piano et la musique de chambre du XXe siècle au Conservatoire de Berne. En 1997, il publie un ouvrage pédagogique, intitulé Vade mecum pour un pianiste de chambre, aux éditions Passigli.

 

Renaud Capuçon

Renaud Capuçon est un violoniste français, né le 27 janvier 1976 à Chambéry.

Il entre au conservatoire de sa ville natale à quatre ans, puis il intègre le Conservatoire national supérieur de musique de Paris à l'âge de 14 ans dans la classe de Gérard Poulet. Il en ressort trois ans plus tard avec un premier prix de musique de chambre et un premier prix de violon.

Durant les années qui suivent, il participe à de nombreux concours internationaux, et intègre l'Orchestre des Jeunes de la Communauté Economique Européenne, puis l'Orchestre des Jeunes Gustav Malher (en tant que premier violon) sous la direction de Claudio Abbado.

Il entreprend en parallèle une carrière de soliste, mais également de chambriste en jouant notamment avec Nicholas Angelich, Jérôme Ducros, Frank Braley, Hélène Grimaud, Gérard Caussé, ainsi qu'avec son frère Gautier (violoncelliste).

Après avoir joué sur un Vuillaume, un Guadanini, puis sur un Stradivarius, il s'est vu prêter par la Banque de Suisse Italienne BSI un Guarnerius, le « Panette », 1737 ayant appartenu à Isaac Stern.

 

Ricardo Castro

Etabli en Europe depuis 1984, Ricardo Castro a étudié avec Maria Tipo au Conservatoire de Musique de Genève et avec Dominique Merlet à Paris. Lauréat du concours de l'ARD à Munich en 1987, et 1er Prix du Concours International de piano de Leeds en 1993.

Né au Brésil, Ricardo Castro joue du piano depuis l'âge de trois ans et a commencé ses études musicales avec Esther Cardoso à l'Ecole de Musique de l'Université de Bahia. Sa carrière a été ponctuée de nombreux récitals dans les plus grandes salles de concerts ainsi que des engagements avec de grands orchestres. Entre 1995 et 2000, Ricardo Castro a fait une série d'enregistrements pour Arte Nova - BMG dont des sonates de Mozart, un récital Liszt, les Nuits dans les Jardins d'Espagne de Manuel de Falla, ainsi que 5 CDs avec des oeuvres de Chopin.

Ricardo Castro attache une importance particulière à l'activité pédagogique. Il travaille depuis une douzaine d'années à Fribourg (Suisse) avec de jeunes pianistes professionnels.

 

Olivier Cavé

© Stefan Meyer

Olivier Cavé naît en Suisse en 1977. Elève de Nelson Goerner, Maria Tipo et Aldo Ciccolini, il donne son premier concert en 1991, accompagné de la Camerata Lysy sous la baguette de Yehudi Menuhin. Très jeune il se produit en Europe comme soliste tant en récital qu'avec orchestre.

En 2008, sa carrière prend un nouvel essor dans le sillage de la sortie de son premier album chez Aeon (Outhere Music Group) dédié aux sonates de Domenico Scarlatti. Aux quatre coins de l’Europe, la presse salue ce « retour aux sources » du pianiste suisse, d’origine napolitaine. Consacré à Muzio Clementi, son deuxième enregistrement chez Aeon frappe plus fort encore : sorti à l’automne 2010, il décroche 5 Diapasons, 4 Etoiles Classica et la plus haute distinction de la revue japonaise Geijutsu Records.

En automne 2011, sa tournée sur la côte Est des Etats-Unis « autour du piano italien » rencontre un succès retentissant. Duke University et West Virginia University l’invitent à donner des masterclasses. Il se produit avec le San Francisco Symphony Orchestra en février 2012 sous la direction de Rinaldo Alessandrini. Son interprétation du Concerto K.503 de Mozart est acclamée par le public et saluée par la critique comme "un modèle de raffinement pianistique".

En août 2012, Olivier Cavé fait des débuts très remarqués en France, au Festival de Piano de la Roque d'Anthéron. Dédié à Johann Sebastian Bach, son troisième disque chez Aeon "Nel Gusto Italiano" est édité au printemps 2013. Un programme que le pianiste a interprété au Théâtre la Fenice de Venise et au Festival de Piano de la Roque d'Anthéron, où il est salué par la critique comme "une révélation du 33ème Festival". Il fait ses débuts au Menuhin Festival Gstaad en août 2013.

 

Eric Cerantola

Eric Cerantola commence ses études de piano au Conservatoire de Fribourg dans la classe d'Antoinette Stucki où il les couronne chez Céline Volet par un diplôme de virtuosité avec félicitations du jury.

Il suit des cours d'accompagnement du lied chez Irwin Gage à Zurich et György Sandòr à Assises en Italie. Parallèlement, dans la classe de Harry Datyner au Conservatoire de Genève, il obtient en 1992 le Prix de Virtuosité. Il se perfectionne ensuite auprès de Ricardo Castro.

Professeur de piano et pianiste de la classe professionnelle de chant au Conservatoire de Fribourg, Eric Cerantola rejoint en 1997 Gisèle Sallin, metteuse en scène, et Antoinette Faes, cantatrice et conseillère artistique de la classe professionnelle de chant, pour participer à un atelier scénique destiné aux étudiants en art lyrique. La collaboration avec le Théâtre des Osses, et avec la compositrice fribourgeoise Caroline Charrière pour lequel il crée plusieurs musiques de scène, l'amène à rencontrer la mezzo-soprano suisse Brigitte Balleys , avec qui il travaille depuis 2002.

Depuis plusieurs années il est le partenaire musical de la mezzo soprano Sophie Marilley, la soprano Brigitte Fournier ou le baryton Philippe Huttenlocher.

Un enregistrement des mélodies et des duos de Mel Bonis (1858-1937) avec la soprano française Valérie Gabail et Brigitte Balleys est prévu pour 2006.

 

Nicolas Chalvin

© Bernard Martinez

Actuel directeur musical de l’Orchestre des Pays de Savoie, Nicolas Chalvin a mené une brillante carrière d’instrumentiste, avant de se consacrer pleinement à la direction d’orchestre.


La carrière de Nicolas Chalvin commence au sein de grandes formations symphoniques, notamment à l’Orchestre national de Lyon et à l’Orchestre Philharmonique du Luxembourg. Riche de son expérience de musicien d’orchestre, sa rencontre avec Armin Jordan marque un tournant décisif dans sa carrière musicale et on le retrouve très vite à la direction musicale de productions lyriques et chorégraphiques au grand Théâtre de Genève, à l’Opéra de Lausanne ou encore à l’Opernhaus de Zürich.Il est l’invité régulier de phalanges orchestrales en France et à l’étranger (Orchestre Philharmonique de Radio-France, Orchestre São Carlo de Lisbonne, Orchestre Philharmonique de Strasbourg).

Directeur musical de l’Orchestre des Pays de Savoie depuis 2009, Nicolas Chalvin parcourt avec aisance le répertoire pour orchestre, des premiers classiques aux œuvres les plus récentes, chérissant particulièrement la musique française. Menant l’Orchestre des Pays de Savoie sur les grandes scènes musicales, sa curiosité et sa créativité permettent à l’Orchestre des Pays de Savoie d’explorer toute la diversité du répertoire pour orchestre et de s’investir dans des projets musicaux d’envergure (Festival Berlioz à la Côte-Saint-André, Musique à la Grange au Lac à Évian…).

Son goût pour la recherche de répertoires oubliés l’a amené à enregistrer plusieurs œuvres avec le label Timpani dont Reynaldo Hahn (Orchestre des Pays de Savoie, 2015) et Aucassin et Nicolette de Paul Le Flem (Orchestre des Pays de Savoie, 2011) ou encore Sophie Arnould de Gabriel Pierné (Orchestre Philharmonique du Luxembourg), opéra salué par la critique et nominé aux BBC Awards en 2008.

 

Bertrand Chamayou

Bertrand Chamayou, pianiste français est né le 23 mars 1981 à Toulouse.

Bertrand Chamayou commence à étudier le piano à huit ans. Peu de temps après, il entre au conservatoire de sa ville natale, d'où il sortira à l'âge de quinze ans pour rejoindre la classe de Jean-François Heisser au Conservatoire de Paris. Il donne alors ses premiers concerts, suit les conseils d'artistes tels que Murray Perahia, Leon Fleisher, Dimitri Bachkirov ou encore Aldo Ciccolini ; il remporte un deuxième prix au Concours international Krainev en Ukraine, un premier prix de piano au Conservatoire, et intègre le cycle de perfectionnement de cet établissement tout en se perfectionnant auprès de Maria Curcio à Londres.

En 2001, à la faveur de son quatrième prix au Concours international Marguerite-Long-Jacques-Thibaud, Bertrand Chamayou se met à donner de plus en plus fréquemment des concerts, soit en soliste, soit encore avec des chanteurs ou avec orchestre. Il s'est depuis produit de nombreuses fois en récital dans diverses salles prestigieuses (Pleyel, Théâtre Mogador, Gaveau, Théâtre du Capitole, Halle aux Grains de Toulouse, Corum de Montpellier, Gasteig de Munich, Conservatoire Tchaïkovski de Moscou etc.) ainsi que dans des festivals tels que La Roque d'Anthéron, la Folle Journée de Nantes, le Festival de Radio France et Montpellier Languedoc Roussillon, Piano aux Jacobins, Piano à Riom, Piano en Valois, les Flâneries Musicales de Reims, l'Orangerie de Sceaux, le Festival de Pâques de Deauville, le Printemps Musical de Saint Cosme.

Ses concerts le mènent aussi dans de nombreux pays (Allemagne, Belgique, Hongrie, Russie, Espagne, Portugal, Japon, Canada, etc.) Outre ses récitals, Bertrand Chamayou s'est produit en concerto avec divers orchestres français de grande renommée, tels que l'Orchestre philharmonique de Radio France ou l'Orchestre national du Capitole de Toulouse sous la direction, respectivement, de Lawrence Foster et Michel Plasson, et pratique assidûment la musique de chambre avec des partenaires comme Augustin Dumay, Renaud et Gautier Capuçon, le Quatuor Ysaÿe, le Quatuor ébène, Xavier Phillips, Henri Demarquette. Il est invité par le festival Piano aux Jacobins, à Verbier, à l'Orangerie de Sceaux, etc. mais ne se contente pas d'illustrer le répertoire : on lui doit la création d'oeuvres nouvelles signées Philippe Hersant, Guillaume Connesson, etc.

En 2006, il est lauréat des Victoires de la musique classique dans la catégorie "révélation soliste instrumental de l'année".

Toujours en 2006, il enregistre les Douze études d'exécution transcendante de Franz Liszt (chez Sony)

En 2007, il joue le Concerto pour piano n° 2 de Saint-Saëns, avec l'Orchestre français des jeunes, sous la direction de Jean-Claude Casadesus, à Paris, Dijon, Vichy et Aix-en-Provence.

En 2008, il sort un nouveau disque des Romances sans paroles de Mendelssohn.

En 2011, il obtient le titre de "soliste instrumental de l'année" aux Victoires de la musique classique.

 

Christian Chamorel

Né en 1979, Christian Chamorel s'est établi dernièrement comme un soliste et chambriste réputé sur la scène musicale internationale. Il est invité par des festivals tels que le "Klavierfestival Ruhr", le "Menuhin-Festival Gstaad" ou les "Serres d'Auteuil" et joue dans des salles aussi renommées que le Konzerthaus de Berlin, la Tonhalle de Zurich, le Prinzregententheater de Munich, le Palau de la Musica de Valencia et le Wigmore Hall à Londres. Il collabore avec des orchestres tels que l'Orchestre de Chambre de Lausanne, l'Orchestre de la Suisse Italienne, l'"Orquesta de Valencia", le "Musikkollegium Winterthur", le "Münchner Bach Collegium" et l'"Orchestra Sinfonica Carlo Coccia". Il accompagne en outre des artistes tels que Ruth Ziesak, Christian Gerhaher, Pierre Amoyal, Ann Murray, Philip Langridge, Christoph et Stephan Genz ainsi que Rachel Kolly d'Alba.

Christian Chamorel entreprend ses études au Conservatoire de Lausanne où il obtient à 17 ans une "Virtuosité" avec félicitations du jury dans la classe de Christian Favre, avant de compléter sa formation à la Hochschule für Musik und Theater de Munich auprès de Gerhard Oppitz, obtenant un diplôme de soliste en 2004. Il étudie en outre la musique de chambre avec Friedemann Berger et l'accompagnement du Lied avec Helmut Deutsch. En Mai 2006, il obtient le diplôme de soliste à la Musikhochschule de Zurich auprès de Homero Francesch.

Christian Chamorel est l'un des pianistes suisses les plus primés de sa génération. Il est lauréat de plusieurs concours internationaux (Concours "Gian Battista Viotti" à Vercelli, "Premio Iturbi" de Valencia, Beethoven de Vienne, Konzertgesellschaft München) et remporte également les premiers prix de la Société des Arts de Genève et de la première édition du concours international "Virtuose du futur" à Crans-Montana. Parmi de nombreux prix suisses, citons le prix Yamaha 1999, le prix Leenaards 1999 et le prix Kiefer Hablitzel en 2001, 2003 et 2005.

En 2005, Christian Chamorel enregistre un disque consacré à Franz Liszt qui enthousiasme la presse internationale. Le quotidien français Classiquenews notamment parle d'"événement" et le place dans ses "coups de coeur 2007". Un deuxième CD, consacré aux "Années de Pèlerinage" de Liszt, sort au printemps 2009.

Depuis septembre 2007, Christian Chamorel est professeur de piano au Conservatoire de Genève. Il est également le fondateur et le directeur artistique du "Mont Musical", un festival de Lied et de musique de chambre au Mont-sur-Lausanne, Suisse.

 

Eugene Chan

Der amerikanische Bariton studierte an der Sacramento State University und ist Resident der Marilyn Horne Foundation an der Universität von Bradford. Preisträger zahlreicher Wettbewerbe, so u. a. der Washington International Competition oder der Sullivan Foundation. Während seines Studiums war er bereits mit Partien wie Danilo («Die lustige Witwe»), Schaunard («La Bohème»), Titelpartie «Don Giovanni», Papageno («Die Zauberflöte»), Ottone («L'incoronazione di Poppea») zu erleben. An der San Francisco Opera gab er sein Debüt als Prinz Yamadori («Madama Butterfly») und sang dort kurze Zeit später als Teilnehmer des Sommertrainingsprogramms Merola Mr. Gedge in Brittens «Albert Herring». Als Mitglied des Seattle Opera Young Artists Program trat Eugene Chan mit der Titelpartie in «Eugen Onegin», als Marco («Gianni Schicchi»), L'Horloge Comtoise/Le Chat («L'enfant et les sortilèges»), Gasparo («Rita») sowie in «Trouble in Tahiti» auf. Konzertauftritte führten ihn u. a. mit Werken wie «Carmina burana», Faurés «Requiem», Brahms' «Requiem» oder Vaughn Williams' «Songs of Travel» in die Carnegie Hall, die Walt Disney Concert Hall oder ans Shanghai National Grand Theatre.

 

Corinne Chapelle

Née le 5 août 1976 en Californie, de mère tunisienne et de père français, Corinne Chapelle a commencé le violon à 2 ans et 1/2 par la méthode Suzuki. Elle a étudié dans l'école Menuhin à Surrey, GB, à la Juilliard School, New York (classe de Pinchas Zukerman), et a reçu les conseils de Josef Gingold, Lorand Fenyves et Liana Isakadze.

Ensuite, elle a été dans la classe de Ana Chumachenco à la Hochschule für Musik und Theater de Munich.

 

Sarah Chardonnens Lehmann

Sarah Chardonnens Lehmann, née en 1976, a étudié la clarinette au Conservatoire de Fribourg auprès de Jean-Daniel Lugrin et ensuite dans la classe professionnelle de Aurèle Volet. Elle obtient son diplôme d'enseignement en juin 2000.

En octobre 2000, elle entre à la Musikhochschule de Winterthur-Zürich dans la classe d'Elmar Schmid puis de Fabio di Casola afin de préparer un diplôme de soliste qu'elle obtient en mai 2003. De plus, Heinz Hofer (clarinettiste basse du Tonhalleorchester) la guidera dans la découverte de la clarinette basse.

Elle a également profité des conseils d'Alois Brandhofer (Mozarteum, Salzburg), Fabio di Casola (Festival Tibor Varga, Sion), de Raymond Dils et Luc Loubry (Libramont, Belgique), Michael Reid (clarinettiste solo du Tonhalleorchester) ainsi que Antony Morf (clarinettiste solo de l'orchestre symphonique de Bâle).

En mars 2000, elle remporte le Prix Pierre et Renée Glasson et décroche en décembre de la même année le Prix d'étude de la Fondation Ernst Göhner (Migros).

En mars 2002, elle remporte le Premier Prix de la Fondation Hegar pour la musique contemporaine à Zürich et en février 2003, le Prix de la fondation Kiefer-Halblitzel.

Elle a participé à l'Académie d'orchestre de la Tonhalle et a fait un stage (2002-2003) à l'orchestre symphonique de Bienne. Elle effectue des remplacements à l'orchestre de Winterthur.

Parallèlement à ses activités régulières de musique de chambre, récitals et soliste, elle enseigne à l'école de musique de Marly et joue avec la "Camerata Schweiz".

 

Pierre-Adrien Charpy

Après une médaille d’or en 1990 au C.N.R. de Marseille, Pierre-Adrien Charpy poursuit ses études d’orgue auprès d’André Isoir au C.N.R. de Boulogne-Billancourt, où il reçoit en 1994 un premier prix d’interprétation à l’unanimité avec félicitations du jury. La même année, il obtient un premier prix de contrepoint Renaissance (classe d’Olivier Trachier) et un premier prix de fugue et formes au C.N.S.M. de Paris (classe de Thierry Escaich en 1995). Titulaire du C.A. d’écriture musicale, il enseigne au C.N.R. de Marseille.

Comme interprète, c’est à Saint-Bertrand de Comminges et à Saint-Cyprien du Périgord notamment que l’on a pu l’entendre. Comme continuiste, il collabore avec les ensembles Clément Janequin (Dominique Visse), La Fenice (Jean Tubéry), Vivete Felici (Geoffroy Jourdain) et William Byrd (Graham O’Reilly) ...

Son activité de compositeur a été récompensée par les prix Jousselin-Korewo (1999) et André Caplet (2001) de l’Institut de France.

 

Caroline Charrière

Née à Fribourg, Caroline Charrière a accompli des études de flûte traversière au Conservatoire de Lausanne (diplôme d'enseignement et de virtuosité, classe de Pierre Wavre). Parallèlement, elle a suivi des cours d'orchestration et de composition chez Jean Balissat. Elle s'est ensuite perfectionnée auprès du flûtiste Aurèle Nicolet, puis au Royal Northern College of Music de Manchester. En 1990, elle a entrepris des études de direction d'orchestre au Conservatoire de Lausanne dans la classe d'Hervé Klopfenstein et a obtenu le diplôme avec mention.

Après plusieurs années partagées entre l'enseignement, la direction de choeur et la musique de chambre, la composition prend de plus en plus de place et, en automne 2000, Caroline Charrière décide de s'y consacrer entièrement. Des commandes importantes - dont Pro Helvetia pour l'oratorio Le livre de Job (2001) - , des interprètes de renom (Brigitte Balleys, Maria Cristina Kiehr), un festival (Konzert-Portrait organisé par le Frauenmusikforum à Berne en janvier 2003) et une collaboration régulière avec le Théâtre des Osses ont maintenant confirmé ce choix.

Elle continue néanmoins à enseigner quelques heures au Conservatoire de Fribourg et à diriger le Choeur de Jade.

 

 Choeur de Jade

Le Choeur de Jade de Fribourg est un ensemble féminin, dirigé par la compositrice Caroline Charrière. Il a été fondé en 1991 par sa directrice et quelques amies et se compose aujourd'hui de 12 choristes amateures.

Son répertoire traverse toutes les époques, de Hildegard von Bingen à des compositeurs du XXe et du XXIe siècle et il comporte des oeuvres aussi bien à cappella qu'avec accompagnement instrumental. Le Choeur de Jade chante également avec plaisir des mélodies populaires de son canton ou d'ailleurs.

En 1994, cet ensemble a remporté le deuxième prix des Rencontre chorales de Charmey : "Une grande émotion musicale, celle authentiquement de l'âme." (Bernard Sansonnens, La Liberté)

Il a enregistré son premier disque comprenant les "Ceremony of Carols" de B. Britten et des oeuvres de J. Brahms, G. Marini et C. Charrière : "On n'est qu'à demi étonné de la beauté de ce disque (...), des voix souples, au timbre gorgé de couleurs diaprées." (B. Sansonnens)

La participation à la Journée fribourgeoise d'Expo 02 et l'enregistrement d'un 2e CD ont constitué les moments forts des activités du choeur au cours de ces dernières années, ainsi que la création d'oeuvres de sa directrice.

L'année 2003 a été marquée par la participation du Choeur de Jade au Festival C. Charrière, organisé par le Forum Musique et Femmes à Berne, et par la sortie de son 2e CD "Romantique", qui comprend des pièces de Mendelssohn, Schubert, Schumann et Rheinberger : "Voix chaleureuses, phrasé dynamiques, transparence harmonique, C. Charrière conduit ses chanteuses dans le coeur de la musique." (Patrice Borcard, La Gruyère)

 

Dana Ciocarlie

© Bernard Martinez

Formée aux sources de l’école roumaine de piano, Dana Ciocarlie a également étudié à Paris auprès de Victoria Melki, de Dominique Merlet et de Georges Pludermacher. Sa rencontre avec le pianiste allemand Christian Zacharias sera déterminante, en particulier pour approfondir l’œuvre pour piano de Franz Schubert. Son talent a été récompensé par de nombreux prix internationaux prestigieux : un 2e Grand Prix au Concours International Robert Schumann, à Zwickau, le Prix Spécial Sandor Vegh, le Concours Geza Anda, à Zurich, le Prix International Pro Musicis, le Young Concert Artist European Auditions, à Leipzig, le Concours Ferrucio Busoni, en Italie. Parmi ses partenaires de prédilection en musique de chambre, on mentionnera les violonistes Gilles Apap, Jean-Marc Philips, Nicolas Dautricourt, Laurent Korcia, Marina Chiche, les altistes Arnaud Thorette et Pierre Franck, les violoncellistes Sébastien van Kuijk et Raphaël Chrétien, le corniste David Guerrier, le Quatuor Psophos. Ses multiples activités en récital ou en concert avec orchestre l’ont conduite dans les salles et les festivals du monde entier et sous la direction de chefs renommés. Douée d’un tempérament vif-argent où la générosité le dispute à l’engagement, Dana Ciocarlie possède un vaste répertoire, s’étendant de Jean-Sébastien Bach aux compositeurs d’aujourd’hui. Certains d’entre eux lui ont dédié des œuvres, tels Karol Beffa, Frédéric Verrières, Helena Winkelman, Dan Dediu. Elle est reconnue comme l’une des interprètes majeures de Horatiu Radulescu. Ses nombreux enregistrements lui valent des critiques élogieuses de la presse qui n’hésite pas à la comparer par sa musicalité à Wilhelm Kempff et à Clara Haskil. Sur France Musique, elle poursuit son cycle dédié aux œuvres de Robert Schumann dans l’émission L’atelier du musicien de Jean-Pierre Derrien qui l’invite régulièrement.

 

Graziella  Contrato

En tant que directrice artistique de l'Orchestre des Pays de Savoie depuis la saison 2003/2004, la suisse allemande Graziella Contratto est la première femme en France à diriger un ensemble orchestral permanent.

Pianiste et musicienne de chambre de formation, Graziella Contratto se lance dans la direction d'orchestre en tant que ‘ Kapellmeister' à la Haute Ecole de musique de Bâle.

Elle conçoit ensuite divers concerts de musique contemporaine au sein de l'Internationale Gesellschaft für Neue Musik de Lucerne. Plusieurs oeuvres ont été créées sous sa direction - des compositions de Hans Werner Henze, Andrea Scartazzini et Jörg Widmann, et, avec l'Orchestre des Pays de Savoie, de Daniel Glet et Suzanne Giraud.

En 1996, elle fait ses débuts au Lucerne Festival avec des oeuvres de Pierre Boulez et prend le poste de chef titulaire de l'Akademisches Orchester Freiburg i. Brisgau.

Assistante musicale de Claudio Abbado de 1998 à 2000 auprès de l'Orchestre philharmonique de Berlin, elle l'assiste au Festival de Pâques de Salzbourg pour Boris Godunow, Tristan et Isolde, Simone Boccanegra et Cosi fan tutte (Ferrare) et surveille tous les enregistrements de l'orchestre chez Deutsche Grammophon.

Entre 2000 et 2002, elle travaille avec l'Orchestre National de Lyon (David Robertson). Graziella Contratto a dirigé notamment les Bamberger Symphoniker, l'Orchestra Sinfonica Giuseppe Verdi Milan, l'Orchestre de la Tonhalle Zurich, l'orchestre symphonique de Berne.

Depuis 2005, elle est également la directrice musicale de la Camerata Schweiz.

 

Mirijam Contzen

Die deutsch-japanische Geigerin Mirijam Contzen zählt zur Topriege der jungen Geiger-generation. Bereits mit zwei Jahren bekommt sie ihre erste Violine, ein Jahr später ihren ersten Unterricht, und im Alter von fünf Jahren tritt sie zum ersten Mal auf. Eine Persön-lichkeit, die ganz wesentlichen Anteil an ihrer künstlerischen Entwicklung hat, ist der legendäre Geiger und Pädagoge Tibor Varga, dessen Schülerin sie mit sieben wird.

Mit 16 Jahren gewinnt sie den Internationalen Violinwettbewerb Tibor Varga, der ihr die Tore zur Internationalen Musikwelt öffnet. Claudio Abbado lud sie zu den „Berliner Begegnungen“ ein. In der Saison 2003 / 2004 debütierte Mirijam Contzen bei den Salzburger Festspielen und in der Wigmore Hall London.

Mirijam Contzen spielt eine Violine von Carlo Bergonzi.

 

Bogdan Czapiewski

Bogdan Czapiewski est né en 1949 et a étudié le piano avec Zbigniew Śliwiński à l'Académie de Gdansk et avec Jan Ekier à Varsovie. Grâce à une bourse de la Fondation Kościuszko, il a pu suivre les cours de György Sebok à l'Université d'Indiana à Bloomington. Bogdan Czapiewski a été finaliste dans plusieurs concours internationaux de piano : Busoni en 1975 à Bolzano, Viana da Motta la même année à Lisbonne et en 1976 au Concours de Montréal. En 1987, on lui a attribué le Grand Prix du disque Liszt au concours d'enregistrement international à Budapest.

Il a enregistré un large répertoire en Pologne, Allemagne, Belgique, en France et au Japon. Son dernier enregistrement de sonates de piano de Rachmaninov, Prokofiev et Serocki a reçu le prix le plus haut attribué par l'Académie phonographique polonaise, le Fryderyk.

Ses tournée l'ont mené en Europe, Asie, Amérique du Nord et en Australie et dans les salles de concert les plus prestigieuses Il est actuellement professeur de piano à l'Académie de Musique de Gdansk.

 

Jürg Dähler

Jürg Dähler est né à Zurich. Il poursuit une carrière internationale comme violoniste, altiste concertant, pédagogue et chambriste.

Il a étudié avec S. Vegh, Ch. Schiller, P. Zuckerman, K. Kashkashian et F. Drushinin. Il a été marqué par ses rencontres avec B. Langbein, H. Holliger, N. Harnoncourt et G. Ligeti.

Concerts importants comme soliste ou musicien de chambre, notamment à Vienne, Salzbourg, Paris, Madrid, Londres, Sydney et Lucerne, tournées aux USA, en Asie, Australie et Amérique du Sud.

Il est membre fondateur du Collegium Novum de Zurich et des Swiss Chamber Concerts. Depuis 1993 il est premier alto solo du Musik Collegium de Winterthur et membre du quatuor de Winterthur. Il a aussi fondé en 1997 dans les Grisons le festival Kultur Herbst Bündner Herrschaft.

Il a participé à la création d'une centaine d'oeuvres comme soliste ou chambriste, en collaboration avec des compositeurs tels que Holliger, Henze, Ligeti, Pärt, Cerha, Druschinin, Polglase, Haller, Käser, Kelterborn, Lehmann, Brinken et Schnyder.

 

Michel Dalberto

Né à Paris le 2 juin 1955, Michel Dalberto est un pianiste et chef d'orchestre français.

Elevé dans une famille non musicienne aux origines dauphinoises et piémontaises qui l'adopta à la naissance, Michel Dalberto étudie au Conservatoire de Paris avec Vlado Perlemuter et Jean Hubeau.

Il remporte le Prix Clara-Haskil en 1975 et le 1er Prix du Leeds International Piano Competition en 19782.

Il a été invité aux festivals d'édimbourg, Lucerne, Aix-en-Provence, La Roque d'Anthéron, La Grange de Meslay, Schleswig-Holstein, Maggio Musicale de Florence, Lanaudière, Newport.

En musique de chambre, il s'est produit notamment avec Boris Belkin, Renaud Capuçon, Vadim Repin, Truls Mork, Henri Demarquette, Paul Meyer, le quatuor Modigliani. Il a aussi accompagné Barbara Hendricks, Jessye Norman, Stephan Genz.

De 1990 à 2004, il est co-directeur artistique de l'Académie-Festival des Arcs en Savoie.

De 1991 à 2009, il préside le jury du concours Clara-Haskil à Vevey. Il est désormais membre du comité d'organisation.

Il a donné de nombreuses masterclasses au Japon, en Corée, en Chine, en Italie, en Angleterre, au Canada. De 2005 à 2009, il enseigne à l'Accademia Pianistica "Incontri col Maestro" d'Imola.

Depuis 2006, il dirige des orchestres de manière régulière non seulement en France mais aussi en Chine, au Japon, en Hongrie.

Membre du Club des Cent depuis 2002, il est un gastronome averti. Il pratique régulièrement le ski et la plongée sous-marine et est amateur de voitures anciennes tout comme de Formule 1.

Il est élevé au grade de Chevalier dans l'ordre national du Mérite en 1996.

Il a été nommé professeur de piano au Conservatoire de Paris en mai 2011.

 

Barbara Danecka

La pianiste Barbara Senn Danecka, originaire de Pologne, a été à Varsovie disciple de Jan Ekier, célèbre pianiste, Président du Concours Frédéric Chopin, et éditeur de la nouvelle Edition complète des oeuvres de Chopin.

Elle a formé avec sa collègue Marta Kulig un duo de pianos très apprécié et a collaboré avec de nombreux artistes. Elle allie, dans sa carrière, ses concerts personnels (avec un goût particulier pour l'exploration du riche répertoire peu connu de la musique de chambre) à son enseignement au Conservatoire de Musique de Genève.

Elle a travaillé dès 2000 pour l'Edition Nationale des Oeuvres de Frédéric Chopin en tant que traductrice de l'appareil critique de polonais en français. Fruits de cette collaboration les commentaires de la nouvelle édition des «Valses», notamment, ont été publiés en été 2002.

Mme Senn Danecka est aussi maintenant la présidente de la "Société des Concerts de Fribourg", qui, depuis 1913, organise dans cette ville suisse de prestigieuses saisons annuelles de concerts.

 

Olivier Darbellay

Né à Berne en 1974, il entame en 1991 des études de violoncelle au Conservatoire de Berne avec Patrick Demenga et Peter Horr, puis étudie le cor avec Thomas Müller et David Johnson. En 1996, il obtient son diplôme de cor «avec distinction». Il se perfectionne avec Bruno Schneider au Conservatoire de Freiburg i. Br. (diplôme en 1998 «avec distinction»), et, en plus il s'inscrit à la Schola Cantorum Basiliensis pour travailler le cor naturel avec Thomas Müller.

En 1999, il remporte le Concours de la Communauté des Radios publiques de langue française et, comme Jeune Soliste CRPLF de l'an 2000, il reçoit des engagements pour des concerts et des enregistrements en France, en Belgique, au Canada et en Suisse. L'an 2000 lui apporte le Premier Prix de la Tribune internationale des jeunes interprètes à Lisbonne.

À part ses concerts en soliste, il poursuit une activité intense de chambriste: en diverses formations et avec des partenaires prestigieux, comme Raphael Oleg, Joshua Bell, Akiko Suwanay, Patricia Kopatchinskaya, Myriam Contzen, Erich Hobarth, Heinz Holliger, Hermann Baumann, Peter Horr, Sol Gabetta et Siegfried Palm. Il est l'invité des Berliner Festwochen, du Festival de Lucerne, du Festival Menuhin à Gstaad, du Festival de Radio France à Montpellier, du Festival Muséiques à Bâle, de l'Orpheum-Festival de Zurich et des World New Music Days. Comme membre de l'Ensemble Contrechamps de Genève, du Collegium Novum de Zurich et de l'Ensemble Antipodes, il participe aux Festivals de Bruxelles, Vienne, Varsovie, Odessa, Strasbourg et Witten. Avec le cor naturel il travaille avec plusieurs ensembles, entre autres, le Bach Collegium Japan, le Tafelmusik Orchestra de Toronto et les Kammersolisten de Zoug.

Plusieurs compositeurs lui ont dédié des oeuvres: notamment, il crée le Duo pour cor naturel et contre-ténor de Heinz Holliger lors du Festival de Lucerne de 2006.

Depuis 1995, il est cor solo de l'Orchestre Symphonique de Berne et, dès 2001, enseigne à la Haute école de Musique de Lausanne.

 

Marina de Liso

Marina de Liso débute des études de chant au conservatoire de Rovigo, où elle obtient son diplôme supérieur. Elle poursuit ses études à Milan, où elle se spécialise dans le répertoire de la Renaissance et du Baroque avec Claudine Ansermet. Elle remporte le concours Toti dal Monte à Trévise, puis le concours As.Li.Co. à Milan. Elle fait ses débuts en Italie dans le rôle de Miss Quickly de Falstaff. Ensuite, elle chante Alcina dans l’Orlando Furioso de Vivaldi, Isabella dans L’Italiana in Algeri, Ragonde dans Le Comte Ory de Rossini et Flaminia dans L’Innocenza giustificata de Gluck. Elle se concentre particulièrement sur la musique baroque. Ces dernières années, elle interprète différents rôles de mezzo-soprano : Arsace dans Partenope de Haendel, Rosimonda dans Faramondo, Andronico dans Tamerlano, Cornelia dans Giulio Cesare, Andronico dans Tamerlano et Claudio dans Silla. Pour le répertoire classique, elle interprète entre autres : Marchesa Melibea dans Il Viaggio a Reims et Rosina dans Le Barbier de Séville de Rossini, Cherubino dans Le Nozze di Figaro et Annio dans La Clemenza di Tito de Mozart. Elle remporte un brillant succès à la Scala de Milan dans La Didone de Cavalli. Elle chante Asteria dans Bajazet de Vivaldi, Speranza dans L’Orfeo de Monteverdi, La Betulia Liberata de Mozart, Ecuba dans La Didone de Cavalli, Medoro dans l’Orlando de Haendel, Tamiri dans Farnace de Vivaldi, Vitellia dans Tito Manlio et Oloferne dans la Juditha Triumphans de Vivaldi. En concert, elle chante dans le Requiem de Mozart, le Stabat Mater de Rossini. Elle est accompagnée par l’Accademia Montis Regalis, La Venexiana, l’Accademia Bizantina, l’Orchestra dell’Accademia di Santa Cecilia, l’Europa Galante, le Concert des Nations, l’Ensemble Matheus, le Concert Spirituel, le Concert d’Astrée.

 

Henri Demarquette

Henri Demarquette est né en 1970, et entre à 13 ans au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris, où il étudie avec Philippe Muller et Maurice Gendron. Titulaire d'un Premier Prix à l'unanimité, il travaille également avec Pierre Fournier et Paul Tortelier, puis, avec Janos Starker à Bloomington aux Etats Unis.

Familier de la scène dès l'âge de 14 ans, sa carrière débute à 17 ans par un récital au Théâtre du Châtelet et une émission télévisée enregistrée par France 3 avec la pianiste Hélène Grimaud. Il est aussitôt remarqué par Sir Yehudi Menuhin qui l'invite à jouer sous sa direction le Concerto de Dvorak à Prague et à Paris.

Depuis, sa carrière prend un essor international qui le conduit dans de nombreuses capitales accompagné des plus grands orchestres français ou étrangers, et en compagnie de ses partenaires de musique de chambre privilégiés.

Esprit curieux, Henri Demarquette aime à prendre des chemins de traverse, aborde régulièrement la musique contemporaine, et se plait à défendre des œuvres rares. Une de ses aventures les plus originales est le programme Piazzolla Forever qu'il présente avec l'accordéoniste Richard Galliano au sein de son septett.

Henri Demarquette joue un violoncelle du luthier italien Goffredo Cappa de 1697 et un archet de Persois de 1820.

 

Patrick Demenga

Der 1962 geborene Musiker studierte am Konservatorium Bern, bei Boris Pergamenschikow in Köln und bei Harvey Shapiro in New York. Mehrere Preise dokumentieren den Beginn seiner Karriere und heute zählt er international zu den renommiertesten Cellisten. Als Solist und Kammermusiker tritt er regelmässig an den grossen Festivals und in bekannten Musikzentren auf wie z.B. im Megaron Athen, Concertgebouw Amsterdam, Berliner Philharmonie oder Lucerne Festival und arbeitet mit namhaften Musikerpersönlichkeiten (wie Armin Jordan, Heinz Holliger, Norbert Brainin, Leonidas Kavakos, Mario Venzago, Dennis Russel Davies, Alexander Lonquich, Erich Höbarth. Melvyn Tan, Christian Altenburger, Natalia Gutman u.v.m.) und Orchestern (wie Tonhalle Orchester Zürich, RSO Wien, Camerata Bern, Münchner Kammerorchester, Orchestre de la Suisse Romande, Orchestre de Chambre de Lausanne, Kremerata Baltica, Ensemble Modern, Zürcher Kammerorchester u.v.a) zusammen. Zahlreiche Radio- und Fernsehaufnahmen sowie Schallplatten- und CD-Einspielungen haben ihn einem internationalen Publikum bekannt gemacht. Zu den neusten Aufnahmen zählen die beiden Haydn Cellokonzerte, die er zusammen mit der Camerata Bern unter der Leitung von Erich Höbarth bei Novalis eingespielt hat sowie die beiden Mendelssohn Klaviertrios in einer Aufnahme mit Leonidas Kavakos Violine und Enrico Pace Klavier bei Sony Classical. Patrick Demenga leitet eine Konzertausbildungsklasse an der Haute Ecole de Musique de Lausanne und unterrichtet an verschiedenen internationalen Meisterkursen. Er ist künstlerischer Leiter der Vier Jahreszeiten- Konzerte in Blumenstein und der Musikfestwoche Meiringen. Von 2002–2006 war er künstlerischer Leiter des Cellofestivals VIVA CELLO. Als Musiker bewegt sich Patrick Demenga gerne im Spannungsfeld grosser Komponisten – grosser Werke und Zeitgenössischer Musik. Gerade in dieser Verbindung sieht er den Reiz der musikalischen Auseinandersetzung und findet zu seiner aussergewöhnlichen Ausdruckskraft.

 

Thomas Demenga

Né à Berne en 1954, Thomas Demenga commence ses études de violoncelle à 6 ans, au Conservatoire de sa ville natale. Parmi ses professeurs, on relève ensuite Walter Grimmer, Antonio Janigro, Leonard Rose et Mstislaw Rostropowitsch. Il perfectionne sa formation de musique de chambre avec Claus Adam, Robert Mann du Quartet Julliard et Felix Galimir.

A côté de son activité de concertiste, il enseigne à l'Académie de musique de Bâle. Dès 1981, il s'adonne à la composition. Il est distingué à la «Tribune Internationale des Compositeurs» de Paris. Ses oeuvres ont obtenu un franc succès lors de leurs premières mondiales.

Depuis ses immenses succès aux concours internationaux de Genève (1975) et de New York (1977), Thomas Demenga compte parmi l'élite des violoncellistes de notre temps. Il a joué avec plusieurs chefs connus tels Wolfgang Sawallisch et Mstislaw Rostropowitch. Thomas s'est produit dans les plus grandes salles de concert par le monde et a été invité dans de célèbres festivals de musique internationaux. Parmi ses partenaires de musique de chambre, on retrouve Heinz Holliger, Gidon Kremer, Thomas Zehetmair, Tabea Zimmermann et Thomas Larcher.

 

Sebastian Diezig

Sebastian Diezig, Cellist

 

• 3. Preis Internationaler Cellowettbewerb Lugano “Gianni Bergamo” 2008

• Spezialpreis Internationaler Cellowettbewerb Zagreb “Antonio Janigro” 2008

• Stellvertretender Solo-Cellist des Luzerner Sinfonieorchesters

 

Der Schweizer Cellist Sebastian Diezig ist ein gefragter Solist und Kammermusiker. Er studierte bei Pierre-Bernard Sudan, Marc Jaermann und schliesslich bei Thomas Demenga, bei dem er im Jahr 2008 seine Studien mit einem brillanten Solistendiplom abschloss. Sebastian ist Preisträger zahlreicher Wettbewerbe, besonders hervorzuheben sind sein 3. Preis am Internationalen Cellowettbewerb von Lugano (2008) sowie der Spezialpreis für die beste Interpretation des Pflichtstücks am Internationalen Cellowettbewerb von Zagreb (2008). Seit 2010 ist Sebastian als stellvertretender Solo-Cellist im Luzerner Sinfonieorchester angestellt, mit welchem er als Orchestermusiker im KKL und im Luzerner Theater auftritt sowie regelmässig in wichtigen Musikstädten Europas, Asiens und Südamerikas gastiert. Als Solist tritt er mit Orchestern auf wie dem Basler Sinfonieorchester, dem Orchestra della Svizzera Italiana, dem Freiburger Kammerorchester und anderen mehr sowie an namhaften Festivals wie dem Lucerne Festival, Young Artists in Concert Davos, Sine Nomine Festival in Lausanne und andere in der ganzen Schweiz, in Deutschland, in Österreich, in Belgien und in Luxemburg. Sebastian komponiert auch. Bislang hat er unter anderem die virtuosen Solostücke “Top Gun Variations” (2012) und “Blues”(2007) geschrieben, uraufgeführt und für seinen Youtube-Kanal eingespielt. Zur Zeit spielt er alle Capricen von Alfredo Piatti für seinen Youtube-Kanal ein. Ausserdem ist er Gründer und Autor des umfassendsten Celloblogs des deutschsprachigen Webs. Sebastian ist mit der Geigerin Paula Novoa verheiratet.

 

Sebastian Diezig, violoncelliste

 

• 3ème prix aux concours international de violoncelle de Lugano “Gianni Bergamo” 2008

• Prix spécial au concours international de Violoncelle Zagreb “Antonio Janigro” 2008

• Violoncelliste solo remplaçant à l’Orchestre symphonique de Lucerne

 

Le violoncelliste suisse Sebastian Diezig (*1983 à Fribourg) est un soliste et musicien de chambre sollicité. Il a étudié avec Pierre-Bernard Sudan, Marc Jaermann et finalement avec Thomas Demenga. C’est auprès de ce dernier qu’il a terminé ses études avec un diplôme de soliste brillant en 2008. Sebastian Diezig a gagné des prix à des nombreux concours, notamment le 3ème prix au concours international de Violoncelle de Lugano (2008) et le prix spécial pour la meilleure interprétation de la pièce imposée au concours international de violoncelle de Zagreb (2008). Depuis 2010, Sebastian Diezig est engagé comme violoncelle solo remplaçant à l’Orchestre Symphonique de Lucerne, avec lequel il se produit comme musicien d’orchestre au KKL de Lucerne au théâtre de Lucerne ainsi que régulièrement dans des grandes capitales européennes, asiatiques et de l’Amérique latine. En tant que soliste il a joué avec des orchestres tels que l’Orchestre symphonique de Bâle, l’Orchestre della Svizzera Italiana, l’Orchestre de Chambre de Fribourg et bien d’autres encore ainsi que dans des festivals de renom tels que le Festival de Lucerne, les “Jeunes Artistes en Concert de Davos”, le  “Sine Nomine Festival” à Lausanne et d’autres en Suisse, en Allemagne, en Autriche, en Belgique et au Luxembourg. Sebastian Diezig est également actif comme compositeur. Jusqu’à présent il a composé, créé et enregistré pour sa chaîne Youtube, entre autres, les pièces pour violoncelle solo virtuose “Top Gun Variations” (2012) et “Blues ” (2007). Actuellement il enregistre toutes les caprices d'Alfredo Piatti pour sa chaîne Youtube. Il est d’ailleurs le créateur et l’auteur du blog de violoncelle le plus complet et le plus visité du web allemand qui se trouve sur SebastianDiezig.com. Sebastian Diezig est marié avec la violoniste Paula Novoa.

 

Elitza Djambazowa

 

Hobart Earle

Né à Caracas, au Venezuela, Hobart Earle est actuellement dans sa dixseptième saison directeur et chef de l'Orchestre Philharmonique d'Odessa. Il a élevé l'orchestre à un niveau international sans précédent dans l'histoire de l'ensemble, avec lequel il donné des centaines de concerts acclamés dans des salles de concert de la plus grande importance.

Disciple de Ferdinand Leitner à Salzbourg et de Leonard Bernstein et Seiji Ozawa à Tanglewood, il a étudié la direction à l'Académie de musique à Vienne; reçu le diplôme de clarinette au Trinity College de Londres et à l'Université de Princeton.

En tant que fondateur et directeur de l'Ensemble américain pour la musique viennoise à New York de 1987-1991, Hobart Earle a créé de nombreuses oeuvres de compositeurs contemporains et contribué à la redécouverte de plusieurs compositions méconnues du XIXe et du début du XXe siècle.

 

Olari Elts

Né en 1971 à Tallinn, la capitale de l'Estonie, Olari Elts s'est fait remarquer pour la première fois en 1999, lorsqu'il s'est imposé comme premier lauréat du Concours de direction Jorma Panula. Un an plus tard, il a aussi gagné le 2e Concours international Sibelius. Formé à l'origine comme chef de choeur, Olari Elts a fait ses études à l'Académie de musique de Vienne et la Haute école de musique de Tallinn. Il a aussi participé à des cours d'interprétation donnés par Esa Pekka Salonen et Neeme Järvi. De 2001 à 2005, Olari Elts était le chef attitré de l'Orchestre National Letton, avec lequel il est toujours lié à titre de premier chef invité. Il s'est aussi fait un nom en Estonie avec l'ensemble de musique contemporaine NYYD qu'il a fondé. Olari Elts dirige toujours plus souvent des orchestres en Allemagne (dont les orchestres radiosymphoniques de Francfort, Stuttgart et Leipzig) et en Grande-Bretagne (Orchestre Philharmonique Royal de Liverpool, Orchestre Symphonique Ecossais de la BBC, Orchestre de Chambre Ecossais, London Sinfonietta, Orchestre Symphonique de Birmingham), ainsi qu'en Australie et en Nouvelle-Zélande. Il est également actif dans le répertoire lyrique, en particulier à l'Opéra National Estonien de Tallinn.

 

Gudni Emilsson

Gudni A. Emilsson erhielt bereits mit vier Jahren den ersten Musikunterricht bei seinem Vater. Als Stipendiat des Staates Island absolvierte er sein Klavier- und Dirigierstudium an der Staatlichen Hochschule für Musik Trossingen. Er wurde vom Deutschen Musikrat ausgezeichnet und ausgewählt, am Gewandhaus Leipzig zu dirigieren. Er gewann internationale Preise bei Wettbewerben und erhielt Stipendien vom DAAD, der isländischen Stiftung LIND und der Richard Wagner Stiftung Bayreuth. 1994 war er Preisträger der Herbert von Karajan Stiftung Salzburg. 2002 wurde ihm der Masaryk-Künstlerpreis für innovative Programme und Projekte verliehen. Emilsson dirigierte beispielweise die Stuttgarter Philharmoniker, das Island Sinfonieorchester, das Staatsorchester Thessaloniki, das Tonkünstlerorchester Wien, die Nordwestdeutsche Philharmonie, das Czech Philharmonic Chamber Orchestra und das Orchester dell´Arena di Verona. Er konzertiert mit bedeutenden Solisten wie J. Suk, E. Pahud, R. Friedrich, D. Ashkenazy, M. Mogilevsky, V. Oistrach und M. Maisky. Emilsson war von 2000 bis 2004 Chefdirigent des Suk Kammerorchesters Prag, mit dem er beim Festival „Prager Frühling" gastierte. Er ist künstlerischer Leiter der Camerata Bohemica Prag und wurde 2005 mit Unterstützung der thailändischen Regierung und des Goethe Instituts zum Chefdirigenten des neu gegründeten Thailand Philharmonic Orchestra in Bangkok ernannt. Zugleich ist Emilsson Kulturreferent der Museumsgesellschaft Tübingen e.V. und Leiter des Kulturreferats der Eberhard-Karls-Universität Tübingen.

 

Gudni A. Emilsson – conductor

Gudni A. Emilsson was born in Reykjavik, Iceland.

At the age of 4 he started music lessons with his father. As a Master Degree candidate at the State University of Music Trossingen in Germany, he studied piano with Wolfgang Wagenhauser and conducting with Walter Hugler. Gudni has also taken Master Classes, Workshops and assisted conductors including: Walter Hugler, Sergiu Celibidache, Kirk Trevor,Lutz Koehler, Rudolf Barshai, Ilya Musin, Myung Wung Chung, Helmut Rilling, John Eliot Gardiner and Bernard Haitink.

Gudni A. Emilsson has won numerous national and international prizes for conducting. Among the rewards he has received: Herbert von Karajan Award in Salzburg, Richard Wagner Award in Bayreuth, LIND Artist Award in Reykjavik, Masaryk Artist Award of the Masaryk University of Brno in Czech Republic.

Emilsson has made guest appearances throughout the world with major orchestras such as the Stuttgart Philharmonic, the Symphony Orchestra of Nurnberg, the Symphony Orchestra of Goettingen, the Mannheim Chamber Orchestra, the Symphony Orchestra of the University of Leipzig and the North West Germany Philharmonic. He has further served as a guest conductor for other orchestras and choirs like the Iceland Symphony Orchestra, the Bankja Chamber Orchestra of Sofia, the Plovdiv Philharmonic Orchestra in Bulgaria, the Kotor Art- Festival Orchestra in Montenegro, the Thessaloniki State Symphony Orchestra in Greece, the Bohuslav Martinu Philharmonic in Czech Republic, the Czech Philharmonic Chamber Orchestra in Prague, Symphony Orchestra of the National Theatre in Prague, Radio Symphony Orchestra in Prague, the Radio Choir of Prague, the Bucharest Radio Choir, the South Bohemian Chamber Orchestra in Czech Republic, the Poland Philharmonic Orchestra and the Tonkunstler Orchestra of Vienna in Austria.

Outside of Europe he was been well received as a guest conductor of the Arctic Chamber Orchestra (USA), the Orchestra “Sesi” Porto Alegre (Brazil), the Arkansas Symphony Orchestra USA and the Vietnamese National Symphony Orchestra.

Gudni A. Emilsson has further performed in several important musical centres such as Bohuslav Martinu Festival Prague, Gewandhaus Leipzig Germany, Luxembourg, Rio de Janeiro Sala Cecilia Mireles in Brasil, Alba Music Festival Italy, Mozart Festival Dortmund Germany and the Prague Spring Festival in Rudolfinum Hall.

He has had the pleasure of working with soloists such as Emmanuel Pahud, Katona Twins, Wolfgang Emanuel Schmidt, Perca Du, Lambis Vassiliadis, Josef Suk, Pavel Sporcel, Pieter Wispelwey, Ara Malikian, Hasmik Papian, Boris Brovtsyn, Reinhold Friedrich, Lucia Aliberti, Stefan Schilli, Alina Pogostkina, Dimitri Ashkenazy, Uto Ughi, Shlomo Mintz, Sergei Nakariakov and Mischa Maisky.

Gudni has toured all of Europe, East and West Africa, Near and Middle Eastern Countries, Japan, South Korea, South East Asia, China, North and South America.

Since 1999 he has been the Artistic Director and Chief Conductor of the Tubingen Chamber Orchestra touring in over 40 countries all over the world supported by the German Council of Music, the German Government and the Goethe Institute.

From 2000 to 2004 Emilsson was the Chief Conductor of the Suk Chamber Orchestra in Prague, Czech Republic.

Since 2002 he has been serving as the Artistic Director and Cultural Attaché of the Classical Music Festival of the University City of Tubingen in Germany.

In 2005 he started as the Chief Conductor of the Orchestra Camerata Bohemica Prague and, in the same year, he took over the new role as the Chief Conductor of the Thailand Philharmonic Orchestra, which is under the patronage of the Royal Thai Government and Mahidol University College of Music in Bangkok.

Radio, Television and CD productions are available in Europe, USA and Thailand.

During the next season he will conduct the North Bohemian Philharmonic in Czech Republic, Belgrade Philharmonic Orchestra, Karlovy Vary Symphony Orchestra, Kazakh State Chamber Orchestra, Prague Symphony Chamber Orchestra at the Rudolfinum Hall in Prague, the Arthur Rubinstein Philharmonic Orchestra, the Mannheim Chamber Orchestra, the Symphony Orchestra of the National Theatre Prague, the Orchestra dell´Arena di Verona, the Rheinische Philharmonie Koblenz.

 

 Ensemble Σigma

Ensemble Σigma
Anne-Laure Pantillon, flûte, Nathalie Gullung, hautbois, Séverine Payet, clarinette, Christian Schweizer, cor, Igor Ahss, basson, Marc Pantillon, piano

 

L’ensemble Σigma a été fondé en 2007 par un groupe de musiciens se connaissant de longue date dans le but de faire ensemble de la musique de chambre à un haut niveau. Composé d’un quintette à vent et d’un piano, l’ensemble présente un répertoire à géométrie variable, allant de la sonate au sextuor, avec de multiples combinaisons. Il propose ainsi au public des programmes d’une grande palette sonore et s’adapte aux différents lieux de concert.

Les musiciens de l’Ensemble sont tous diplômés de Hautes Ecoles de Musique Suisses. Etablis à Berne, Fribourg, Bâle et la région Neuchâteloise, ils ont une activité d’orchestre, de concerts en soliste, de récital et, bien sûr, de musique de chambre, leur domaine de prédilection. Ils ont pour but de promouvoir la musique de chambre avec instruments à vent, dont le répertoire est très large mais injustement négligé.

Leur répertoire, comprenant des classiques comme le Sextuor de Francis Poulenc et les quintettes à vent d’Anton Reicha, Gyorgy Ligeti ou Jacques Ibert, s’étend également à d’autres œuvres moins connues de Paul Taffanel, d’Arnold Schönberg, de Paul Juon et d'Arthur Honegger. Les musiciens aiment aussi s’approprier par le biais de la transcription les partitions orchestrales jusqu’ici réservées au domaine symphonique en les présentant dans le cadre intime d’un concert de musique de chambre.

L'Ensemble Σigma a déjà été l’invité de prestigieuses séries de concerts telles que Musiksommer am Zürichsee , les Jardins Musicaux de Cernier, la Société des Concerts de Neuchâtel, la Schubertiade d’Espace 2 ou la Musikwoche de Braunwald. En mars 2014 l'Ensemble Σigma commande une oeuvre à Victor Cordero  PUNCH qui a été très bien reçue par le public.

La saison 2014-2015 verra naître une production spéciale mise en scène par Chine Cuchod et Lorenzo Malaguerra: La Boîte à joujoux, ballet d'objets sur une musique de Claude Debussy dans une scénographie signée par Kristelle Paré.  Cette production sera crée au Festival des Jardins musicaux de Cernier avant de prendre la route pour une série de représentations en Suisse romande.  De plus l'Ensemble Σigma se produira dans le cadre de la Société des Concerts de Fribourg, de l'Internationale Konzertreihe Sils Maria, Abendmusikzyklus Flawil-Gossau, à la Schubertiade sur la colline ainsi que dans la série de concerts UBS du Wolfsberg Zentrum et au Seeparkhotel de Thoune.

 

Christoph Escher

Né à Zürich, Christof Escher a commencé ses études au conservatoire de sa ville natale auprès de Claude Starck (violoncelle) et de Werner Speth (cor) et les a poursuivies à Paris où il a obtenu, dans les classes d'André Navarra et de Jean Hubeau, les «Prix de Violoncelle » et «Prix de Musique de Chambre » du Conservatoire National Supérieur de Musique.

Son don pour le métier de chef d'orchestre s'est manifesté dans la classe de direction d'orchestre de Pierre Dervaux à l'Ecole Normale de Musique de Paris.

Il a complété sa formation musicale à Paris (Jascha Horenstein, Mstislav Rostropovitch), Sienne (Peter Maag), Salzbourg (Milan Horvat, Carl Melles, Herbert von Karajan), Hollande (Jean Fournet) et Venise (Franco Ferrara).

Ses débuts prometteurs avec "Werther" à l'Opéra de Zürich l'ont conduit dans de nombreux opéras en Allemagne, Espagne, Hollande, Pologne et en Suisse, ainsi qu'au Teatro Colón de Buenos Aires.

Christof Escher a été premier chef invité de l'Orchestre de Chambre de Zürich pendant dix ans, Directeur Général de la Musique (GMD) de la «Neue Lausitzer Philharmonie » et chef du «Theater Görlitz » ainsi que directeur musical du célèbre «Nederlands Dans Theater » Den Haag (Jiri Kylian).

 

Virginie Falquet

Née en 1974, Virginie Falquet a acquis au cours des dernières années une expérience de pianiste et chambriste riche de multiples collaborations qui en font aujourd'hui une partenaire appréciée et recherchée sur la scène musicale suisse. Invitée de plusieurs festivals et saisons de musique de chambre en Suisse et à l'étranger, elle a entre autres récemment donné l'intégrale des sonates pour violon et piano de J.S Bach avec le violoniste Patrick Genet lors des concerts Bach de Lutry.

Virginie Falquet a obtenu un diplôme d'enseignement et un 1er prix de virtuosité dans la classe de Christian Favre au Conservatoire de Lausanne, puis s'est perfectionnée à la Royal Academy of Music de Londres où elle a reçu le Diploma of Postgraduate Performance. Après son retour en Suisse, elle a obtenu une seconde virtuosité dans la classe de Ricardo Castro au Conservatoire de Fribourg. Elle a par ailleurs bénéficié des conseils de Charles Rosen, Dominique Merlet, Gérard Wyss, Gabor Takacs et Menahem Pressler.

Virginie Falquet est lauréate de plusieurs prix et distinctions.

Elle enseigne au Conservatoire de Musique de Genève.

 

Gabriel Feltz

Gabriel Feltz est depuis 2004/2005 le chef de l'Orchestre Philharmonique de Stuttgart et Directeur de la musique de Stuttgart.

Gabriel Feltz est né en 1971 à Berlin. Sa formation musicale a débuté alors qu'il avait 7 ans et à 23 ans il l'a achevée à la Haute Ecole de musique "Hanns Eisler" à Berlin, en piano et direction d'orchestre. Il fut l'assistant de Gerd Albrecht au Hamburgisches Staatsoper.

Ses engagements l'ont ensuite conduit Lübeck (1995-1997), à Brême (1997-2000) puis dès août 2001 à Gera.

Il a été chef invité notamment à Berlin, Cologne, Leipzig, Münich, Francfort, Anvers, Dresde, Bonn, Bamberg, Weimar, Essen, mais également à Tanglewood, ou au Brésil.

 

Achim Fiedler

Né à Stuttgart, Achim Fiedler a d'abord étudié le violon avec Saschko Gawriloff et la musique de chambre avec le Quatuor Amadeus. Bénéficiant d'une bourse d’étude, il continue à étudier le violon à la Guildhall School de Londres avant de se tourner vers la direction d’orchestre auprès de Franco Gallini à Milan et Thomas Ungar à Stuttgart. Il participe ensuite, en qualité de Conducting Fellow aux cours de Seiji Ozawa à Tanglewood, aux États-Unis. Peu après, il est nommé assistant de Bernard Haitink et de Carlo Maria Giulini.

Achim Fiedler est soutenu de 1994 à 2001 par le Deutscher Musikrat ; il a aussi décroché plusieurs prix internationaux de direction d'orchestre, dont le 1er Prix à Cadaqués en Espagne, et la Bourse Herbert von Karajan en 1997.

Achim Fiedler dirige de nombreux orchestres comme par exemple la Staatskapelle de Dresde, l’Orchestre Symphonique de Berlin, l’Orchestre Philharmonique de la NDR Hanovre, l’Orchestre de Chambre de Vienne, l’Orchestre Royal Symphonique de Séville et l’Orchestre Philharmonique de Gran Canaria. Pendant la saison 2003/04, Achim Fiedler dirigera, entre autres, au Musikverein de Vienne et l’Orchestre Symphonique de Barcelona et National de Catalunya. En 1998, il est nommé directeur artistique du Festival Strings Lucerne.

 

 Flanders Recorder Quartet (FRQ)

Bart Spanhove, Tom Beets, Joris Van Goethem et Paul Van Loey

Le Flanders Recorder Quartet, fondé en 1987, jouit aujourd'hui d'une brillante réputation parmi les connaisseurs.

Avec à son actif plus de 1500 concerts, donnés sur les cinq continents, le quatuor est un ensemble incontournable dans l'univers musical. Il se produit dans les salles de concert les plus prestigieuses telles que l'Opera City Hall (Tokyo), le Phoenix Hall (Osaka), le Cloisters et le Frick Museum et la Morgan Library (New York), le Spivey Hall (Atlanta) et le Concertgebouw (Amsterdam), et il participe régulièrement aux festivals de musique ancienne qui donnent le ton en la matière.

Le Flanders Recorder Quartet réalise différents enregistrements, entre autres, pour la Deutsche Grammophon, Harmonia Mundi et Opus 111. En 2004, il entame une étroite collaboration avec le label allemand Aeolus. Le premier CD réalisé par l'ensemble, Consort of fower Parts du compositeur Matthew Locke, fait l'objet des éloges du public. Un nouvel enregistrement de la musique de J.-S. Bach est sorti en 2005.

Le Flanders Recorder Quartet présente un instrumentarium resté inconnu pendant deux siècles. Un riche arsenal de 150 flûtes à bec lui permet de faire découvrir ces instruments aux mélomanes, d'une manière attrayante et convaincante. Dans la collection exceptionnelle du Quatuor on trouve des copies de flûtes à bec d'après Virdung (1511); dix instruments provenant de la collection d'Henri VIII, la grande flûte basse, longue de 2,30 mètres, de Von Huene, ainsi que des instruments modernes de Hans Coolsma. Un tel investissement dans une collection rassemblant des joyaux uniques et rarissimes constitue non seulement un plaisir pour l'oeil et pour l'oreille, mais permet en outre au Quatuor de défendre éloquemment la flûte à bec.

Dynamiques et enthousiastes, ses musiciens possèdent d'excellentes qualités pédagogiques qu'ils mettent à profit à l'occasion de concerts commentés et de masterclasses très appréciées. Au cours de ces manifestations ils n'hésitent pas à associer les musiques d'hier et d'aujourd'hui.

C'est dans le prolongement de leurs activités pédagogiques qu'il faut situer la publication de leur ouvrage The Finishing Touch of Ensemble Playing (éditions Almire, 2000). Le Flanders Recorder Quartet est non moins réputé pour ses subtils arrangements et pour la bonne quarantaine de compositions qui lui sont dédiées. Une partie de ce vaste répertoire est mis à la disposition des amateurs, grâce à une série d'éditions préparées par l'ensemble. Elle s'intitule The Flanders Recorder Quartet Series et est publiée par l'éditeur allemand Heinrichshofen.

 

Erico Fonseca

 

Heiko Mathias Förster

Förster a commencé le piano à 4 ans, il était élève du Conservatoire de Schwerin à 6 ans et en 1976 lauréat de concours nationaux. Fasciné par l'atmosphère du théâtre, il changea alors de voie, pour la direction d'orchestre. Après ses études, il devint « Kapellmeister » à Brandenburg, puis Directeur de l'opéra, puis « Generalmusikdirektor » de la ville de Brandenburg. Ceci représente env. 500 concerts et représentations, des tournées nationales et internationales avec les « Brandenburger Symphoniker ». En 1999, Förster fut appelé comme chef des « Münchner Symphoniker», jusqu'en 2006, où il couronna sa collaboration par une intégrale très remarquée des symphonies de Beethoven.

Dès lors, sa carrière se déroule dans le monde entier, où il est invité par les plus grands ensembles, soit à l'opéra, soit au concert : Orquestra Sinfonica de Santiago de Chile, Moscow Philharmonic Orchestra, Stuttgarter Philharmoniker, Staatskapelle Halle, Berliner Symphoniker, Orchestre Colonne Paris, Orchestra del Teatro di Gran Liceo Barcelona, Orchester des Nationaltheaters Mannheim, China National Orchestra Beijing, NDR Radiophilharmonie Hannover, Bayerisches Staatsorchester et Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin.

Depuis 2007, Heiko Mathias Förster est Directeur musical de la «Neue Philharmonie Westfalen».

 

Julie Fortier

Originaire d'Aix-en-Provence, Julie Fortier y commence ses études de piano au Conservatoire où elle reçoit un 1er prix de piano et de musique de chambre en 1995. Elle poursuit sa formation en Suisse où elle obtient un prix de virtuosité avec distinction dans la classe de piano de Dominique Weber et un diplôme d'accompagnement dans celle d'U. Rüttimann.

Passionnée par la musique d'ensemble, elle crée un duo avec son mari Christophe Sturzenegger, le Duo Sforzando.

Elle est actuellement professeur de piano au Conservatoire de Genève, accompagnatrice des classes supérieures de flûte traversière et de trombone et se produit régulièrement en formations diverses, du duo au petit ensemble de chambre.

 

Vilde Frang

Die Geigerin Vilde Frang wurde 1986 in Oslo geboren. Sie studierte von 1993 bis 2002 an dem Barratt-Due Musikinstitut in Oslo und seit 2003 mit Kolja Blacher in Hamburg. Derzeit nimmt sie an den Meisterkursen der Kronberg Academy als Studentin von Ana Chumachenko teil.

Im Alter von 10 Jahren debütierte Vilde Frang mit dem Norwegischen Rundfunkorchester und ein Jahr später mit dem Oslo Philharmonic Orchestra unter der Leitung von Mariss Jansons. Vilde Frang war Solistin von Sinfonieorchestern in Skandinavien, England, Deutschland, Osterreich, in der Schweiz, in den Baltischen Ländern und in Fernost. Zu den Festivals, bei denen Vilde Frang bisher auftrat, zählen das Verbier Festival, das Schleswig-Holstein Musik Festival, das Festival Mecklenburg Vorpommern und das «Chamber Music Connects The World» Festival.

 

Julian Frey

Vital Julian Frey gilt heutzutage als einer der gefragtesten Cembalisten, Kammermusiker und Ensemble-Leiter. Seine Ausbildung erhielt er bei Christine Schornsheim und Robert Hill, prägende Einflüsse hatten auch Christophe Rousset und Gustav Leonhardt. Technische Souveränität und ein hohes musikalisches Niveau sind ebenso seine Markenzeichen wie eine überzeugende Bühnenpräsenz und ein persönlicher Kontakt zum Publikum. Als Solist ist er u.a. bei Lucerne Festival, Bachfest Leipzig, Menuhin Festival Gstaad, Bachwochen Thüringen, Les Muséiques Basel und Mozartfest Würzburg aufgetreten. Mit seiner erfolgreichen Konzerttätigkeit leistet er einen entscheidenden Beitrag, das Cembalo in der klassischen Musikszene neu zu positionieren.

Besonders beliebt ist Freys Angebot für Kinder und Jugendliche: Mit seinen Workshops, die er bei Konzerten anbietet, hat er bereits vielen Kindern einen neuen Zugang zum Cembalo eröffnet.

Die künstlerische Tätigkeit von Vital Julian Frey findet auch bei der Presse grosse Anerkennung: "er kann, was unmöglich schien" (Sonntagszeitung), "ein grandioser Cembalist" (Thüringische Landeszeitung), "filigrane Lebendigkeit" (Neue Zürcher Zeitung), "der wohl beste Cembalist der Schweiz" (Berner Oberländer), "er meisterte selbst die schwierigsten Variationen mit Leichtigkeit" (Frankfurter Allgemeine).

Vital Julian Frey hat mehrere Rundfunk-Aufnahmen eingespielt (DRS2, SWR2, BBC, France Musique, bayerischer Rundfunk u.a.). Seine Solo-CD ist beim Verlag "Deutsche Harmonia Mundi" (SONY) erschienen. Sein aktuelles Projekt "Experiencia Flamenca" umfasst spanische Musik für Cembalo zusammen mit einer Flamenco-Tänzerin; dazu gehört auch eine eigens für ihn und fürs Cembalo komponierte Flamenco-Suite.

 

Vital Julian Frey compte aujourd'hui parmi les clavecinistes, musiciens de chambre et chefs d'ensemble les plus demandés. Il a effectué sa formation auprès de Christine Schornsheim et Robert Hill et a été marqué par l'influence de Christophe Rousset et Gustav Leonhardt. Vital Julian Frey se distingue par une technique souveraine et une musicalité affirmée, de même qu'une forte présence scénique et un contact personnalisé avec le public. Il est appelé à se produire en soliste dans des manifestations d'envergure comme le Lucerne Festival, le Bachfest de Leipzig, le Menuhin Festival Gstaad, les Thüringer Bachwochen, les Muséiques Basel et le Mozartfest de Würzburg. Le succès de ses concerts contribue de façon décisive à repositionner le rôle du clavecin sur la scène musicale classique.

Les activités développées par Vital Julian Frey en faveur des enfants et des jeunes sont particulièrement appréciées. Grâce aux ateliers qu'il propose en marge de ses concerts, de nombreux enfants ont bénéficié d'un nouvel accès au clavecin.

Les activités artistiques de Vital Julian Frey ont recueilli un large écho positif dans la presse, ainsi qu'en témoignent ces quelques extraits : «il réalise ce qui semblait impossible » (Sonntagszeitung), «un claveciniste grandiose » (Thüringische Landeszeitung), «une vivacité tout en délicatesse» (Neue Zürcher Zeitung), «le meilleur claveciniste suisse » (Berner Oberländer), «il a maîtrisé même les variations les plus difficiles avec légèreté » (Frankfurter Allgemeine).

Vital Julian Frey a réalisé nombre d'enregistrements radiophoniques (notamment pour DRS2, SWR2, BBC, France Musique, Bayerischer Rundfunk). Son album en solo a paru sous le label «Deutsche Harmonia Mundi » (SONY). Son projet actuel, titré «Experiencia Flamenca», comprend de la musique espagnole pour clavecin, interprétée avec une danseuse de flamenco, de même qu'une Flamenco-Suite pour clavecin composée à son intention.

 

Sol Gabetta

Née en 1981 à Córdoba en Argentine de parents franco-russes, elle a étudié à Madrid à l'école supérieure de musique Reine-Sophie, puis à Bâle avec Ivan Monighetti et avec David Geringas à la Hochschule Hans Eisler de Berlin.

Elle a été lauréate de son premier concours à l'âge de dix ans après des débuts à quatre ans. Sa carrière internationale a été lancée en 2004, quand elle a obtenu le prestigieux prix Crédit Suisse Young Artist Award.

Elle joue sur un Guadagnini de 1759 mis à sa disposition par une fondation privée, le Rahn-Kulturfonds.

Elle enseigne à l'Académie de musique de Bâle depuis 2005.

Concertiste, elle interprète le répertoire traditionnel de Dvořák, Tchaïkovski, Chostakovitch, Elgar, Haydn, et plus particulièrement des oeuvres du XXe siècle, comme le concerto de Bohuslav Martinù, ou celui de Samuel Barber, en tournée en 2009 et 2010. Elle commande des oeuvres ou travaille en étroite collaboration avec des compositeurs tels que Peteris Vasks.

Elle a lancé en juin 2006 le Festival Solsberg (à Olsberg, dans le canton d'Argovie, en Suisse, son pays d'adoption). Pour ce festival de musique de chambre, elle invite ses amis, ses proches et des musiciens renommés pour huit à dix concerts tous les ans. Elle a lancé aussi la "Cappella Gabetta": il s'agit d'un Orchestre baroque interprétant Antonio Vivaldi et ses contemporains, dirigé par le violoniste Andrés Gabetta, son frère.

 

Ruben Gazarian

© Fotostudio M42_Katja Zern & Thomas Frank

Ruben Gazarian a la responsabilité de la direction artistique de l’Orchestre de Chambre de Wurtemberg de Heilbronn depuis la saison de concert 2002/2003. A ce poste, il a été élu aussi bien par l’orchestre que par la commission de recherche à l’unanimité. Il a enrichi le répertoire standard de l’orchestre par un élargissement symphonique de la composition de l’orchestre et par le choix de nombreuses oeuvres de l’époque romantique, de l’époque précoce moderne et de l’époque dite avant-garde.

Ruben Gazarian est d’origine arménienne. A l’âge de quatre ans, il a reçu des premières leçons de violon par son père. Ensuite, il a suivi une formation à l’école de musique spéciale „P.I Tschaikowsky“ et plus tard au conservatoire d’état à Eriwan chez R. Ahoronian, le premier violon du célèbre Quartett Borodin. Ruben Gazarian a débuté sa carrière de soliste 1983 par des récitals et des concerts avec différents orchestres de chambres et symphoniques. Encore pendant ses études, il a reçu une commande spéciale comme joueur avancé et soliste de l’orchestre de chambre d’état d’Arménie et était en même temps violoniste dans le trio d’état pour piano de la radio et télévision arménienne.

Pendant l’année 1992, Ruben Gazarian a poursuivi ses études de violon à l’Ecole Supérieure pour musique et théâtre de Leipzig, études qu’il a achevé en 1995 par son examen de concert. Durant la même année, il a suivi une formation de chef d’orchestre – toujours à l’Ecole Supérieure de musique de Leipzig, qu’il achevait en 1998 avec la meilleure note possible. Après de nombreuses activités (1993-1998) comme premier maître de concert de l’Orchestre Symphonique de Saxe de l’ouest, Ruben Gazarian était nominé chef d’orchestre en 1999.

En septembre 2002, Ruben Gazarian a remporté le prix de la première compétition international de chef d’orchestre „Sir Georg Solti“ à Francfort sur Main. Pendant le même mois, il a commencé son activité comme nouveau chef d’orchestre et directeur artistique de l’Orchestre de Chambre de Wurtemberg de Heilbronn.

En tant que Chef d’orchestre invité, Ruben Gazarian a eu l’honneur entre autres d’être au pupitre de l’Orchestre Symphonique de la radio de Stuttgart de la SWR, de l’Orchestre Symphonique de la WDR de Cologne, du RSO de Francfort, de l’Orchestre Symphonique de Hambourg, de l’Orchestre Symphonique allemand de Berlin, de l’Orchestre du musée de Francfort (orchestre de l’opéra de Francfort), de l’orchestre d’état de Hesse de Wiesbaden, de l’Orchestre National de Lyon, de l’Orchestre Symphonique de Jérusalem, de l’Orchestre Philharmonique de Belgrade, de l’Orchestre de Chambre de Zürich et l’Orchestre de Chambre géorgien de Ingolstadt. Pendant la saison actuelle, il se tient comme chef d’orchestre invité au pupitre des orchestres suivants: l’Orchestre Philharmonique de Belgrade, la Philharmonie nord-ouest allemand d’Herford, l’Orchestre Rishon Lezion (Orchestre de l’opéra de Tel Aviv), l’Orchestre Tonkünstler de Basse-Autriche, formation Resonanz, la Camerata de Jérusalem et l’Orchestre de Chambre géorgien d’Ingolstadt.

Ruben Gazarian entretient une coopération fructueuse avec des solistes célèbres comme Julia Fischer, Hilary Hahn, Katia & Marielle Labèque, Elisabeth Leonskaja, Sabine Meyer, Sharon Kam, Viktoria Mullova, Sergei Nakariatov, Gerhard Oppitz, Frank Peter Zimmermann, Beaux-Arts Trio, le Quartett Gewandhaus et de nombreux autres.

Vous trouverez plus d’information sur Ruben Gazarian à l’adresse suivante: www.rubengazarian.com

 

Laurent Gendre

© Moreno Gardenghi

Après des études de piano à Fribourg et de direction d’orchestre à Bâle, Laurent Gendre est lauréat du prix pour chefs d’orchestre de l’Association des Musiciens Suisses et se perfectionne en Allemagne et en Autriche. Il a dirigé notamment l’Orchestre symphonique de Berne, l’Orchestre de Bretagne, l’Orchestre national de Lettonie, l’Orchestre de chambre de Lausanne, l’Orchestre national de Lorraine, la Camerata Zürich et les orchestres baroques Le Parlement de Musique et La Cetra Basel.

Depuis 1999, il est directeur musical de l’Orchestre de Thoune, avec lequel il donne dix concerts à l’abonnement par année. Il est fondateur de l’Orchestre de chambre fribourgeois, qui donne son premier concert au début 2009. Son activité comme chef d’opéra le conduit à diriger de nombreux spectacles tant en Suisse qu’en France (Lausanne, Rennes, Reims, Dijon, Metz et Besançon). Il est directeur musical de l’Opéra de Fribourg. 

Laurent Gendre a dirigé jusqu’en 2016 le Chœur d’Oratorio de la ville de Berne, avec lequel il a interprété des œuvres comme Le Martyre de Saint-Sébastien, Elias, The Dream of Gerontius (Elgar), la Messe Glagolitique de Janacek, Ein deutsches Requiem de Brahms, la messe en fa mineur de Bruckner, le Requiem et le Stabat Mater de Dvorak et Szenen aus Goethes Faust de Schumann.

Avec l’ensemble Orlando Fribourg (EOF), il a été invité à se produire dans les festivals des principaux pays européens. L’EOF a réalisé plusieurs enregistrements discographiques remarqués par la presse spécialisée (10 de Répertoire, Pizzicato Award, CD of the Month et 5 de Diapason)

 

Patrick Genet

Musicien de renom et habitant de Reverolle, Patrick Genet est premier violon au sein du réputé Quatuor Sine Nomine, qui se produit régulièrement aux quatre coins du monde.

Depuis près de 50 ans, Patrick Genet respire la musique et vibre en symbiose avec les cordes de son violon. Ce Rebedolis d'adoption pratique notamment son art au sein du lausannois, mais néanmoins mondialement connu, Quatuor Sine Nomine. Et ce dans une forme d'accomplissement professionnel, d'harmonie sans dissonances... Egalement professeur à la Haute Ecole de Musique de Genève, ainsi qu'au Conservatoire de Lausanne, Patrick Genet peut se targuer d'une vie professionnelle riche en découvertes et parsemée de concerts dans de nombreux pays du monde.

«Certains musiciens font tout pour avoir des concerts prestigieux et forcent le destin pour en faire toujours plus. Ce n'est pas notre cas, confie Patrick Genet. Le fait de partager les mêmes valeurs au sein du Quatuor, nous permet de pouvoir concilier nos vies professionnelles et familiales avec davantage de facilité. Il faut dire que dès le début de cette aventure musicale, nous étions tous quatre pères de familles, et de ceux qui s'investissent beaucoup dans cette fonction. C'est une grande chance que chacun puisse comprendre ses préoccupations au quotidien.»

Alors qu'à 5 ans Patrick Genet manie déjà l'archet comme d'autres jouent aux Lego, le choix d'embrasser la carrière de musicien professionnel intervient comme une évidence quelques années plus tard: «Je crois que c'était au moment de l'adolescence, peut-être même avant secrètement.

Très rapidement, la voie musicale se conjugue à plusieurs. Avec des amis d'études, Patrick Genet se met à pratiquer le répertoire de la musique de chambre. Au début pour le plaisir, puis peu à peu comme activité principale. «Nous avons travaillé durant 10 ans avec Rose Dumur Hemmerling, qui a su, presque de manière autodidacte, nous apporter toute la science du quatuor, raconte le violoniste. Ce travail intensif a finalement trouvé son aboutissement avec l'obtention de la première place au concours d'Evian en 1985. Cela nous a apporté la confirmation que nous avions fait bonne route. D'ailleurs encore aujourd'hui on nous en parle.»

Si pour le musicien le quatuor constitue la formation par excellence, ce dernier se plaît parfois à «changer d'air», en pratiquant du répertoire soliste ou en duo, notamment avec la pianiste de Bremblens Virginie Falquet.

D'après Sylvie Logean

 

Stephan Genz

Né en 1973 à Erfurt en Allemagne, Stephan Genz a reçu sa première formation au Thomanerchor de Leipzig. Il a étudié le chant à la Hochschule für Musik à Leipzig chez Hans Joachim Beyer. Ses études du lied l'ont conduit chez Dietrich Fischer-Dieskau, Elisabeth Schwarzkopf, Hartmut Höll et Mitsuko Shirai. Il a reçu plusieurs prix de concours internationaux comme celui de Hambourg dédié à Brahms en 1994 et celui de Stuttgart dédié à Hugo Wolf, deux compositeurs qu'il chante avec prédilection lors de ses nombreux récitals.

Ses débuts au Wigmore Hall de Londres en 1997 furent un immense succès et il y revient régulièrement. Il a donné des récitals au Concertgebouw d'Amsterdam, à la Philharmonie de Cologne, à la Monnaie de Bruxelles, à Paris (Châtelet, Louvre et Orsay, au Festival de Saint Denis ), à Tokyo ; aux Schubertiades de Feldkirch/Hohenems, au festival d'Edinburgh, au Maggio Musicale de Florence, aux festivals d'Edinburgh, d'Aix en Provence, de Verbier, en France (Paris, Nantes, Lyon...) ainsi qu'en tournée aux USA, au Japon, et partout en Europe.

En concert, il a collaboré avec des chefs tels que Myung Whun Chung, Daniel Harding, Thomas Engelbrock, Jesus Lopez-Cobos, Jan Latham Koenig, Fabio Luisi, Georges Prêtre, Giuseppe Sinopoli, René Jacobs et Helmuth Rilling, Jacques Mercier, Kent Nagano Nikolaus Harnoncourt, Kurt Masur...

Stephan Genz a reçu en 1999 le très renommé et prestigieux "Gramophone Award" à Londres.

 

Teo Gheorghiu

Der Schweizer Pianist mit rumänischen Wurzeln wurde 1992 in Männedorf geboren. Er ist Gewinner der Internationalen Klavierwettbewerbe von San Marino und Weimar. Im Jahr 2004 gab er sein Debüt mit dem Klavierkonzert von Schumann in der Tonhalle Zürich. Seither hat er unter anderem mit dem Zürcher Kammerorchester, dem London und dem English Chamber Orchestra, dem Musikkollegium Winterthur, dem Berner und Basler Sinfonieorchester sowie dem Tokyo Symphony Orchestra gearbeitet. Er trat unter der Leitung von Howard Griffiths, Andrey Boreyko, Muhai Tang und weiteren Dirigenten auf.

Als Wunderkind "Vitus" im gleichnamigen Film von Fredi Murer erlangte er 2006 über Nacht nationale und internationale Bekanntheit. Von 2001 bis 2009 war Teo Gheorghiu Schüler von William Fong an der Purcell-School in London. Seit 2010 studiert er am "Curtis Institute" in Philadelphia.

 

Le pianiste suisse d'origine roumaine est né en 1992 à proximité de Zurich. II a remporté les premiers prix des concours internationaux de piano de San Marino et Weimar.

Teo Gheorghiu a fait ses débuts avec le concerto pour piano de Schumann à la Tonhalle de Zurich en 2004. Depuis lors, il a travaillé avec de nombreux ensembles tels que le Zürcher Kammerorchester, le London et l'English Chamber Orchestra, le Musikkollegium Winterthour et les orchestres symphoniques de Berne, Bâle et Tokyo et sous les baguettes de Howard Griffiths, Andrey Boreyko et Muhai Tang, entre autres.

II a donné des récitals à Berne, Zurich, Bâle, Londres (Wigmore Hall et Royal Festival Hall), Bad Kissingen, New York et à Milan (Società del Quartetto). II est également invité par le Festival Beethoven de Bonn et au Festival Enescu de Bucarest. En 2006 il a reçu le rôle de "Vitus" dans le film de Fredi Murer.

Entre 2001 et 2009, Teo Gheorghiu était élève de la Purcell School de Londres. Son professeur de piano était William Fong. Depuis 2010 il étudie auprès du «Curtis Institute » à Philadelphia.

 

Jonathan Gilad

© Augustin d'Etienne

Né à Marseille en 1981, Jonathan Gilad commence l’étude du piano au Conservatoire National de Région de Marseille dans la classe de Pierre Pradier. Il remporte en 1992 le Premier Grand Prix de la ville de Marseille en classe de piano et la Médaille d’or en classe de musique de chambre.

En 1991, Jonathan Gilad obtient le prix de l’Académie d’été à Salzbourg. Il est également lauréat de la Fondation Natexis pour l’année 2002.

A partir de 1991, Jonathan Gilad suit l'enseignement de Dmitry Bashkirov à Madrid ainsi qu’à Salzbourg. Entre 1992 et 2000, il travaille également auprès de Tatiana Dernovski et de 1999 à 2001, il étudie à la Fondation Internationale de Piano de Cadenabbia (Lac de Côme) où il a l’occasion de se perfectionner auprès de Karl-Ulrich Schnabel, Leon Fleisher ou encore Fou-Tsong.

Habitués de nombreux festivals (Ravinia, Aspen, Klavier Ruhr Festival, Lucerne ou encore Verbier), il joue dans de prestigieuses salles (Carnegie Hall à New York, Herkulessaal à Munich, Wigmore Hall à Londres, la Philharmonie à Berlin mais encore le Concertgebouw à Amsterdam). Il a déjà eu également l’occasion de se produire avec de nombreux orchestres tels que l’Orchestre Symphonique de Chicago, l’Orchestre Symphonique de Boston, l’Orchestre Symphonique de Baltimore, l’Orchestre de Paris, l'Orchestre National de France, l’Orchestre Philharmonique d’Israël, l’Orchestre Philharmonique de Saint-Pétersbourg, la Camerata Academica de Salzbourg, l’Orchestre del Maggio Musicale de Florence, l’Orchestre Symphonique de l’Etat de Saõ Paulo, l’Orchestre de la Suisse Romande, l’Orchestre de Chambre de Lausanne, sous la direction de Daniel Barenboim, Sir Neville Marriner, Zubin Mehta, Eiji Oue, Seiji Ozawa, Vladimir Spivakov, Yuri Temirkanov, Sandor Vegh, Alain Lombard ou encore Tugan Sokhiev.

Jonathan Gilad joue régulièrement en musique de chambre avec des partenaires tels que Julia Fischer, Viviane Hagner, Danjulo Ishizaka, Mihaela Martin, Nikolaj Znaider, Frans Helmerson, Daniel Müller-Schott, Renaud et Gautier Capuçon.

Ses engagements récents le conduisent à Munich (Philharmonie avec l'Orchestre National de Russie), Francfort (Alte Oper avec le Frankfurter Museumsorchester et la Junge Deutsche Philharmonie), Paris (au Théâtre du Châtelet et au Théâtre des Champs-Elysées avec l'Orchestre National de France), à Cologne (Philharmonie) ainsi qu'à Verbier, Stavanger ou encore à Jérusalem.

Il a publié un disque chez EMI dans la série « Début » et dans lequel il interprète des œuvres de Mozart, Beethoven et Brahms. Ce disque lui a valu une nomination aux « Victoires de la Musique Classique 1999 ».

Chez Lyrinx, Jonathan Gilad a enregistré 3 CDs (Beethoven, Mozart puis Rachmaninov et Prokofiev).

Avec Daniel Müller-Schott et aux côtés de Julia Fischer, il a gravé, chez PentaTone, les trios de Mendelssohn. Ce disque a été récompensé par un Diapason d’Or.

Toujours avec Daniel Müller-Schott, chez Orfeo, il a enregistré un CD consacré au répertoire pour violoncelle et piano de Mendelssohn.

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Roberto Gionfriddo

Geboren in Hamburg - Ausbildung an den Musikhochschulen in Frankfurt a.M. und Lübeck - Festengagements am Theater Lübeck und am Stadttheater St. Gallen - seit regelmässige 2004 Engagements bei den Bregenzer Festspielen (2008 als Spoleta in Tosca) - Gastengagements am Mecklenburgischen Staatstheater, Theater Bielefeld, Theater Hagen, Stadttheater Giessen, Theater Basel - seit der Spielzeit 2006/7 Ensemblemitglied am Theater Freiburg mit den Rollen Mime (Das Rheingold), Arbace (Idomeneo), junger Diener (Elektra), Wenzel (Die verkaufte Braut), Normanno in Lucia di Lammermoor, Fiorello (Der Barbier von Sevilla), Goro (Madame Butterfly), Mignon (Die Teufel von Loudun), Marzio (Mitridate), Aufidio (Lucio Silla), Sancho Pansa (Der Mann von La Mancha), Mime (Siegfried), Bote (Samson et Dalila), 2009/10 Herodes (Salome), Spoletta (Tosca) und Don Capone in "Olé" Die Zarzuela-Show.

 

Bernd Glemser

Depuis 1981, le pianiste allemand Bernd Glemser cumule les distinctions, ayant remporté des prix dans non moins de dix-sept compétitions de piano. Après sa participation au Concours de Sydney, le chroniqueur du «New York Times» a écrit qu'il avait découvert en Bernd Glemser «un technicien de pointure telle qu'il a littéralement fait exploser le concours». Le couronnement de ce palmarès a été le premier prix remporté au prestigieux Concours ARD de Munich, distinction qui a définitivement propulsé le lauréat vers une carrière internationale. Bernd Glemser se produit dès lors dans toute l'Europe, aux Etats- Unis (où il a notamment triomphé à l'occasion des célébrations du centenaire du Philharmonia Orchestra sous la direction de Wolfgang Sawallisch), au Canada, en Amérique latine, en Australie, en Nouvelle-Zélande, ainsi qu'au Japon et en Chine. Depuis 1996, Bernd Glemser est un hôte régulier de la Schubertiade du Vorarlberg, tout comme Alfred Brendel et Andras Schiff. A Bucarest, il a participé au concert commémoratif du 50e anniversaire de la mort de Dinu Lipati, événement qui a été retransmis par radio dans treize pays. La vaste discographie du pianiste allemand a été récompensée à de nombreuses reprises dans la presse spécialisée. Bernd Glemser a été honoré en juin 2003 par le gouvernement allemand.

 

Matthias Goerne

Avec son timbre chaud et souple de baryton et ses interprétations si fouillées, Matthias Goerne a acquis une très haute réputation internationale. Il est invité régulièrement pour des récitals de lieders dans les plus grands festivals et les salles de renom, comme Carnegie Hall à New York et Wigmore Hall à Londres, avec des partenaires comme Pierre-Laurent Aimard, Alfred Brendel, Christoph Eschenbach, Andreas Haefliger et Elisabeth Leonskaïa.

Dans la saison 2005-2006, il a collaboré avec les plus grands chefs et les meilleurs orchestres : San Francisco Symphony, Los Angeles Philharmonic, New York Philharmonic, Wiener Symphonikern (Fabio Luisi), l'Orchestre de l'Opéra National de Paris (Esa-Pekka Salonen), Finnish Radio Symphony (Jonathan Nott), Rotterdam Philharmonic (Valery Gergiev) et l'Orchestre de Paris (Christoph Eschenbach).

Il a fait ses débuts à l'opéra au Festival de Salzbourg 1997 dans le rôle de Papageno sous la direction de Christoph von Dohnányi, et sa carrière se poursuit maintenant dans les plus grandes maisons : Covent Garden, Teatro Real in Madrid, Metropolitan Opera, Opéra de Zürich, Staatsoper.

Né à Weimar, Matthias Goerne avait étudié avec Hans-Joachim Beyer à Leipzig, Elisabeth Schwarzkopf et Dietrich Fischer-Dieskau.

 

Nelson Goerner

Nelson Goerner s'est solidement affirmé comme l'un des pianistes les plus remarquables de sa génération. Né à San Pedro (province de Buenos Aires) en Argentine en 1969, il se révèle enfant surdoué et manifeste très tôt un vif intérêt pour la musique. Il suit une formation au Conservatoire National de Musique de Buenos Aires et donne son premier récital à 11 ans. En 1986, il gagne le 1er Prix du Concours Franz Liszt de Buenos Aires, qui lui permet de faire ses débuts au Teatro Colon avec l'Orchestre Philharmonique de Buenos Aires. Suite à une rencontre avec Martha Argerich qui s'enthousiasme pour son talent, il obtient une bourse conjointe du Conseil d'Art et de Science de la Fondation CIMAE et du Mozarteum Argentino, lui permettant de venir en Europe où il se perfectionnera avec Maria Tipo, dont il fréquentera les Cours de Perfectionnement et de Virtuosité au Conservatoire de Genève.

En 1990, il obtient le 1er Prix avec distinction du Conservatoire de Genève ainsi que le 1er Prix du Concours International d'Exécution Musicale de Genève, qui lui ouvre les portes d'une carrière internationale. Dès lors, Nelson Goerner se produit en récital dans les salles prestigieuses du monde entier: Teatro Colon de Buenos Aires, Wigmore Hall et Queen Elizabeth Hall de Londres, Gewandhaus de Leipzig, Herkulessaal de Munich, Sala Verdi de Milan, Santa Cecilia de Rome, pour n'en citer que quelques unes.

Il est l'invité de festivals tels que celui de Lucerne, la Roque d'Anthéron, la Grange de Meslay - où il remplace S. Richter au pied levé - BBC Concert Promenade, Aldeburgh et Salzburg, Verbier, et Schleswig Holstein. Parmi les orchestres on peut citer le Philarmonia Orchestra, le London Philharmonic Orchestra, le BBC Philarmonic Orchestra, le Hallé Orchestra, l'Orchestre de la Suisse Romande, l'Orchestra del Maggio Musicale di Firenze, l'Orchestre National de France, le Netherlands Philharmonic Orchestra, le MDR Leipzig, le NDR Hannover, le Deutsches Sinfonieorchester Berlin, le l'Orchestre Philharmonique National de Varsovie, le Sinfonia Varsovia, le NHK Symphony Orchestra de Tokyo, le Los Angeles Philarmonic et le Montréal Symphony Orchestra. Nelson Goerner a joué sous la direction de chefs prestigieux parmi lesquels Armin Jordan, Jakov Kreizberg, Fabio Luisi, Andrew Davis, Emmanuel Krivine, Claus Peter Flor, Neeme Järvi, Kazimierz Kord et John Neschling.

En musique de chambre ses partenaires réguliers sont le Quatuor Takacs, Steven Isserlis et Vadim Repin. Nelson Goerner joue souvent en duo avec le violoncelliste Gary Hoffman, la mezzo-soprano Sophie Koch et en deux pianos avec Alexandre Rabinovitch, Martha Argerich et Rusudan Alavidze.

L'agenda 2012/13 de Nelson Goerner inclut notamment des engagements avec le Hallé Orchestra, les orchestres symphoniques de Berne et de Lucerne, l'Orchestre de Chambre de Lausanne, l'Orchestre de Paris, le Netherlands Philharmonic Orchestra et le NHK Symphony Tokyo. Il sera le soliste de tournées européennes de la Weimarer Staatskapelle et de l'Orchestre Philharmonique de Liège et donnera des récitals et des soirées de musique de chambre à Genève, Toulouse, Gdansk, Bergamo, Madrid, Buenos Aires, à la Philharmonie de Berliner et à la Wigmore Hall à Londres.

La discographie de l'artiste comprend des CD de Chopin, Rachmaninov, Liszt et Schumann chez EMI Classics et Cascavelle. Les deux enregistrements Chopin sur des instruments d'époque de Pleyel et Erard ont reçu le Diapason d'Or en 2009.

 

Elisso Gogibedaschwili

Elisso Gogibedaschwili, Violine

 

Elisso Gogibedaschwili wurde 2000 in Vorarlberg/Österreich in eine multikulturelle Musikerfamilie hinein geboren.

Ab ihrem 6. Lebensjahr gewann Elisso mehrere erste Preise mit Auszeichnung beim Österreichischen Jugendmusikwettbewerb „Prima la Musica“ jeweils im Fach Klavier und Violine. Weitere Preise folgten in Litauen und Sizilien, die international große Beachtung fanden.

Seit 2008 wird Elisso von Prof. Josef Rissin an der Musikhochschule Karlsruhe unterrichtet.

Mit großem Erfolg trat Elisso im Sommer 2010 mit dem Kammerorchester Arpeggione Hohenems unter der Leitung von Christoph Eberle erstmals mit dem Violinkonzert von Max Bruch auf.

Darauf folgten zahlreiche internationale Engagements ebenfalls mit dem Konzert von Bruch, u.a. mit den MAV-Orchester im Nationalen Museum Budapest, dem Savaria Symphonieorchester in Szombathely, der Nordtschechischen Philharmonie im Smetanasaal in Prag und dem Orchester Symphony of the Americas im „Broward Center“ in Florida USA.

Bei ihren Konzerten errang sie vor begeistertem Publikum „standing ovations“. Ihre brillante Technik, der unglaublich reife Klang und ihre außergewöhnliche Musikalität wurden von der Musikkritik immer besonders betont.

Soloauftritte führten Elisso Gogibedaschwili bis anhin durch Österreich, Deutschland, die Schweiz, nach Ungarn, Italien, Litauen, Tschechien, Türkei, in die USA, nach Kanada, Georgien, Israel und Russland.

Bereits im Alter von 12 Jahren gastierte Elisso erstmals mit dem Violinkonzert von Jean Sibelius im Musikverein in Klagenfurt/ Österreich. Es folgen im Jahr 2013 weitere Auftritte mit diesem Konzert in Budapest, Agrigento, Tiflis und Lustenau mit den Münchner Symphonikern (Vorarlberger Nachrichten: „Geigenwunder – Elisso mit Heimspiel“).

Im Frühjahr 2013 unternahm Elisso zwei erfolgreiche Konzertreisen. In Zypern gastierte sie mit einem Rezital-Programm und in Porto/ Portugal mit dem Violinkonzert G-Dur von Wolfgang Amadeus Mozart, KV 216.

2014 gastierte Elisso in Jerusalem und Herzliya mit dem Jerusalem Symphony Orchestra und Mozarts Violinkonzert A-Dur, KV 219. Dieses Konzert führte Elisso auch in Ravensburg auf. (Schwäbische Zeitung: „Mit der 17. Caprice von Paganini als Zugabe bewies sie nicht nur außergewöhnliche Präzision, sondern legte auch erstaunliche Musikalität in dieses Stück.“) 2015 folgte eine Reise nach Toronto/Kanada, wo Elisso mit zwei Konzerten (H. Wieniawski: Fantaisie brillante sur Faust und M. Ravel: Tzigane) wiederum Begeisterungsstürme hervorrief.

Ein neues Highlight erfolgte 2016, als Elisso mit dem Violinkonzert D-Dur op. 77 von J. Brahms in Tübingen und Dornbirn mit der Janacek-Philharmonie debütierte. (Vorarlberger Nachrichten: „Fast ein Wunder – aber dem Wunderkind entwachsen“, Neue Vorarlberger Tageszeitung: „Sensationell – großartiger Auftritt einer jungen Geigerin“, Zeitschrift Kultur: „Virtuoser Glanz und natürliche Sinnlichkeit – Bewunderung für die Geigerin“).

Elisso Gogibedaschwili spielt auf einer Violine von Jean-Baptiste Vuillaume aus dem Jahre 1849.

Derzeit besucht sie das Bundesgymnasium in Feldkirch. Daneben ist Elisso außerordentliche Studentin der Musikhochschule Karlsruhe.

Bedingt durch ihre Herkunft spricht sie mehrere Sprachen fließend: neben deutsch und englisch sind hier chinesisch und georgisch zu nennen, in Russisch und französisch hat sie keine Verständigungsprobleme.

 

Ryszard  Groblewski

Né à Varsovie en 1983, Ryszard Groblewski commence son apprentissage musical à l'âge de 7 ans. En 2007, obtient un diplôme de concert à l'Académie de Musique de Varsovie où il s'est formé auprès de Piotr Reichert et où il occupe actuellement un poste d'assistant. Il bénéficie également des conseils de maîtres tels que Tabea Zimmermann, Nobuko Imai, Kim Kashkashian, Gabor Takačš, Wolfgang Marschner, Andrzej Bauer, Emmanuel Ax, Atar Arad, Pamela Frank, Miriam Fried, Ralf Gothoni, Stefan Kamasa En 2005, il remporte le 1er Prix du Concours de Genève, ainsi que le Prix du public après avoir gagné un 2e Prix au Concours International de l'ARD à Munich en 2004.

Il se produit régulièrement en Pologne, en Allemagne, Autriche, Espagne, France, Italie, République Tchèque, Suisse, USA en qualité se soliste aussi bien qu'en musique de chambre.

En novembre 2008, Ryszard Groblewski est nommé premier alto solo de l'Orchestre de Chambre de Zurich.

Ryszard Groblewki a été invité en février 2009 par Krystian Zimerman à participer à une tournée en musique de chambre (quintette pour piano et cordes 1 & 2 de G. Bacewicz) qui abouti à l'enregistrement d'un premier CD pour Deutsche Grammophon).

 

Lucas Grosjean

 

Alexander Grytsayenko

Né en 1981 en Ukraine, Alexander Grytsayenko étudie au Conservatoire de Kiev avec Tatiana Snijna puis au Conservatoire Supérieur et Académie de Musique Tibor Varga de Sion avec Tibor Varga, Gyula Stuller et Francesco de Angelis. Au cours de ses études, il participe à des classes de maîtres et travaille avec des professeurs de renom: Jean-Jacques Kantorow, Viktor Pikayzen et Anna Chumachenko. Il obtient en 2005 son diplôme de concert puis en 2008 son diplôme de soliste. Il est lauréat de concours nationaux et internationaux. Pour la musique de chambre, il se forme avec Gábor Tákacs-Nagy (fondateur du Quatuor Takács) ainsi qu'à l'Académie Seiji Ozawa en Suisse avec les professeurs Robert Mann (fondateur du Quatuor Juilliard), Pamela Frank, Nobuko Imai et Sadao Harada. Il fréquente en outre l'Académie d'orchestre de l'Opéra de Zurich. Alexander Grytsayenko participe à des productions de l'Opéra de Zurich et a joué dans l'Orchestre Philharmonique de La Scala de Milan. En 2007, il a joué en qualité de chef d'attaque des seconds violons à l'Orchestre Symphonique d'Euskadi à San Sebastián(Espagne).

Depuis 2008 Alexander Grytsayenko joue en qualité de chef d'attaque des seconds violons à l'Orchestre de Chambre de Lausanne.

Il s'est par ailleurs produit en soliste avec divers orchestres ukrainiens dont l'Orchestre Symphonique National d'Ukraine, l'Orchestre de Chambre de Kiev, l'Orchestre Philarmonique d'Odessa et l'Orchestre Symphonique de la Radio de Kiev.

 

Maxime Guénin

 

Eivind Gullberg Jensen

© Paul Bernhard

Eivind Gullberg Jensen a étudié la direction auprès Jorma Panula à Stockholm et de Leopold Hager à Vienne. Il a participé au Festival d’Aspen avec David Zinman et a suivi des master classes de Kurt Masur. Il est depuis quatre saisons le chef principal de la NDR Radiophilharmonie de Hanovre.

Eivind Gullberg Jensen a récemment dirigé le Philharmonique de Munich, le WDR Sinfonieorchester, le Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, le London Philharmonic Orchestra, l’Orchestre National de France, le Danish National Symphony Orchestra, mais aussi le Wiener Symphoniker, le Bamberger Symphoniker et l’Orchestre Philharmonique du Luxembourg. Parmi ses futurs engagements, on peut citer l’Orchestre National de Lyon, son retour au Philharmonique de Munich, l’Orquestra Sinfonica do Porto ainsi qu’une série de soirées d’opérette avec Angelika Kirschlager et le Kammerorchesterbasel.

Eivind Gullberg Jensen est également très actif dans le domaine lyrique. Il a ainsi récemment dirigé Rusalka à l’Opernhaus de Zurich et Fidelio au Bayerische Staatsoper, Il Tabarro et Djamileh à l’Opera de Lyon ou bien encore Fidelio avec le Mahler Chamber Orchestra dans le cadre du Festival de Baden-Baden. Il a fait ses débuts à l’English National Opera avec Jenufa.

 

 

 

Daniel Haefliger

Daniel Haefliger a étudié le violoncelle en Suisse avec Philippe Mermoud et Walter Grimmer, puis à Vienne avec André Navarra.

Musicien polyvalent, il se produit comme soliste ou comme musicien de chambre dans les grands centres musicaux comme Lucerne, Paris, Berlin, Londres ou Sydney avec des partenaires comme Heinz Holliger, Bruno Canino, Christophe Coin, ou le Quatuor Zehetmair.

Il a créé de nombreuses oeuvres, dont celles de György Kurtág, Brian Ferneyhough ou encore György Ligeti.

Il a été violoncelle solo de l'Ensemble Modern de Francfort, de la Camerata Bern et, depuis 1989, est membre de l'Ensemble Contrechamps. En 1999, il a créé avec Félix Renggli et Jürg Dähler les Swiss Chamber Concerts. Il enseigne au Conservatoire de musique de Genève.

 

Fruzsina Hara

Issue d'une famille hongroise de musiciens, elle est née en 1982 à Budapest. Elle étudie la trompette dès l'âge de 8 ans auprès de Eva Nagyivan.

En 2000, elle est la première femme à étudier la trompette à l'Académie de musique Ferenc Liszt à Budapest auprès de Zoltan Szucs. À l'invitation de Reinhold Friedrich, elle parfait sa formation à l'Académie d'État de musique à Karlsruhe.

Depuis 2005, elle étudie aussi la trompette baroque dans la classe de Eward H. Tarr. En 2003, elle est lauréate, à Paris, du Concours Maurice André, en recevant le « Prix du Meilleur Espoir ». La même année elle gagne le deuxième prix et le prix spécial de l'orchestre lors du Concours européen de trompette à Marl. En 2004, elle reçoit le troisième prix du Concours international de trompette à Elssworth Smith (USA).

Elle est invitée comme soliste par plusieurs grands orchestres et orchestres de chambre principalement hongrois et allemand.

Elle est membre de l'Orchestre Mozart de Bologne depuis 2005.

 

Martin Helmchen

"Quel bonheur d'entendre Martin Helmchen entrer sur la pointe des pieds pour bientôt déployer un lyrisme fervent. D'autant que le jeu de ce pianiste de vingt sept ans est d'une vraie perfection : les doigts sont là, mais forts de la maîtrise du son, du temps, de l'articulation, ils parlent, ils chantent, ils imposent une présence poétique." Diapason - Alain Lompech - Février 2010

(CD - Concertos pour piano de Schumann et Dvorak Orchestre Philharmonique de Strasbourg, Marc Albrecht)

Avec son immense virtuosité et son style naturel, Martin Helmchen s'est fait en quelques années un nom sur la scène musicale internationale. Né à Berlin en 1982, il prend ses premiers cours de piano à l'âge de six ans. Il reçoit un Echo Klassik et un Crédit Suisse Award, deux des prix les plus importants de la scène musicale, qui lui permettent de jouer avec les plus grands orchestres dont l'Orchestre Philharmonique de Vienne, l'Orchestre Symphonique de Berlin et le NHK Symphony Orchestra au Japon. Dans le cadre de son contrat d'exclusivité avec Pentatone Classics, il a déjà enregistré des concertos de Mozart, des oeuvres de Schubert (piano solo et musique de chambre : la Truite avec notamment Christian Tetzlaff), deux disques avec Julia Fischer et plus récemment un CD avec les concertos de Schumann et Dvorak avec l'Orchestre Philharmonique de Strasbourg sous la direction de Marc Albrecht.

Après ses études au Conservatoire Hanns Eisler de Berlin avec Galina Iwanzowa, Martin Helmchen continue sa formation depuis 2001 avec Arie Vardie à Hanovre et avec William Grant Naboré (Académie du Lac de Côme). En 2001 il remporte le Concours Clara Haskil puis obtient en 2005 une bourse de la Fondation Borletti-Buitoni, suivi en 2006 du "Crédit Suisse Young Artist Award". Il fait alors ses débuts au Festival de Lucerne, avec l'Orchestre Philharmonique de Vienne, sous la direction de Valery Gergiev.

Martin Helmchen s'est déjà produit avec l'Orchestre de la Philharmonie de Berlin, les orchestres de la radio de Francfort, Stuttgart et Berlin, l'Orchestre Symphonique de Bamberg, l'Orchestre de la Konzerthaus de Berlin, la Philharmonie de Chambre de Brême, l'Orchestre National de France, le City of Birmingham Symphony Orchestra, l'Orchestre Symphonique de Vienne, l'Orchestre de la Tonhalle de Zürich, le London Philharmonic Orchestra et le BBC Symphony Orchestra. Il a joué sous la direction de chefs prestigieux parmi lesquels on peut citer Herbert Blomstedt, Andris Nelsons, Marc Albrecht, Lawrence Foster, Philippe Herreweghe, Marek Janowski, Vladimir Jurowski, Yakov Kreizberg, Kurt Masur, Christoph Poppen et Bruno Weil. Il est souvent invité par de grands festivals tels Lockenhaus, la Schubertiade ou Marlboro (Vermont, USA).

Musicien de chambre passionné, Martin Helmchen a travaillé avec feu Boris Pergamenschikow qui a eu une grande influence sur le jeune pianiste. Il joue régulièrement avec les violoncellistes Heinrich Schiff et Marie-Elisabeth Hecker. Ses autres partenaires sont Sabine Meyer, Sharon Kam (clarinette), Juliane Banse (soprano), Gidon Kremer, Christian Tetzlaff, Julia Fischer (violon).

Durant la saison 2010/2011, Martin Helmchen fait ses débuts avec l'Orchestre de Paris (et Christoph von Dohnanyi), avec la Radiophilharmonie de Hanovre (et Oozco-Estrada), effectue une tournée avec l'Académie de Saint-Martin in the Fields (et Sir Neville Marriner), retourne au NHK Symphony Orchestra, à la Philharmonie des Pays-Bas et au Musikkollegium de Winterthur. Il donnera des récitals à Vancouver, Anvers, Florence, Marseille, Lyon, Londres et Bruxelles.

 

Günther Herbig

Il dirige aujourd'hui, aussi bien en Europe qu'aux Etats-Unis qu'il rejoint en 1984, après avoir quitté l'Allemagne de l'Est. Il s'y forge une solide carrière, occupant successivement, pendant dix ans, les fonctions de directeur musical des Orchestres Symphoniques de Détroit et de Toronto.

Né en 1931 en Bohème, il étudie avec Hermann Adendroth, Herbert von Karajan et Hermann Scherchen. Sa carrière de chef débute à Weimar et Potsdam. En 1972, il est nommé directeur musical de l'Orchestre Philharmonique de Dresde et occupe le même poste à l'Orchestre Symphonique de Berlin de 1977 à 1983. Se rapprochant de l'Europe occidentale, il devient, en 1982, premier chef invité de l'Orchestre Philharmonique de la BBC. Il est ensuite invité à diriger les grande formations, comme l'Orchestre Symphonique de Londres, l'Orchestre Philharmonique Royal, l'Orchestre de Paris, l'OSR, l'Orchestre de la Résidence de La Haye et la Philharmonie d'Israël.

Quant à sa carrière aux Etats-Unis, elle débute en 1979 en tant que chef invité principal de l'Orchestre de Dallas. Il a, depuis, dirigé les Orchestres de New-York, Chicago, Boston, Philadelphie, Cleveland, San Francisco et Los Angeles. Il voyage beaucoup à travers les USA avec l'Orchestre de Détroit et s'est produit avec celui-ci en Europe en 1989. En 1991, il emmène l'Orchestre de Toronto en Europe après avoir effectué une tournée à travers les états-Unis, l'Australie, le Japon, Singapour et Taiwan.

Il a enregistré plus d'une centaine d'oeuvres: cycles des Symphonies de Haydn et de Brahms. Parmi ses derniers enregistrements, citons les Symphonies n° 3 et n° 5 de Beethoven, n° 8 de Schubert, n° 1 de Brahms, et n° 5 de Mahler, ainsi que le poème symphonique Une Vie de Héros de Richard Strauss, avec le Philharmonique de la BBC, ainsi qu'avec l'Orchestre Philharmonique Royal de Londres.

 

Marina Heredia

Marina Heredia, d'origine andalouse, est l'une des plus grandes voix actuelles du flamenco. Célèbrée en Espagne et à l'étranger, elle est considérée comme l'ambassadrice de l'«arte flamenco» tout autour du globe.

Née en 1980, fille du chanteur Jaime El Parrón, Marina Heredia élargit rapidement son spectre d'activité: en 1999 déjà, elle s'intéresse à la musique contemporaine et prend part à la production de l'opéra De amore du compositeur Mauricio Sotelo. Ses incursions dans l'art lyrique lui ont permis de collaborer avec la Biennale de Munich, et de chanter à l'Auditorium Carl Orff - à Munich encore -, ainsi qu'au Palais de la Musique de Strasbourg.

Depuis les années 2000, elle est présente dans de nombreux festivals internationaux de flamenco, en Europe et aux Etats-Unis: Festival de Flamenco de New York, Biennale de Flamenco de Séville, festivals Suma Flamenca et Flamenco Pa'tos de Madrid. En 2009, à Madrid toujours, elle a l'honneur d'être la première femme issue de la tradition du flamenco à se produire à l'Auditorium National d'Espagne.

Ses récents engagement conduisent Marina Heredia à chanter El amor brujo (L'amour sorcier) de Manuel de Falla à Zurich et à Montevideo en 2009.

Sa discographie, dédiée à des lectures traditionnelles et actuelles de l'arte flamenco, compte notamment les albums «Marina», paru en 2010, et «La voz del agua», en 2007. Ses engagements pour l'année 2012 l'emmènent notamment au Davies Symphony Hall de San Francisco, et à travers toute l'Espagne.

 

Angela Hewitt

Angela Hewitt est une artiste exceptionnelle qui s'est imposée au plus haut niveau au cours des dernières années par ses enregistrements superbes de l'intégrale des oeuvres pour clavier de Bach Mais son répertoire, et sa discographie, incluent aussi des oeuvres de Granados, Beethoven, Rameau, Chabrier, Olivier Messiaen, Ravel, Chopin, Couperin... Et en 2007 : Schumann.

Née dans une famille de musiciens (son père était organiste de la Cathédrale d'Ottawa, Canada) Angela Hewitt a commencé ses études de piano à trois ans, jouant en public à quatre ans. Pendant ses années formatrices, elle a étudié aussi le violon, la flûte à bec et le ballet classique. Elle a poursuivi ses études avec le pianiste français Jean-Paul Sévilla à l'université d'Ottawa.

Elle vit à Londres depuis 1985, mais séjourne aussi à Ottawa, au Canada et en Ombrie, en Italie.

 

Domingo Hindoyan

© Tom Fecht

Domingo Hindoyan vient d’être nommé assistant de Daniel Barenboim à la Staatsoper de Berlin à partir de la saison 2013-14. Il y dirigera également plusieurs représentations de la Traviata.

Au cours de la saison 2012-13, il est invité par l’Opéra de Graz à diriger une nouvelle production de Hänsel und Gretel (metteur en scène : Brigitte Fassbaender), une reprise de la Traviata (metteur en scène : Peter Konvicny) ainsi qu’une soirée de ballets de Stravinsky « Sacre du printemps » et Ravel « Daphnis et Chloé ». En 2013-14, il dirigera une nouvelle production de Turandot.

En concerts, Domingo Hindoyan a déjà dirigé, entre autres, le London Philharmonic, le Philharmonia Orchestra, le Royal Scottish National Orchestra, l’Orchestre de la Suisse Romande, l’Orchestre Symphonique de Bâle, l’Orchestre de Chambre de Lausanne, l’Orchestre Philharmonique Royal de Liège, l’Orquesta de Valencia, le New Japan Philharmonic et l’Orchestre Symphonique Simon Bolivar. Au cours de la prochaine saison, il dirigera, entre autres, la Deutsche Radio Philharmonie, le Beethoven Orchester Bonn et la Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz.

En 2012, après avoir été sélectionné par la prestigieuse Allianz International Conductors’ Academy pour travailler avec le London Philharmonic Orchestra et le Philharmonia Orchestra, avec des chefs tels que Esa-Pekka Salonen, Sir Andrew Davis et John Carewe, il a été invité à diriger ces 2 orchestres.

Domingo Hindoyan est lauréat des concours de chefs d’orchestre de Cadaqués et Malko.

Né à Caracas, il commence son activité musicale comme violoniste à l'Orchestre des Jeunes du Venezuela, El Sistema. Son parcours musical l'amène finalement à obtenir un diplôme de chef d'orchestre avec les félicitations du jury au Conservatoire de Musique de Genève où il a étudié avec Laurent Gay. En complément de ses études, il a suivi en outre les cours de Bernard Haitink, David Zinman et Jesús López Cobos.

Domingo Hindoyan vit actuellement à Genève.

 

Saison 2012-13

 

Hans-Peter Hofmann

Hans-Peter Hofmann, né en 1967 à Sarrebruck, a reçu sa première leçon de violon à l'âge de 5 ans à partir de Christa Schmitt-Rinck. Au Conservatoire de Musique de la Sarre, il a complété ses études en musique orchestrale du professeur H. Stanske et U. Dierick. Lors de la Guildhall School of Music and Drama de Londres, il a ensuite étudié dans la classe solo du Prof Yfrah Neaman.

Hans-Peter Hofmann est professeur à la Musikhochschule de Nürnberg-Augsbourg. Il a joué à la maison et à l'étranger, fait des enregistrements et des productions dans différents organismes de radiodiffusion et est violon solo de plusieurs orchestres dont l'Orchestre symphonique de Vorarlberg, la Philharmonie de Chambre de Bavière, l'allemand-français de l'Orchestre de Chambre de Bavière et le Chamber Orchestra Brückenau.

 

Hans-Peter Hofmann, geb. 1967 in Saarbrücken, erhielt seinen ersten Violinunterricht im Alter von 5 Jahren bei Christa Schmitt-Rinck. An der Musikhochschule des Saarlandes absolvierte er sein Studium der Orchestermusik bei den Professoren H. Stanske und U. Dierick. An der "Guildhall School of Music and Drama" in London studierte er anschliessend in der Soloklasse von Prof. Yfrah Neaman.

Seit 2006 ist Hans-Peter Hofmann Konzertmeister und künstlerischer Leiter des European Union Chamber Orchestra. Daneben ist er Dozent an der Musikhochschule Nürnberg-Augsburg. Er konzertiert im In- und Ausland, machte Aufnahmen und Produktionen an verschiedenen Rundfunkanstalten und ist Konzertmeister verschiedener Orchester, wie z.B. des Symphonieorchesters Vorarlberg, der Bayerischen Kammerphilharmonie, des Deutsch-Französischen Kammerorchesters und des Bayerischen Kammerorchesters Bad Brückenau.

Als Solist und Kammermusiker trat Hans-Peter Hofmann in England, Frankreich, Holland und Spanien auf. In österreich war er im grossen Saal des Musikvereins und im Wiener Konzerthaus zu Gast. 1999 gründete er das Ensemble Plus und 2006 wurde er Mitglied des Ensembles Les Dissonances in Paris. Er war bereits mehrfach am Rundfunk zu hören und hat 17 CD-Einspielungen realisiert mit einem Repertoire von Barock bis Jazz.

 

Christopher Hogwood

Né en 1941, il étudie, entre autres, avec Raphael Puyana et Gustav Leonhardt. Il fonde The Academy of Ancient Music en 1973. Depuis 2000, il est chef invité du KOB. Son catalogue comprend plus de 200 enregistrements. Il est l’éditeur pour Musica Britannica de plusieurs collections de musique pour clavecin.

 

Heinz Holliger

Heinz Holliger, compositeur, hautboïste et chef d'orchestre suisse né le 21 mai 1939 à Langenthal.

Heinz Holliger fait ses premières études musicales aux conservatoires de Berne et de Bâle, avec notamment Sandor Veress en composition, entre 1955 et 1959. Au Conservatoire national supérieur de Paris, il étudie en 1962-1963 le hautbois avec Emile Passagnaud et Pierre Pierlot et le piano avec Yvonne Lefébure. De 1961 à 1963, il suit les cours de composition de Pierre Boulez à Bâle.

Il remporte le premier prix de hautbois du concours international de Genève en 1959, puis celui du concours de Munich deux ans plus tard. Sa carrière d'interprète connaît dès lors un très grand succès; il devient l'un des représentants les plus célèbres de son instrument dans le monde entier, repoussant ses limites techniques par des nouveaux modes de jeu et suscitant ainsi autour de lui de nombreuses oeuvres nouvelles pour le hautbois (de Berio, Carter, Ferneyhough, Ligeti, Lutoslawski, Karlheinz Stockhausen etc.).

Outre ses activités de soliste et de chef d'orcherstre, Heinz Holliger est également un pédagogue reconnu, notamment à travers l'enseignement qu'il délivre à partir de 1966 à la Musikhochschule de Fribourg en Brisgau.

Le compositeur est longtemps resté dans l'ombre du musicien, avant de connaître une progressive reconnaissance à partir des années quatre-vingt. Le catalogue de Heinz Holliger couvre tous les genres, de la scène aux oeuvres solistes. Heinz Holliger vit à Bâle. Ses oeuvres sont publiées chez Schott.

 

Esther Hoppe

Née à Zug (Suisse) en 1978, Esther Hoppe commence ses études musicales par le violon à 4 ans. À 17 ans, elle entre à l'Académie de Musique de Bâle dans la classe de Thomas Füri. Au terme de ses études, en 1998, elle réussit l'entrée dans le prestigieux Institut de Musique Curtis de Philadelphie, dont elle obtient le célèbre diplôme, ayant été l'élève de musiciens remarquables tels que Robert Mann et Ida Kavafian. En 2001/02, elle est lauréate de la Guildhall School of Music and Drama de Londres, chez Yfrah Neaman. Esther Hoppe reçoit aussi les conseils de Lorand Fenyves, Isaac Stern, Miriam Fried, Leon Fleisher, Donald Weilerstein.

En janvier 2002, Esther Hoppe gagne le premier prix du 8e Concours International Mozart de Salzbourg.

Avec Benjamin Engeli, piano, et Maximilian Hornung, violoncelle, elle fonde le Trio Tecchler, qui a gagné le fameux Deutscher Musikwettbewerb 2004 (concours allemand de Musique) et le Prix Crédit Suisse Jeunes Solistes 2005. Le Tecchler Trio se produit à la Tonhalle de Zurich, la Beethovenhalle de Bonn, au Konzerthaus de Vienne et aux festivals de musique de Chicago, Ludwigsburg, Lucerne, Mecklenburg-Vorpommern, Oberstdorf et Zug.

En tant que soliste, Esther Hoppe joue régulièrement avec orchestre.Elle a collaboré avec l'Orchestre Symphonique de Bâle, l'Orchestre de Chambre de Bâle, le London Mozart Players, l'Orchestre de Chambre de Zurich, l'Orchestre de la Suisse Italienne, l'Orchestre de Chambre de Lituanie, l'Orchestre Symphonique de Göttingen et le Nouvel Orchestre Symphonique Lemberg.

 

Maximilian  Hornung

Maximilian Hornung est né à Augsburg (Allemagne) en 1986 et a débuté l'étude du violoncelle à huit ans. Il a été l'élève du légendaire pédagogue géorgien Eldar Issakadze, et a reçu les conseils de grands maîtres : David Geringas, Steven Isserlis, Heinrich Schiff et Bernard Greenhouse, ainsi que de Krzystof Penderecki et Mstislav Rostropovitch.

Il est le violoncelliste du Trio Tecchler, fondé en 2003 et distingué en 2004 au Deutsches Musikwettbewerb à Bonn et par le Prix du Crédit Suisse. En soliste, il s'est produit dans de nombreuses grandes salles en Europe et aux USA, à Bonn, Vienne, Berlin, Bâle, Zürich, et au Wigmore Hall à Londres. Son premier CD paraîtra l'an prochain chez Ars Musici.

 

Antonin Hradil

 

Roberta Invernizzi

Née à Milan, elle étudie d’abord le piano et la contrebasse avant de se tourner vers le chant, qu’elle étudie avec Margaret Heyward. Après s’être spécialisée dans le répertoire baroque et classique, elle en est aujourd’hui l’une des solistes les plus recherchées. Elle chante dans les plus importants théâtres d’Europe et des États-Unis, travaillant avec les chefs et les ensembles de grande renommée. Elle chante le rôle de Cléopâtre dans Giulio Cesare de Haendel, Néron dans Agrippina de Haendel, Armida du Rinaldo de Haendel au Théâtre de la Scala à Milan et Minerva dans Il Ritorno d’Ulisse in patria et Ottavia dans L’Incoronazione di Poppea, Euridyce dans L’Orfeo de Monteversi, Olimpiade, Ercole sul Termodonte de Vivaldi et La Virtù de’strali d’Amore de Cavalli, la Messe en ut de Mozart et Davide Penitente, La Senna Festeggiante de Vivaldi, Acis and Galatea de Haendel et Polifemo, La Statira de Cavalli, dans le rôle-tire, l’Oratorio per la Santissima Trinità d’Alessandro Scarlatti (enregistrement EMI-Virgin), Il trionfo del tempo de Haendel et le rôle principal dans Sant’Elena al Calvario, La Vergine dei Dolori d’Alessandro Scarlatti. Le répertoire d’église l’attire également, par exemple, la Waisenhausmesse et la Grande Messe en ut mineur de Mozart. Elle a enregistré plus de septante disques, la plupart couronnés de nombreuses distinctions de la presse musicale (Gramophon Awards, Deutsche Schallplatten Preis, Diapason d’Or, Choc du Monde de la Musique, Goldberg’s Five Stars). Son enregistrement en solo Dolcissimo Sospiro avec l’Accademia Strumentale Italiana a remporté le très prestigieux Midem Classical Awards 2007 et son enregistrement de Cantates de Haendel remporte le Prix Stanley pour le meilleur enregistrement Haendel de l’année. Elle donne des classes de maître de chant à la Civica Scuola à Milan.

 

Petru Iuga

Il suit ses premières leçons de contrebasse en Roumanie, auprès de Ioan Cheptea à Bucarest. À l’âge de 20 ans et à l’invitation de Sir Yehudi Menuhin, il peut poursuivre sa formation à l’International Menuhin Music Academy de Gstaad. Suivront des études à la Hochschule der Künste de Berne, ainsi qu’au Conservatoire National Supérieur de Musique in Paris. Là, il a l’occasion de jouer dans l’Ensemble Orchestral de Paris. Ensuite il devient premier contrebassiste du Münchener Kammerorchester, puis du London Symphony Orchestra. Actuellement il enseigne à la Staatliche Hochschule für Musik und Darstellende Kunst de Mannheim. Il est lauréat de nombreux prix internationaux et obtient deux Premiers Prix de Concours internationaux de contrebasse, à Markneukirchen en 1999 et à Cap-Breton en 2001. Plusieurs de ses élèves ont des postes dans des orchestre symphoniques français ou allemands.

 

Andreas Janke

Andreas Janke, erster Konzertmeister des Tonhalle-Orchesters Zürich, wurde 1983 in München in einer deutsch-japanischen Musikerfamilie geboren.
Seine Ausbildung bekam er an der Universität Mozarteum Salzburg in der Meisterklasse von Prof. Igor Ozim, zudem wurde er im Fach Kammermusik vom Hagen-Quartett unterrichtet.

Bei zahlreichen bedeutenden internationalen Wettbewerben ging er als Sieger und Preisträger hervor, u.a. beim Königin Elisabeth Wettbewerb in Brüssel, Fritz Kreisler Wettbewerb in Wien, Benjamin Britten Wettbewerb in London, "Premio Rodolfo Lipizer" in Gorizia oder beim Wettbewerb "Prager Frühling".
Mehrere Stiftungen wie die Studienstiftung des Deutschen Volkes oder die Deutsche Stiftung Musikleben haben ihn während der Ausbildung mit Stipendien ausgezeichnet.

Früh begann eine rege internationale Konzerttätigkeit, die ihn zu den führenden Orchestern in ganz Europa und Japan führte. Zu den Orchestern, mit denen er zusammenarbeitete, gehören u.a. das London Symphony Orchestra, Royal Philharmonic Orchestra, Tonhalle-Orchester Zürich, das Belgische Nationalorchester und die Academy of St.Martin in the Fields. In vielen bedeutenden Sälen wie im Palais des Beaux-Arts Brüssel, im Dvorak-Saal in Prag, in der Philharmonie München, im Barbican Hall in London, im Wiener Konzerthaus und in der Tonhalle Zürich tritt er in grosser Regelmässigkeit auf.
Zudem ist er bei mehreren Festivals sowohl als Solist wie auch als Kammermusiker ein gern gesehener Gast.
2011 erschien bei RCA Sony seine erste CD, wo er zusammen mit dem Tonhalle-Orchester Zürich und David Zinman Werke von Franz Schubert einspielte.

Zusammen mit dem Pianisten Oliver Schnyder und dem Cellisten Benjamin Nyffenegger bildet er das Oliver Schnyder Trio, dessen Debut CD bei RCA Sony mit den Schubert Klaviertrios vom Fachmagazin "Die Bühne" als neue Referenzaufnahme bezeichnet und von der Aargauer Zeitung zum besten Schweizer Klassikalbum des Jahres gewählt wurde. Im September 2014 erschienen die Klaviertrios von Johannes Brahms, die aktuell höchstes Kritikerlob aus dem In- und Ausland ernten.

2016/17 nimmt das Trio für Sony Classical sämtliche Beethoven Klaviertrios auf. Höhepunkte in der noch jungen Laufbahn des Ensembles sind Gastspiele bei den SWR Schlossfestspielen Ettlingen, Meisterzyklus Bern, Londoner Wigmore Hall, eine Asien-Tournée sowie Residenzen beim Hirzenberg-Festival und im Musikdorf Ernen. Zukünftige Auftritte beinhalten Debuts in Schloss Elmau, Internat. Piano Series Fribourg, Homburger Meisterkonzerte, WDR Köln, Hugo-Wolf-Akademie Stuttgart, Ittinger Pfingskonzerte und Concertgebouw Amsterdam. 

 

Im Herbst 2013 wurde er als Professor für Violine an die Zürcher Hochschule der Künste berufen und leitet dort seitdem eine Berufsausbildungsklasse.


Andreas Janke spielt eine Violine von Carlo Bergonzi "Hozier, Andrews" 1733-39, zur Verfügung gestellt von der Mercedes-Benz Automobil AG, Zürich.

 

Alexander Janos

Né en Roumanie, Alexander Janos a vécu en Allemagne dès 1982 et, depuis 1990, en Suisse.

Après son diplôme au Conservatoire supérieur de Bucarest, Alexander Janos a étudié le violon auprès des professeurs Wolfgang Marschner à Fribourg-en-Brisgau et Ricardo Odnoposoff à Stuttgart. Alexander Janos a étudié la direction en Suisse auprès du professeur Ewald Körner puis se perfectionna auprès du maestro Dmitrij Kitajenko.

Ensuite, Alexander Janos a été pendant quelques années chef invité de l'Orchestre National d'Ukraine à Kiev. Ces dernières années, Alexander Janos a dirigé à maintes reprises en Suisse. Il est chef titulaire de l'Orchestre de la Ville et de l'Université de Fribourg.

 

Alexander Joel

Alexander Joel chef d‘orchestre

Höhepunkte für die Spielzeit 2013/2014 beihalten Neueinstudierungen von Verdi's "Macbeth" an der Könglichen Oper Kopenhagen, Wagner's "Parsifal" an der Oper in Montpellier, und Mozar's "Don Giovanni" an der Vlaamse Oper. Weiters kehrt er an der Hamburgischen Staatsoper mit der Wiederaufnhame "La Traviata" zurück, an der deutschen Oper Berlin mit "La Bohème", und wird auch die Wiederaufnhame "Die Lustige Witwe" an der Semper Oper Dresden leiten. Er wird im Konzertbereich sein Debut mit dem BBC Philharmonic, das orchestre Sinfonique de Montpellier, das Dänishe National Orchester, sowie mit dem WDR Orchester Köln geben. In seiner letzten Spielzeit als Generalmusikdirektor des Staatstheater und Staatsorchester Braunschweig, wird er u.a. die Premieren von Parisfal und La Traviata leiten, zahlreiche Konzert Programme mit Werken wie Mahler, Beethoven und Bruckner 9te Symphonien, berlioz Symphonie Fantastique, sowie Wiederaufnahmen von Salome, Cosi fan tutti und Aida.

Die Höhepunkte der Spielzeit 2012/2013 beinhalteten sein erfolgreiches Debut am Royal Opera House Covent Garden mit einer Serie "La Boheme" Vorstellungen (wo er bereits für 2014/2015 eine Wiedereinladung bekommen hat), sowie Premieren Madama Butterfly sowohl an der Staatsoper Hamburg als auch am Grand Theatre in Genf, und eine Premiere Fledermaus an der National Oper in Oslo. Ausserdem hat er auch die Wiederaufnhamen Don Giovanni und Fledermaus an der Sächsische Staatsoper Dresden dirigiert, sowie die Wiederaufnahme Madama Butterfly an der Deutschen Oper Berlin, und Don Carlos an der Staatsoper Hamburg.

Seit 2001 gastiert Alexander Joel regelmässig an führende Opernhäuser, wie die Bayerische Staatsoper, die Hamburgische Staatsoper, die Deutsche Oper Berlin, der Vlaamse Opera, die Semper Oper Dresden, die Deutsche Oper am Rhein, das Opernhaus Köln, die Komische Oper Berlin, das New National Theatre in Tokyo, die Wiener Volksoper, die Finnische National Oper in Helsinki, und das Teatro Municipal di Chile.

Erl dirigiert regelmässig Konzerte, mit zahlreichen namhaften Orchester, wie die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, Düsseldorfer Symphoniker, das Gürzenich Orchester Köln, MDR Sinfonieorchester Leipzig, Münchner Rundfunkorchester, RSO Wien, Bruckner Orchester Linz, die Stuttgarter Philharmoniker, die Essener Philharmoniker, Duisbuger philharmoniker, und das Orchestre de Nancy. Auch hat er premieren mit Regisseure wie Keith Warner, Nicolas Joel, Peter Konwitschny oder Marco Arturo Marelli, und mit prominenten Solisten wie Yuri Bashmet, Rudolf Buchbinder, Julian Rachlin, Mischa Maisky, Sabine Meyer, Juan Diego Florez, Sir Thomas Allen und Catherine Malfitano zusammengearbeitet.

Ab der Spielzeit 2001/02 war Alexander Joel Erster Kapellmeister an der Deutschen Oper am Rhein, wo er ein breites Repertoire von über 35 Opern sich erarbeitete, davon 9 als Premieren. Schon im Alter von 24 gab er sein Debüt am Opernhaus Nürnberg und weitere Engagements führten ihn als Kapellmeister zum Stadttheater Baden, dem Stadttheater Klagenfurt und an die Wiener Volksoper.

Er studierte, nachdem er sein Jura Studium an der King's College London abbrach, Klavier und Komposition an der Wiener Musikhochschule und begann 1991 sein Dirigentenstudium am Konservatorium der Stadt Wien (bei Prof. Schwarz und Prof. Mark), welches er mit Auszeichnung abschloss. Bald danach wurde er Preisträger beim Europäischen Dirigenten-Wettbewerb in Spoleto, besuchte zahlreiche Meisterkurse und nahm 1996 auch an den Meisterklassen in Tanglewood teil. Nach seinen Studien arbeitete er als Assistent von Julius Rudel, Muhai Tang (Königliche Oper Stockholm) und Gustav Kuhn.

Alexander Joel ist Generalmusikdirektor des Staatstheater Braunschweig seit der Spielzeit 2007/2008.

 

Sharon Kam

© Maike Helbig

Native d'Israël, elle étudie auprès d'Eli Eban et de Chaim Taub. À l'âge de 16 ans, elle fait ses débuts comme concertiste avec l'Israel Philharmonic Orchestra sous la direction de Zubin Mehta. Encouragée par Isaac Stern, elle devient élève de la Juilliard School auprès de Charles Neidich.

En 1992 elle est lauréate du concours international ARD à Munich. Depuis lors, elle est invitée dans le monde entier.

Seit über 20 Jahren gehört Sharon Kam zu den weltweit führenden Klarinettistinnen und arbeitet mit den bedeutendsten Orchestern in den USA, Europa und Japan.
Vom Anbeginn ihrer Karriere sind die beiden Mozartschen Meisterwerke für die Klarinette ein wesentlichen Bestandteil der künstlerischen Arbeit von Frau Kam: Im Alter von 16 Jahren spielte sie Mozarts Klarinettenkonzert in ihrem Orchesterdebüt mit dem Israel Philharmonic Orchestra unter Zubin Mehta, und nur wenig später sein Klarinettenquintett gemeinsam mit dem Guarneri Quartet in New York.
Zu Mozarts 250. Geburtstag spielte sie sein Klarinettenkonzert im Ständetheater in Prag, das vom Fernsehen live in 33 Länder übertragen wurde und erfüllte sich im gleichen Jahr den Wunsch sowohl das Konzert als auch sein Klarinettenquintett mit der Bassett-Klarinette aufzuzeichnen. Für diese hochgelobte Aufnahme konnte Sharon Kam die Haydn Philharmonie und vier Star-Streicher gewinnen: Isabelle van Keulen, Ulrike-Anima
Mathé, Volker Jacobsen und Gustav Rivinus.
Als begeisterte Kammermusikerin arbeitet Sharon Kam darüber hinaus mit
Künstlerfreunden wie Lars Vogt, Christian Tetzlaff, Enrico Pace, Daniel Müller-Schott, Martin Helmchen und dem Jerusalem Quartett. Sie ist häufiger Gast bei Festivals wie Schleswig-Holstein, Heimbach, Rheingau, Risør, Cork, Verbier, der Schubertiade und in Delft.
Ihr Engagement für zeitgenössische Musik lässt sich an zahlreichen Uraufführungen ablesen; darunter Krzysztof Pendereckis Klarinettenkonzert und Quartett sowie Klarinettenkonzerte von Herbert Willi (Salzburger Festspiele), Iván Erőd und Peter Ruzicka (Donaueschingen).
Durch ihre zahlreichen Aufnahmen hat Sharon Kam bewiesen, dass sie in der Klassik bis zur Moderne und auch im Jazz zu Hause ist.
Zuletzt folgte ihre gefeierte „Opera!“-CD mit Transkriptionen von Arien Rossinis, Puccinis bis hin zu Wolf-Ferraris, für Klarinette und Kammerorchester, die sie 2013 mit dem Württembergischen Kammerorchester unter Ruben Gazarian einspielte.

 

Toshiyuki Kamioka

Toshiyuki Kamioka, Dirigent

Toshiyuki Kamioka studierte an der Hochschule für Musik und Künste in seiner Heimatstadt  Tokio die Fächer Dirigieren, Komposition, Klavier und Violine. 1982 wurde er mit dem  begehrten Ataka-Preis ausgezeichnet, zwei Jahre später wechselte er als Stipendiat von  Rotary International an die Hochschule für Musik in Hamburg, wo er bei Klauspeter Seibel  Dirigieren studierte.

Bereits 1987 war er Dozent für Kammermusik und Begleitung an der Musikhochschule  Hamburg, 2000/01 übernahm er im Rahmen der Opernklasse an der Hochschule für Musik in  Frankfurt am Main eine Vertretungsprofessur. Seit Beginn des Wintersemesters 2004/05 übt  er seine Professur für Dirigieren an der Hochschule für Musik Saar in Saarbrücken aus. Erste Theatererfahrungen sammelte Kamioka als Solorepetitor und Kapellmeister bei den  Städtischen Bühnen in Kiel und von 1992 bis 1996 als Erster Kapellmeister am Aalto-Theater  Essen. Von 1996 bis 2004 stand er als Generalmusikdirektor (GMD) am Hessischen  Staatstheater in Wiesbaden unter Vertrag.

Von der Saison 1998/99 bis 2005/06 war Kamioka Chefdirigent der Nordwestdeutschen  Philharmonie in Herford. Gleichzeitig hat er sich durch zahlreiche Gastdirigate im In- und  Ausland, wie etwa bei dem NHK-Symphony Orchestra (Tokio), den Bamberger Symphonikern  sowie namhaften Rundfunkorchestern weltweit einen Namen gemacht.

Presse und Publikum rühmen gleichermaßen seine hochmusikalischen und differenzierten  Interpretationen. Neben den Verpflichtungen als Dirigent begeistert Toshiyuki  Kamioka  immer wieder durch solistische Ausflüge ans Klavier.

In Wuppertal war der japanische Dirigent seit der Saison 2004/05 als GMD tätig. 2009/10  wechselte er in die Position des Chefdirigenten und Künstlerischen Leiters. Unter seiner  Führung hat sich das Orchester musikalisch und technisch stark weiterentwickelt.  Inzwischen ist es über seine Wuppertaler Konzerttätigkeit hinaus regelmäßig in Mailand zu  Gast. Der erfolgreichen neuntägigen Tournee nach Japan 2007 mit fünf Konzerten folgte 2010 eine weitere umjubelte Orchesterreise in die Heimat seines Chefdirigenten. An  vierzehn Tagen gab das Sinfonieorchester Wuppertal zehn Konzerte in neun Städten. Im  August 2011 gaben die Wuppertaler unter der Leitung von Toshiyuki Kamioka ihr Debüt im  ausverkauften Amsterdamer Concertgebouw. Zeitgleich arbeitet Toshiyuki Kamioka von der  Spielzeit 2009/10 bis 2013/14 als GMD des Saarländischen Staatstheaters Saarbrücken. Toshiyuki Kamioka ist zukünftiger Opernintendant sowie Generalmusikdirektor des  Sinfonieorchesters Wuppertal.

2010 wurde ihm der »Von der Heydt-Kulturpreis« der Stadt Wuppertal verliehen. Der Music Pen-Club Japan würdigt Toshiyuki Kamioka Anfang 2011 mit dem »Concert Performance  Preis« für seine Dirigate: als Gastdirigent großer japanischer Orchester sowie auch für seine  Auftritte mit dem Sinfonieorchester Wuppertal anlässlich der Tournee im Oktober 2010.

 

Stand: 1/2014

 

Jacek Kaspszyk

Jacek Kaspszyk est né en Pologne et a étudié à l'Académie de musique de Varsovie, obtenant son diplôme en 1975. Cette année-là il a fait ses débuts à l'Opéra National dans une nouvelle production de "Don Giovanni". En 1978, il a gagné le grand prix du Concours Karajan et a fait ses débuts à New York. Installé à Londres depuis 1982, il a depuis collaboré régulièrement avec tous les orchestres de Londres, et dirigé des orchestres tels que le Philharmonique de Berlin, Bayerischer Rundfunk, RSO de Berlin, Orchestra National de Paris, symphonique de Vienne, Royal Stockholm Philharmonic, Philharmonique d'Oslo, danois symphonique de la Radio nationale, Czech Philharmonic, Philharmonique de Rotterdam et le Chamber Orchestra of Europe.

Jacek Kaspszyk est revenu en Pologne en 1994, après une absence de 12 ans. Il est devenu premier chef invité de la Philharmonie nationale, directeur artistique puis directeur général de l'Opéra National. En 2001, il a fait ses débuts à l'Opéra de Zurich.

 

Raphaële Kennedy

Elève de Béatrice Cramoix et Caroline Pelon, elle obtient en 1998 un premier prix de chant baroque à l’unanimité avec félicitations du jury des concours centralisés de la Ville de Paris.

Elle est régulièrement sollicitée comme soliste par la Fenice (Jean Tubéry), les Saqueboutiers de Toulouse (Jean-Paul Canihac), la Simphonie du Marais (Hugo Reyne), Le Poème Harmonique (Vincent Dumestre) et les Paladins (Jérôme Corréas).

Attachée au répertoire polyphonique ancien et contemporain, elle est membre de l’ensemble européen William Byrd (Graham O’Reilly), des ensembles De Caelis (Laurence Brisset) et Les Jeunes Solistes (Rachid Safir). Elle collabore également avec la Capella Reial de Catalunya (Jordi Savall), A Sei Voci (Bernard Fabre-Garrus), Vivete felici (Geoffroy. Jourdain) et Axe 21 (Laurence Equilbey).

Elle a fondé avec l’organiste Pierre-Adrien Charpy l’ensemble Da Pacem, spécialisé dans le répertoire baroque, qui se produit dans divers festivals (Printemps des Arts, Ambronay, Colla Voce de Poitiers…) et dont les enregistrements consacrés à Bernier (Champeaux, 1998) et Campra (Arion, 2000) ont obtenu de nombreuses récompenses : «choc» du Monde de la Musique, «ffff» Télérama, «10» de Répertoire, «recommandé» par Classica.

 

Angela Kerrison

Angela Kerrison, soprano lyrique, est née et a suivi sa scolarité au Botswana. Elle est diplômée de l'Université de Cape Town pour l'interprétation de l'opéra. Dans cette ville elle a déjà eu l'occasion, dans « Cape Towne Opera Ensemble », d'assumer des rôles importants. Elle s'est distinguée ensuite dans un concours à Verona, ce qui lui a ouvert des portes dans l'Europe entière. De 2006 à 2008 elle fut membre de l'Opera Studio de Zürich.

Maintenant, elle est invitée dans de nombreux théâtres d'opéra, dont le Festival de Salzbourg en 2009 pour le rôle de Théodora dans l'opéra de Haendel.

 

Sarah Kilchenmann

Née en 1981, Sarah Kilchenmann débute le violon dans la classe de Mme Ursula Romanato au Conservatoire de Fribourg, elle intègre ensuite la classe de Gyula Stuller et y obtient son diplôme d'enseignement. Elle poursuit ensuite ses études auprès de Prof. Christine Busch à la Haute école de musique de Stuttgart où elle obtient le diplôme de concert puis le diplôme de soliste.

Elle a remporté différents prix, dont celui pour jeunes instrumentistes à Piracicaba au Brésil et a bénéficié des bourses de la "Friedl-Waldstiftung" et de la "L-Bank".

Elle a été chef d'attaque à l'Orchestre Symphonique Suisse des Jeunes et participe régulièrement à des projets sur instruments d'époque.

Elle a suivi les classes de maîtres de Tibor Varga, Boris Kuschnir, et Michèle Auclair.

 

René Koch

René Koch studierte Schulmusik und Sologesang bei Hermann Fischer an der Musikhochschule Luzern. Es folgten Meisterkurse bei Andreas Schmidt und Theo Adam im Rahmen der Int. Bachakademie Stuttgart, sowie Privatstudien bei Kammersänger Siegfried Lorenz in Berlin. Konzerte und Rundfimkaufnahmen unter Dirigenten wie Andrew Parrott, Helmuth Rilling, Howard Griffiths, Michel Corboz führten ihn durch ganz Europa.

Ebenso war er an Radio- u. CD-Produktionen u.a. mit den Berliner Symphonikern, dem Berner Sinfonieorchester, dem Orchestre de la Suisse Romande, dem Zürcher Kammerorchester, dem Orchestra della Svizzera Italiana u.a. beteiligt. Weiterbildung bei Philippe Huttenlocher, Eva Krasznai und Kurt Widmer. Zweimaliger Preisträger des Aargauischen Kuratoriums.

Zurzeit ist er als Gesangspädagoge mit Lehrauftrag an der Pädagogischen Fachhochschule Aargau tätig. René Koch sang im April 2004 "Golgotha" von Frank Martin in der Berliner Philharmonie sowie am Lucerne Festival Ostern zusammen mit den Berliner Symphonikern unter Alois Koch.

Im August wird er unter Michel Corboz am Rheingau-Musikfestival (D) das Duruflé-Requiem sowie den Messias auf einer Frankreich-Tournee singen. Dazu folgen im November das Verdi-Requiem, in der Tonhalle Zürich (Sinfonisches Orchester Zürich) und das Brahms-Requiem in Bern und Thun (Berner Sinfonieorchester).

 

Christoph  König

Christoph König a été Chef principal de l'Orchestre Symphonique de Malmö de 2003 à 2006. Dans cette même période, il est aussi Chef invité principal de l'Orchestre Philharmonique de Gran Canaria.

Christoph König dirige régulièrement de nombreux orchestres européens. Il a dirigé l'OCL en 2006 à la Fondation Gianadda de Martigny. En février 2007, il a fait ses débuts à la tête du Symphonique de Bournemouth.

Il se fait une réputation dans le domaine de l'opéra après avoir remplacé au pied levé Franz Welser-Möst, souffrant, dans une production de Jonathan Miller de « L'Enlèvement au Sérail» à l'Opéra de Zurich. Auparavant, il fait ses débuts avec « La Flûte enchantée», puis dirige « Le Turc en Italie» avec Cecilia Bartoli et Ruggero Raimondi. La saison dernière, il a dirigé pour la première fois au Teatro Real de Madrid (« L'Enlèvement au Sérail») et cette saison, ce sera « Don Giovanni» au Staatsoper de Stuttgart ainsi que « La Flûte enchantée» au Deutsche Oper de Berlin.

Christoph König est né à Dresde, où il est soprano dans le Dresdner Kreuzchor. Il étudie la direction, le piano et le chant au Conservatoire de Dresde. Il a bénéficié des conseils de Sergiu Celibidache, entre autres, et de Sir Colin Davis, qui l'a invité à travailler comme chef assistant à la Sächsische Staatskapelle de Dresde, tant dans des productions de concerts que d'opéras. Il débute sa carrière comme Erster Kapellmeister à Wuppertal/Gelsenkirchen. En 2001, il est nommé Erster Kapellmeister de l'Orchestre de l'Opéra de Bonn, à la Beethovenhalle.

Son prochain disque à paraître chez Hyperion est consacré à la musique de Henryk Melcer, avec Jonathan Plowright et le BBC Scottish Symphony.

 

Serguey Koudriakov

Né en 1978 à Moscou, Sergey Koudriakov débute sa formation à la célèbre "Ecole de musique Gnessin" auprès de Valentina Aristova. En 1995, il entre au conservatoire Tschaikowsky de Moscou, où il étudie dans la classe supérieure du professeur Mikhail Voskerensky. Après avoir obtenu son diplôme, il suit en 2000 un cours de deux ans destiné aux diplômés chez son maître de longue date. Il est aujourd'hui son assistant à Moscou. Il étudie la discipline "musique de chambre" auprès du professeur Alexander Rudin.

Sergey Koudriakov obtint de nombreux prix et distinctions lors de concours internationaux. En 2002, il a reçu le premier prix du Concours de Genève, en 2004 avec l'altiste Ilya Hoffman le premier prix du concours de musique de chambre Gaetano Zinetti de Verone, et en 2006, celui du Concours Géza Anda de Zurich, où le jury lui attribua également le prix Mozart.

Sergey Koudriakov se produisit dans bon nombre de pays européens, au Japon et en Amérique du Nord. Il joua avec des orchestres renommés comme ceux de la Suisse romande et de la Tonhalle de Zurich, l'orchestre symphonique Tschaikowsky de Moscou, l'orchestre symphonique de Moscou, l'orchestre philharmonique de Brême, l'orchestre symphonique de Berne et l'orchestre philharmonique de Belgrade avec des chefs d'orchestre tels que Ari Rasilainen, Eliahu Inbal, Christian Mandeal, Vladimir Fedoseyev, Philippe Entremont, Franco Trinca, Rolf Gupta, Theodor Guschlbauer et bien d'autres encore. Pour les saisons suivantes, des concerts sont prévus avec l'Orchestre de la Tonhalle de Zurich (Andrej Boreyko), l'orchestre symphonique d'Athènes (Byron Fitzedis), l'orchestre de chambre de Vienne et l'orchestre Musikkollegium Winterthur.

Le répertoire des récitals, orchestres et orchestres de chambre de Sergey Koudriakov est très large et s'étend du baroque jusqu'à la musique contemporaine.

On a pu et on peut l'écouter dans le cadre de divers festivals. Le Festival de Radio France à Montpellier, les Orpheum Musikfesttage de Zurich, au Lago Maggiore (Italie), au Festival de piano de la Ruhr, au Festival de Pâques de Moscou, à l'Automne de Moscou, au Festival de Lucerne, au Festival d'été de Cesky Krumlov, au Festival de Montreux, au Festival Nomus à Novi Sad, au Festival de Varsovie, au Festival de Cervo et au Festival de Liepaja. Au sein de divers orchestres de chambre, Sergey Koudriakov aime à se produire en compagnie du pianiste Alexander Ghindin, du violoncelliste Denis Shapovalov, de l'altiste Ilya Hoffman et du violoniste Nikolay Sachenko.

En 2003, un CD avec des oeuvres de Mozart, Brahms et Stravinsky est paru chez Pan Classic.

 

Harriet Krijgh

© Nancy Horowitz

Die 23-jährige Niederländerin Harriet Krijgh ist eine der aufregendsten und vielversprechendsten jungen Cellistinnen der Gegenwart. Ihr kantables und ausdrucksstarkes Spiel berührt und begeistert Publikum wie Presse gleichermaßen. Von der European Concert Hall Organisation (ECHO) wurde sie als „Rising Star“ für die Saison 2015/16 ausgewählt. Ihre Nominierung erfolgte durch den Musikverein und das Konzerthaus Wien.

Konzerte führten die junge Künstlerin in so renommierte Säle wie den Musikverein Wien, das Concertgebouw Amsterdam, die Philharmonie Essen und das Konzerthaus Dortmund. Sie war unter anderem zu Gast bei den Schwetzinger Festspielen, bei den Festspielen Mecklenburg-Vorpommern und bei den Haydn Festspielen Eisenstadt, und debütierte erfolgreich mit dem Deutschen Symphonie-Orchester Berlin und dem NDR Sinfonieorchester Hamburg. In der Spielzeit 2014/15 gibt Harriet ihre Debüts im Goldenen Saal des Wiener Musikvereins mit dem Radio-Symphonieorchester Wien und im Großen Saal des Wiener Konzerthauses mit dem Wiener Jeunesse Orchester. Weiters spielt sie Konzerte mit den Bamberger Sinfonikern, dem Sinfonieorchester Aachen, dem Het Gelders Orkest und der Kammerakademie Potsdam, und folgt Einladungen zum Rheingau Musik Festival, zum Moritzburg Festival und zum Mozartfest Würzburg. Zahlreiche Konzertreisen führen sie zu wichtigen Konzertdestinationen Europas, wie dem Concertgebouw Amsterdam, dem Concertgebouw de Doelen Rotterdam, dem Carinthischen Sommer, der Tonhalle Zürich, dem MDR Musiksommer und den Radebergkonzerten Köln. Im Herbst 2015 geht sie mit der Academy of St. Martin in the Fields unter Sir Neville Marriner auf Tournee. Die Cellistin ist Preisträgerin zahlreicher Wettbewerbe. So gewann sie zwischen 2008 und 2010 1. Preise beim „Prinses Christina Concours“ in den Niederlanden, beim Österreichischen Bundeswettbewerb „Prima la Musica“, beim Fidelio-Wettbewerb in Wien, sowie den „Nicole Janigro Preis“ beim internationalen „Antonio Janigro Cello Competition“ in Kroatien. Ein großer Erfolg war der 1. Preis und der Publikumspreis bei der Cello Biennale Amsterdam im November 2012. 2013 wurde sie mit dem WEMAG Solistenpreis der Festspiele Mecklenburg-Vorpommern ausgezeichnet. Seit 2011 ist Harriet Krijgh Exklusivkünstlerin des Labels CAPRICCIO. Auf CD erschienen bisher die Cellokonzerte von Joseph Haydn, französische Werke für Cello und Klavier sowie die Sonaten von Johannes Brahms. Alle Aufnahmen erhielten ausgezeichnete Kritiken. Eine CD mit romantischen Werken für Cello und Orchester, eingespielt mit der Deutschen Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz unter Gustavo Gimeno wurde im Herbst 2014 veröffentlicht. Auf Burg Feistritz in Österreich hat die Cellistin ein eigenes Festival „Harriet & Friends“ initiiert, bei dem sie alljährlich im Juni mit befreundeten Musikern aus aller Welt Kammermusik spielt.

 

Jan Krzeszowiec

Né en Pologne à Katowice, en 1980, dans une famille de musiciens, il débute ses études de flûte au Lycée de musique Karol Szymanowski de sa ville natale et les poursuit jusqu'en 2004 à l'Académie de musique Karol Lipinski à Wrocław (Breslau) où il obtient son diplôme de soliste avec distinction. Son activité de concertiste et de musique de chambre durant ses études lui a valu le titre de Primus Inter Pares, décerné par le Recteur de l'Académie de musique.

Il s'est perfectionné auprès de maîtres, tels que Jeanne Baxtresser, Julius Baker, Patrick Gallois, Andreas Adorjan, Peter-Lukas Graf, Janos Balint, Miriam Nastasi, Rebecca Troxler, Trevore Wye. Cela lui a permis de prendre connaissance des différentes écoles de flûte à travers le monde et d'acquérir un large répertoire.

Lauréat de concours internationaux, en Pologne et en Italie, il est nommé en 2001 flûte-solo de la Philharmonie Witold Lutosławski de Wrocław, et enseigne à l'Académie de musique de Wrocław depuis 2003. Vice-président de la Société de flûte en Pologne depuis 2007, fondateur du Quintette à vent de la Philharmonie de Wrocław, Jan Krzeszowiec mène des activités de soliste, et participe à des formations orchestrales et de chambre, invité dans le monde entier, en particulier avec des ensembles polonais parmi les plus renommés.

 

Jérôme Kuhn

© Stemutz

Après des études de piano à la Haute école de musique de Lausanne-Fribourg, qui lui décerne le prix de musique contemporaine, Jérôme Kuhn décroche un Master d’enseignement du piano. Jérôme Kuhn complète sa formation à l’orgue avec Maurizio Croci et en chant avec Michel Brodard.

En 2010 il cofonde la compagnie lyrique Opéra Louise (CH). Il se perfectionne auprès de divers chefs d’orchestre, notamment Howard Arman (Luzern). En 2012, il dirige l’Orchestre Philharmonique de Prague. En 2013, il cofonde le Prague Symphonic Ensemble (PSE), orchestre pour lequel il occupe le poste de chef principal. En 2014, il dirige le Slovak Symphony Orchestra ainsi que l’Orchestre de chambre fribourgeois.

Actuellement directeur musical d’Opéra Louise, Jérôme Kuhn est à la tête de l’Ensemble Le Canard Chipeau, chœur professionnel qui se produit tant sur scène qu’en concert.

 

Nach dem brillanten Klavierstudium an der Musikhochschule Lausanne und Freiburg, die ihm den Preis für zeitgenössische Musik ausgezeichnet, verdient Jérôme Kuhn einen Master im Klavierunterricht. Im Jahr 2010 war er Mitbegründer von Opera Louise (CH). Er studierte mit verschiedenen Dirigenten wie Howard Arman (Luzern). Im Jahr 2012 leitet er das Philharmonische Orchester von Prag. Im Jahr 2013 war er Mitbegründer der Prague Symphonic Ensemble (PSE), Orchester, für die er die Position des Chefdirigenten hält. Im Jahr 2014 leitete er das Slovak Symphony Orchestra und das Kammer Orchester Freiburg. Jérôme Kuhn ist auch Musikdirektor der professionellen Chor Ensemble Le Canard Chipeau in Genf.

 

 La Sinfonietta de Hong Kong

© © HK Sinfonietta Ltd

La Sinfonietta  de Hong Kong est un des orchestres vedettes de Hong-Kong. Avec sa directrice et chef d’orchestre Yip Wing-sie, l'orchestre a popularisé la musique dans son entourage et a obtenu une reconnaissance significative, localement et internationalement, de ses intéressantes performances et de sa programmation innovante.

Depuis 1999, La Sinfonietta  deHong Kong a collaboré avec d’illustres  musiciens et ensembles internationaux comme Vladimir Ashkenazy, Plácido Domingo, Augustin Dumay, Fou Ts'ong, Christopher Hogwood, Luciano Pavarotti, Pinchas Zukerman, le Ballet Royal, Mariinsky, le Bolchoï, l’English National Ballet, l’American Ballet Theatre New York. le City Ballet, le ballet de Stuttgart et leTanztheater Wuppertal Pina Bausch. L'orchestre a aussi été un participant régulier à de nombreux festivals.

L'orchestre se produit toute l'année avec plus de 100 concerts par saison. Outre le répertoire orchestral habituel, la Sinfonietta  deHong Kong est convaincue et passionnée par la musique vivante et contemporaine et crée de nouvelles œuvres chaque année.

La discographie de l'orchestre comprend des CD d'œuvres de compositeurs chinois sur HUGO et trois albums double chez DECCA.

Sur le plan éducatif, la Sinfonietta  deHong Kong fait partie des  pionniers de concerts spécialement conçus pour différents groupes d'âge, avec de nouveaux concepts et dans  des espaces non conventionnels.

En tournée, la Sinfonietta  deHong Kong a été invitée à se produire en Amérique du Nord, au Canada et à New York; au Brésil, en Argentine et en Uruguay, en Europe à La Roque d'Anthéron, au Festival de Saint-Riquier et aux Flâneries Musicales d'Été de Reims, au Festival Pianistico Internazionale Arturo Benedetti Michelangeli et aux Settimane Musicali al Teatro Olimpico en Italie, à la Philharmonie de Varsovie, en Lituanie, en Chine et au Japon.

 

Jin Seok Lee

Geboren in Changwon (Südkorea) - Gesangsstudium an der Hanyang Universität Seoul und am Conservatorio Giuseppe Nicolini Piacenza - 2002/03 Mitglied des Opernstudios am Teatro Verdi Busseto - Preisträger zahlreicher internationaler Gesangswettbewerbe (1. Preis u.a. Titta Ruffo/Pisa, Spezialpreis Beniamino Gigli/Rom, Mozart-Sonderpreis G.B. Viotti/Vercelli) - Engagements u.a. am National Theater Seoul (Komtur in Don Giovanni), in Piacenza (Principe di Bouillon in Adriana Lecouvreur), Pisa, Carrara und Livorno (Sparafucile in Rigoletto), am Teatro Villamarte in Jerez (Sarastro in Die Zauberflöte) und am Palau de la Musica in Barcelona (Don Profondo und Don Alvaro in Rossinis Il viaggio a Reims) - ab der Spielzeit 2009/10 festes Ensemblemitglied am Theater Freiburg mit den Rollen 5. Jude (Salome), Mesner (Tosca), Astradamors (Le grand Macabre), Samuel (Ein Maskenball).  

 

Jinsang Lee

Lauréat du Concours Géza Anda 2009

Jinsang Lee, né en 1981 en Corée, a commencé sa formation à la Coréan National University of Arts, où il a en particulier suivi les classes du Prof. Dae Jin Kim. En 2003, il obtint le Bachelor. Il a ensuite continué ses études en Europe. De 2003 à 2006, il fréquenta le conservatoire de musique de Nuremberg - Augsbourg auprès du professeur Wolfgang Manz et de Mme Julia Goldstein avec obtention du diplôme. Il suivit ensuite les cours du conservatoire de musique de Cologne auprès du professeur Pavel Giliov, où il va prochainement terminer ses études avec le diplôme de soliste en poche.

Lee a déjà remporté plusieurs prix et distinctions. Il reçut en juin 2001 le deuxième prix lors de la Sendai International Music Competition, en mai 2005 le premier prix du concours international de piano de Cologne et pour finir en août 2008 le 1er prix de la Hong Kong International Piano Competition. A Zurich, il obtint non seulement le premier prix du Concours Géza Anda mais également le prix du public, le prix Mozart et pour la meilleure interprétation d'un morceau de Schumann, le prix du même nom.

Les concerts de Jinsang Lee l'ont déjà mené dans plusieurs continents. Il s'est fait connaître en se produisant non seulement en Asie du sud-est mais surtout en Allemagne comme ce fut le cas en 2004 avec les Nürnberger Symphoniker, en 2006 avec l'orchestre radiophonique de Cologne (WDR) et lors du Klavierfestival de la Ruhr. Dans le cadre du premier prix du Concours Géza Anda, il jouera lors de bon nombre de concerts, entre autre avec le Shanghai Symphonie Orchestra (Muhai Tang), la Württembergische Philarmonie (Ola Rudner) dans le KKL à Lucerne, avec l'Orchestra della Svizzera Italiana, les Grazer Philarmoniker, le Wiener Kammerorchester et le Tonhalle-Orchester de Zurich.

 

Michael  Leibundgut

 

Elisabeth Leonskaja

Elle compte, depuis bien des années, parmi les grandes interprètes de notre temps.

Née à Tbilissi, capitale de la Géorgie, elle reçoit l'amour du piano de ses parents et, à l'âge de onze ans, donne son premier concert dans sa ville natale. Ce concert remporte un tel succès qu'il lui ouvre les portes du Conservatoire de Moscou où elle étudie à partir de 1964 avec Jacob Milstein. Des prix remportés lors de compétitions internationales à Bucarest, Paris et Bruxelles, accompagnent ses années d'études.

En 1978, Elisabeth Leonskaya quitte l'Union Soviétique et va s'installer à Vienne. Avant son émigration, plusieurs concerts l'ont réunie, en duo, à Svjatoslav Richter; c'est là une rencontre qui influence profondément son évolution. Mais c'est au festival de Salzbourg, en 1979, qu'Elisabeth Leonskaya se fait un nom et commence sa carrière dans le monde musical de l'Ouest. Dès lors, elle se produit régulièrement sur les scènes musicales les plus prestigieuses du monde, dans des duos et des récitals, ainsi qu'avec les plus grands orchestres européens et américains, tels que la Philharmonie de Berlin, l'Orchestre du Gewandhaus de Leipzig, les Orchestres symphoniques des Radios de Cologne, Hambourg et Munich, le London Philharmonic, l'Orchestre Philharmonique Tchèque, le Royal Concertgebouworkest d'Amsterdam, l'Orchestre de Paris, l'Orchestre National de France, la Philharmonie de New York, la Philharmonie de Los Angeles et l'Orchestre de Cleveland.

Toutes ces activités de soliste ne l'empêchent d'ailleurs pas d'accorder une part importante de son travail à la musique de chambre et de donner fréquemment des concerts avec les Quatuors Alban Berg, Borodin, Guarneri et Artemis.

Une discographie considérable témoigne du haut niveau artistique de cette pianiste de talent et lui a valu, entre autres, le Prix Caecilia pour les Sonates pour piano de Brahms et le Diapason d'Or pour ses enregistrements d'oeuvres de Liszt. Parmi d'autres enregistrements importants, citons les trois Concertos pour piano de Tchaikovsky, avec le New York Philharmonic Orchestra et Kurt Masur, les Concertos pour piano de Chopin, avec la Philharmonie Tchèque et Vladimir Ashkenazi, ainsi que les Concertos pour piano de Schostakovitch, avec le Saint Paul Chamber Orchestra.

 

Zohar Lerner

© M42_Katja Zern & Thomas Frank

Zohar Lerner ist seit Oktober 2009 1. Konzertmeister des Württembergischen Kammerorchesters Heilbronn. Der aus Israel stammende Violinist studierte zunächst an der Buchmann-Mehta School of Music in Tel Aviv. Zu seinen Lehrern in Israel gehörten Haim Taub, Irena Svetlova und Yair Kless. Später setzte er sein Studium an der Hochschule für Musik Hanns Eisler in Berlin fort, wo er unter anderem mit Christoph Poppen, Isabelle Faust und Stephan Picard arbeitete. Bereits während seines Studiums gewann er den 1. Preis des Wettbewerbs der Buchmann-Mehta School of Music und war Finalist des Aviv-Wettbewerbs. Meisterkurse u.a. bei Isaac Stern, Pinchas Zukerman, Ida Haendel, Miriam Fried, Rainer Kussmaul, Guy Braunstein sowie dem Melos-, Guarnieri-, Juilliard- und Emerson String Quartet vervollständigten seine Ausbildung.

Er war Stipendiat bei der Amerika-Israel Kulturstiftung und bei der Ferenc Fricsay Stiftung.

Bereits mit 17 Jahren debütierte Zohar Lerner als Solist mit dem Israel Philharmonic Orchestra unter Zubin Mehta. Er trat als Solist außerdem mit Orchestern wie dem Israel Chamber Orchestra, den Tel-Aviv-Soloists, den Mendelssohn Players, der Staatskapelle Halle, den Berliner Symphonikern und dem Württembergischen Kammerorchester Heilbronn auf.

Als Orchestermusiker spielte Zohar Lerner beim Deutschen Symphonie-Orchester Berlin und beim Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin und mehrere Jahre im West- Eastern Divan Orchestra unter Daniel Barenboim. Auch mit den Berliner Philharmonikern verbindet ihn eine regelmäßige Zusammenarbeit. In den Jahren 2005-2009 spielte er hier unter Dirigenten wie Claudio Abbado, Simon Rattle, Mariss Jansons, Nikolaus Harnoncourt, Semyon Bychkov, Christian Thielemann, Bernard Haitink und Daniel Barenboim. Konzerttourneen mit diesem Orchester führten ihn in die USA, die Schweiz, Österreich und Polen.

Gastkonzertmeister war Zohar Lerner beim Israel Kibbutz Chamber Orchestra, bei den Tel-Aviv-Soloists, beim Neuen Kammerorchester Potsdam, beim Kammerorchester Basel, bei den Berliner Symphonikern, beim Deutschen Kammerorchester Berlin, bei der Norwegischen Nationaloper Oslo, beim Staatstheater Mainz, bei der NDR Radiophilharmonie Hannover, beim hr-Sinfonieorchester sowie beim Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks.

Zohar Lerner ist außerdem gern gesehener Gast der Festivals in Rolandseck, Salzburg, Luzern und Kfar Blum.

Er spielt eine Nicolaus Gagliano-Violine von 1754, die ihm das Württembergische Kammerorchester zur Verfügung stellt.

 

Marko Letonja

Marko Letonja

Directeur musical de l’Orchestre Philharmonique de Strasbourg depuis septembre 2012, le chef slovène a commencé par étudier le piano à l’Académie de musique de Ljubljana avant d’y aborder la direction d’orchestre. Il est alors l’élève d’Anton Nanut et suit, en parallèle, les cours de direction d’Otmar Suitner à la Akademie für Musik und darstellende Kunst de Vienne, où il obtient ses diplômes en 1989. Entre 1991 et 2003, il est directeur musical de l’Orchestre philharmonique de Slovénie. Rapidement, il est très demandé sur la scène internationale et collabore avec des solistes comme Mstislav Rostropovitch, Vadim Repin ou Thomas Quasthoff. Du Teatro di San Carlo de Naples au Teatro alla Scala de Milan (où il a dirigé, en janvier 2012, de remarquables Contes d’Hoffmann), en passant une nouvelle production de La Dame de Pique au Grand Théâtre de Genève, le musicien attire l’attention. En août 2003, il est nommé chef permanent et directeur musical de l’Orchestre symphonique et de l’Opéra de Bâle : il y reste jusqu’en 2006, dirigeant de nouvelles productions de Tannhäuser, La Traviata, Der Freischütz, et Tristan und Isolde, parmi d’autres. Nommé en 2008 chef principal invité de l’Orchestra Victoria de Melbourne, Marko Letonja est désormais directeur musical et artistique du Tasmanian Symphony Orchestra (depuis 2012). Il a dirigé l’OPS pour la première fois en décembre 2006 dans un programme Moussorgski / Chostakovitch. On se souvient aussi de ses brillantes prestations, dans la fosse de l’Opéra national du Rhin dans Die Walküre (2008) ou Götterdämmerung (2011). Dans sa discographie, mentionnons le récent opus dédié à Ross Harris (Naxos, 2012) gravé avec le Auckland Philharmonia Orchestra.

 

Hannu Lintu

Chef d'orchestre principal de l'Orchestre symphonique de la radio finlandaise depuis août 2013, Hannu Lintu a occupé précédemment les postes de chef de l'Orchestre philharmonique de Tampere, chef invité au RTE National Symphony Orchestra, Dublin, et directeur artistique de l'Orchestre symphonique de Helsingborg et de la Philharmonie de Turku.

En 2012-2013, Hannu Lintu dirige l’Orchestre philharmonique de Londres, l’Orchestre symphonique de la BBC écossaise, l’Orchestre philharmonique royal de Liverpool, les Orchestres symphoniques de Galice, Adélaïde, Sydney, Saint-Louis, Houston et de l’Oregon et fait ses débuts avec les Orchestres symphoniques de Baltimore et du Minnesota.
Hannu Lintu a dirigé Tannhäuser de Wagner à l’Opéra de Tampere en 2012. Il se produit régulièrement à l’Opéra national de Finlande, où il a notamment dirigé Parsifal de Wagner mis en scène par Harry Kupfer, Carmen de Bizet et Le Roi Lear d’Aulis Sallinen. Il a travaillé avec l’Opéra national d’Estonie, où il a enregistré Mare and her Son de Tauno Pylkkänen. Il a dirigé Gianni Schicchi de Puccini en version concert au Festival d’opéra de Savonlinna et au Grant Park Festival de Chicago.

Hannu Lintu a étudié la direction auprès de Jorma Panula, ainsi que le violoncelle et le piano, à l’Académie Sibelius d’Helsinki et s’est perfectionné auprès de Myung-Whun Chung à l’Académie Chigiana de Sienne.

 

Alain  Lombard

Alain Lombard a remporté en 1966 la médaille d'or au Concours Dimitri Mitropoulos, peu après être devenu l'assistant de Herbert von Karajan à Salzbourg et plus tard de Leonard Bernstein à New York.

Il a commencé une intense activité en tant que chef invité avec de grands orchestres, dont le New York Philharmonic, le Philadelphia Orchestra, le Chicago Symphony, le Boston Symphony, le London Symphony et le Philharmonique de Berlin. Il était chef d'orchestre principal du Metropolitan de New York, de l'Orchestre Philharmonique de Strasbourg et de l'Opéra de Paris.

En 1988, il a été nommé directeur de l'Opéra de Bordeaux, où il resta jusqu'à la fin de 1995, dirigeant environ 200 manifestations chaque année, tant des concerts que des opéras. Il a enregistré plusieurs albums qui ont remporté de prestigieux prix internationaux.

En 1999, il a commencé une collaboration étroite avec l'Orchestre de la Suisse italienne dans le rôle de chef d'orchestre principal. En 2005, il lui a été attribué le poste de directeur honoraire. La même année, il a reçu à Paris le Prix Karajan pour sa carrière.

 

Radu Lupu

Né en Roumanie, il commence l’étude du piano dès l’âge de six ans avec Lia Busuioceanu. A douze ans, il donne son premier concert avec un programme qui ne contenait que des pièces de sa propre composition. Il continue ses études pendant plusieurs année à Bucarest auprès de Florica Muzicescu et de Cella Delavrancea. En 1961, il reçoit une bourse pour le Conservatoire de Moscou, où il est élève de Galina Eghyazarova, de Heinrich Neuhaus puis de Stanislav Neuhaus. Il remporta trois des plus importants concours de piano: le «Van Cliburn» en 1966, l’«Enesco» en 1967 et, en 1969, celui de Leeds.

Radu Lupu a joué avec les plus grands orchestres du monde tels que la Philharmonie de Berlin, avec laquelle il a fait ses débuts au Festival de Salzbourg en 1978 avec Karajan, la Philharmonie de Vienne, avec laquelle il a donné le concert d’ouverture du festival de Salzbourg en 1986 avec Riccardo Muti, le Royal Concertgebouw Orkest, tous les grands orchestres Londoniens, ainsi que les célèbres orchestres des Etats Unis. Radu Lupu a fait son entrée sur la scène américaine en 1972 avec le Cleveland Orchestra et Daniel Barenboim puis avec le Chicago Symphony Orchestra et Carlo Maria Giulini. Radu Lupu est également l’hôte régulier des festivals les plus renommés, tels que ceux de Lucerne et de Salzbourg.

Parmi les enregistrements que l’artiste a réalisés pour Decca, on compte les concertos de Beethoven, le premier concerto de Brahms, les concertos de Grieg et de Schumann, l’intégrale des sonates pour violon et piano de Mozart avec Szymon Goldberg, les sonates pour violon et piano de Debussy et Franck avec Kyung Wha Chung, ainsi que des œuvres pour piano seul de Beethoven, Brahms, Schumann et Schubert. En 1995, l’enregistrement des sonates pour piano de Schubert en la majeur, D 664 et en si bémol majeur, D 960 a reçu le Grammy Award, et un Edison Award a récompensé un enregistrement des Scènes d’Enfants, Kreisleriana et Humoresque de Schumann. Ces deux distinctions ont été décernées dans la catégorie «meilleure interprétation instrumentale de l’année». L’artiste a également enregistré deux albums avec Murray Perahia (CBS), deux albums de Lieder de Schubert avec Barbara Hendricks (EMI), ainsi qu’un disque d’œuvres pour piano à quatre mains de Schubert avec Daniel Barenboim (Teldec).

Pendant la saison 2014/15, Radu Lupu est invité en soliste avec entre autres le Royal Philharmonic Orchestra, l’Orchestre Gulbenkian, l’Orchestre Philharmonique de Munich, l’Orchestre National d’Espagne, l’Orchestre de la Radio Bavaroise et le Chamber Orchestra of Europe. 2015/16 il jouera avec le Gewandhausorchester Leipzig, le Cleveland Orchestra, L’Orchestra della Santa Cecilia de Rome, l’Orchestre Philharmonique de Stockholm, l’Orchestre de Paris, le Concertgebouw Orkest, le Tonhalle-Orchester Zurich et l’Orchestra Filarmonica della Scala di Milano. Il donnera des récitals à Paris, à la Philharmonie de Berlin et au Lucerne Festival.

En 2006, Radu Lupu a reçu le Premio Internazionale Arturo Benedetto Michelangeli et, pour la seconde fois, le prix Abbiati, décerné par l’Association des critiques italiens, qu’il avait déjà obtenu en 1989.

 

Meret Lüthi

Die gebürtige Bernerin Meret Lüthi absolvierte ihre Violinausbildung an der Hochschule der Künste ihrer Heimatstadt bei Monika Urbaniak-Lisik und Eva Zurbrügg; sie erlangte Lehr- und Konzertdiplom mit Auszeichnung. Parallel dazu studierte sie als Mitglied des Amaryllis-Quartetts von 2000 bis 2003 bei Walter Levin an der Musik-Akademie in Basel; mit einem Aufbaustudium in der Klasse von Anton Steck an der Staatlichen Musikhochschule Trossingen spezialisierte sie sich auf das Spiel der Barockvioline. Ausserdem nahm sie an Meisterkursen von Igor Ozim, Christian Altenburger, Thomas Brandis, Ingolf Turban und Gerhard Schulz teil.

Von 2001 bis 2005 lehrte Meret Lüthi als Dozentin für Fachdidaktik Violine an der Hochschule der Künste Bern. Als Konzertmeisterin leitet Meret Lüthi das von ihr im Jahr 2008 mitbegründete Orchester für Alte Musik «Les Passions de l'Ame»; zudem ist sie, in derselben Position, dem belgischen Ensemble «B'Rock» verbunden und spielt als Gast im Freiburger Barockorchester. Sie wirkte bei CD- und Opernproduktionen sowie Konzerttourneen, Rundfunk- und Fernsehaufnahmen u. a. unter René Jacobs, Ivor Bolton, Adam Fischer und Gary Cooper mit. Intensiv widmet sie sich auch der Kammermusik.

 

Originaire de Berne, Meret Luthi a terminé ses études de violon à la Hochschule der Künste de sa ville natale chez Monika Urbaniak-Lisik et Eva Zurbrügg, elle a obtenu un diplôme d'enseignement et de concert avec distinction. Pendant ce temps, elle a étudié de 2000 à 2003 en tant que membre du Quatuor Amaryllis avec Walter Levin à l'Académie de Musique de Bâle, s'est perfectionnée chez Anton Steck à Trossingen, pour le jeu du violon baroque. Elle a également participé à des classes de maître de Igor Ozim, Christian Altenburger, Thomas Brandis, Ingolf Turban et Gerhard Schulz.

De 2001 à 2005 Meret Luthi a enseigné la didactique du violon à la Hochschule der Künste de Berne. Comme violon-solo, Meret Luthi a co-fondé en 2008 l'orchestre de musique ancienne "Les Passions de l'Ame". Elle collabore, dans la même position, avec l'ensemble belge "B'Rock" et joue en tant qu'invitée dans l'Orchestre baroque de Freiburg. Elle a joué pour des CDs, des opéras, des tournées de concerts, enregistrements de radio et de télévision avec René Jacobs, Ivor Bolton, Adam Fischer et Gary Cooper. Elle se consacre aussi intensivement à la musique de chambre.

 

Ray M. Wade

Der gebürtige Texaner studierte Gesang bei Willis Patterson und George Shirley. Bei nationalen und internationalen Gesangswettbewerben war er mehrfach erfolgreich: "Internationaler Enrico-Caruso-Wettbewerb" (Mailand, 1992), Wettbewerb für Nachwuchskünstler der Metropolitan Opera (New York, 1993), 1994 errang er den 1. Preis in einem nationalen amerikanischen Gesangswettbewerb und 1996 gehörte er zu den Preisträgern des internationalen "Queen Elizabeth Music Competition" in Brüssel.

In Deutschland startete Ray M. Wade eine beachtliche Laufbahn. Er war von 1995 bis 1998 Ensemblemitglied im Nationaltheater Mannheim und sang dort zahlreiche bedeutende Partien seines Fachs, u.a. Alfredo in "La Traviata", Almaviva in "Il Barbiere di Siviglia" sowie alle grossen Mozart-Tenorpartien.

Wade sang auch an den Bregenzer-Festspielen, unter Marcello Viotti im Rossini-Stabat Mater im Gewandhaus Leipzig und 1999 im Prinzregenten-Theater München den Belmonte.

Ray M. Wade, Jr. hat mit renommierten Orchestern wie dem Metropolitan Opera Orchestra New York, dem Orchester der Deutschen Oper Berlin u.a. zusammengearbeitet. Nach Engagements am Theater Basel (u.a. als Tamino in Mozarts Zauberflöte und Nadir in Bizets Die Perlenfischer) ist er ab der Spielzeit 2004/05 festes Ensemblemitglied der Oper Köln.

 

Sophie Marilley

Sophie Marilley est née en 1973 à Fribourg (Suisse). Elle fait ses études d'art lyrique au conservatoire de Fribourg (classe d'Antoinette Faes), dont elle sort diplômée en 1999. Elle suit des classes de maîtres auprès d'Irwin Cage, de Brigitte Fassbaender et d'Anthony Rolfe-Johnson. En 2000/01, elle participe à l'Opera Studio d'Anvers (direction: Guy Joosten), et en 2002, elle est lauréate du Concours International du Belvedere à Vienne.

Sophie Marilley débute sa carrière en 1999 à l'Opéra de Fribourg dans La Périchole (rôle titre) et L'Etoile (Lazuli). On peut ensuite l'entendre à l'Opéra de Merano (Rosina dans Le Barbier de Séville) et au Grand Théâtre de Genève (Enée dans Didon et Enée).

De 2001 à 2005, soliste à l'Opéra d'Osnabrück, elle tient des rôles tels que Cherubino (Le Nozze di Figaro), Dorabella (Cosi fan tutte), La Cenerentola (rôle-titre), La Périchole (rôle-titre), Bavolet (La jolie parfumeuse d'Offenbach), Orlovsky (Die Fledermaus), Octavian (Der Rosenkavalier), der Trommler (Der Kaiser von Atlantis) et Babette (Die englische Katze de Henze). Elle est par ailleurs invitée à l'Opéra des Flandres (Clarisse dans L'Amour des trois oranges, Mercedes dans Carmen), au Festival de Wexford (Hänsel dans Hänsel und Gretel et Laura dans Die Drei Pintos) et à l'Opéra de St Gall Angelina (La Cenerentola).

En 2005/06, elle se produira à l'Opéra de Graz (Nicklausse dans Les Contes d'Hoffmann), à l'Opéra de Lausanne (Dorabella dans Cosi fan tutte) et à l'Opéra de Nantes (Lazuli dans L'Etoile). Elle donnera des récitals à Anvers et Gstaad et interprétera à Prague des airs de Mozart avec le Philharmonia de Prague.

 

 Marta Kulig et Barbara Danecka

Les pianistes Marta Kulig et Barbara Danecka se sont rencontrées durant leurs études à l'Académie de musique Frédéric Chopin de Varsovie, notamment dans la classe du maître Jan Ekier, pianiste, professeur et musicologue éminent, rédacteur principal de la nouvelle édition nationale de référence de l'oeuvre de Frédéric Chopin (Barbara Danecka a participé à la version française des commentaires et de l'appareil critique de cette parution aux éditions TIFC c/PWM à Cracovie). Au cours de cette formation musicale et pianistique du plus haut niveau, elles ont découvert, avec les encouragements de Prof. Jan Ekier, un très vaste répertoire ainsi que le plaisir de l'exploration de la musique à quatre mains au piano et à deux pianos.

Ce plaisir perdure et a nourri une autre passion, pédagogique: Barbara Danecka et Marta Kulig enseignent toutes les deux, l'une aux Conservatoires de Genève et de Fribourg, la seconde à l'Académie de Musique de Cracovie, parallèlement à leur carrière d'interprètes. Dans le domaine pédagogique, l'une et l'autre ont réalisé des enregistrements sur CD destinés aux jeunes pianistes. Barbara Danecka a participé en 2006 à l'enregistrement d'oeuvres de Bach et de Schumann au Conservatoire de Musique de Genève. Actuellement, elle poursuit ce vaste projet musical, en participant activement à la préparation du CD suivant de la série «Sonatines classiques». C'est en 2007 que Marta Kulig enregistre un CD avec des compositions de Krystyna Kijania, des pièces destinées à un concours consacré à la musique actuelle en Pologne.

La musique de chambre en diverses formations instrumentales a toujours aussi fait partie du répertoire de prédilection des deux interprètes et pédagogues. Elles ont notamment été invitées lors de cours d'été (Salzburg, St Maximin, Cracovie, Łancut, Katowice) et enseignent le jeu d'ensemble dans leurs institutions musicales. Mais le duo, à quatre mains et, parfois, à deux pianos, reste pour les deux artistes un moment privilégié, par le plaisir du partage et de l'inspiration réciproque. Cet échange d'idées et de sensibilité stimule et développe constamment le jeu et les connaissances pianistiques et musicales.

 

Pierre Martens

Il étudie au Conservatoire Royal de Musique de Bruxelles et à la Hochschule für Musik de Karlsruhe. Sa carrière de musicien d'orchestre débute en 1997 lorsqu'il est nommé basson-solo du Vlaams Radio Orkest. Dès 2000, il reprend cette même fonction à l'Orchestre Symphonique de Bamberg.

Il est lauréat de plusieurs concours et peut se vanter d'avoir suscité la création de plusieurs oeuvres pour basson qui lui sont dé diées. Il se produit comme soliste invité par maints orchestres européens.

Il collabore à la réalisation de plusieurs enregistrements pour la radio, la télévision ou le disque.

Il enseigne présentement à la Haute école de Musique de Gand et à la Hoch schule für Musik de Nuremberg et Augsbourg, ainsi qu'à celle de Lübeck. Il a l'occasion de donner des cours de maître au Portugal, en Belgique, en Allemagne et au Brésil.

 

Ulrike-Anima  Mathé

Die aus Deutschland stammende Geigerin studierte bei Françoise Zöldy in Basel, bei Dorothy DeLay an der Juillard School in New York und bei Tibor Varga in Detmold. Darüber hinaus verdankt sie Sandor Végh, György Sebök und Rudolf Serkin besondere Förderung und Anregung. Die Teilnahme an der von Serkin geleiteten Marlboro School of Music in Vermont/USA und an Open Chamber Music in Cornwall sowie das Studium historischer Aufführungspraxis an der Schola Cantorum in Basel sind weitere Stationen ihres künstlerischen Werdegangs.

Ulrike-Anima Mathé gehört zu den profiliertesten Geigensolisten der jüngeren Generation. Suggestive Ausdruckskraft, natürliche Anmut des Tons, sensible Intelligenz und eine unerschöpflich inspirierende Klangfantasie kennzeichnen ihre Interpretationen. Ihr Repertoire umfaßt die großen Standardwerke der konzertanten und kammermusikalischen Literatur vom Barock bis zur Moderne ebenso wie verborgene Perlen von Karol Szymanowski, Gabriel Fauré, Wolfgang Korngold oder Max Reger – sowie Kompositionen der Gegenwart. Mehrere Violinkonzerte wurden speziell für die Künstlerin geschrieben und von ihr uraufgeführt; weitere befinden sich in Vorbereitung.

Als Solistin arbeitet Ulrike-Anima Mathé unter anderem mit der Tschechischen Philharmonie, dem Dallas Symphony Orchestra, der Camerata Academica Salzburg, dem Stuttgarter Kammerorchester und dem Ungarischen Rundfunkorchester zusammen. Sie gastiert bei den Berliner Festwochen, den Luzerner Festwochen, den Festspielen in Schwetzingen und Ludwigsburg und bei internationalen Kammermusikfestivals von Lockenhaus und Hitzacker. Zu ihren Duopartnern zählen Bruno Canino, Alexander Lonquich und Matthias Kirschnereit.

Neben zahlreichen Rundfunkaufnahmen hat Ulrike-Anima Mathé CD-Einspielungen bei Harmonia Mundi und Dorian Recordings vorgelegt, darunter die erste Gesamtaufnahme der sieben Solosonaten, op. 91 von Max Reger, die vom Magazin Stereophile zum 'recording of the month' gewählt wurde. Seit 1999 unterrichtet die Künstlerin als Professorin an der Musikhochschule Detmold.

 

Pascal Mayer

Chef de choeur fribourgeois, Pascal Mayer a fait ses études de chant et de direction chorale aux conservatoires de Fribourg et Zurich. Pascal Mayer a fondé le Choeur de l'Université et des Jeunesses Musicales de Fribourg ainsi que le Choeur de Chambre de l'Université de Fribourg. En 1995, avec le chef de choeur valaisan Hansruedi Kämpfen, Pascal Mayer a constitué, dans le cadre de Fédération Suisse Europa Cantat, le Choeur Suisse des Jeunes.

Il dirige également à Lausanne le Choeur Pro Arte et le Choeur Faller, ensembles avec lesquels il aborde le répertoire de l'oratorio. Il enseigne la musique au Collège Ste-Croix de Fribourg, dont il anime le choeur. Il assume d'autre part une charge de cours de direction chorale à la Musikhochschule de Lucerne.

 

Paweł Mazurkiewicz

Il naît en 1976 à Varsovie et commence à neuf an à jouer de l’accordéon. Il passe au piano à seize ans. Après ses études au Gymnase Karol Szymanowski à Varsovie, il travaille dans la classe de Jan Ekier et de Bronisława Kawalla à l’Université de Musique Frédéric Chopin de Varsovie où il obtient sa maîtrise en arts en 2000. En 2004, il obtient son diplôme de soliste (maintenant dit Master of Arts spécialisé) à la Hochschule des Künste à Berne auprès de Tomasz Herbut, en gagnant encore le Prix Tschumi pour la meilleure note lors du concert final. De 2004 à 2005 il se spécialise en musique de chambre à la Hochschule Musik und Theater de Zurich auprès de Eckart Heiligers et à l’accompagnement du chant auprès de Hartmut Höll. Dès 2011, il enseigne le piano au Conservatoire de Berne. Il est co-répétiteur à l’Opéra-Studio de cette ville. Il est lauréat de plusieurs concours : Prix Crédit Suisse des jeunes Solistes, en 2003, avec, à la clef, invitation au Festival de Lucerne, Prix Geraldine Whittaker en 2006, Premier Prix et Prix spécial du jury, en 2010, lors du Cho-Ko-Chai de Tokyo. En outre, il avait déjà obtenu, en 2001, le Premier Prix du 30e Concours-Chopin national de Varsovie, en 1997, celui du Concours-Szymanowski international de Lodz, et, en 1996, celui du 2e Concours-Konzerteum international de Markopoulo, en Grèce. Il joue en Europe, en Asie et aux Amériques. En Suisse, on l’entend au KKL de Lucerne, à la Tonhalle de Zurich, au Kulturcasino et au Centre Paul Klee de Berne, où il joue avec divers orchestres suisses. L’un de ses partenaires en musique de chambre est justement Bartek Nizioł avec qui il a obtenu le Prix musical Fryderyk 2005 pour leur disque de diverses œuvres pour violon et piano. Outre ses activités de pianiste classique, Paweł Mazurkiewicz s’adonne ces derniers temps à des projets dits crossover dans lesquels il réunit classique, jazz et musique folk. Enfin, il se consacre de plus en plus à la composition de ses propres œuvres.

 

Jost  Meier

Jost Meier est né à Soleure en 1939. Après des études de composition et de violoncelle, il a obtenu son diplôme d'enseignement au conservatoire de Bienne et son diplôme de concert au conservatoire de Berne.

Violoncelliste à l'orchestre de la Tonhalle de Zurich et à la Camerata de Berne de 1963 à 1967, chef attitré de la Société d'orchestre de la ville de Bienne de 1969 à 1979 et également du Théâtre musical de 1971 à 1979, il a dirigé ensuite l'Opéra de Bâle. Depuis 1983, Jost Meier dirige et compose de façon indépendante, et jouit d'une grande renommée aussi bien en Suisse qu'à l'étranger.

Il a composé nombre d'oeuvres de musique de chambre pour les formations les plus diverses, d'oeuvres pour orchestre, de concertos pour instruments seuls, d'opéras, de ballets et d'oratorios. En 1999, il fut le compositeur officiel de la Fête des vignerons de Vevey.

Chef d'orchestre reconnu, il s'est produit en Suisse et dans beaucoup d'autres pays européens, entres autres à l'Opéra de Zurich, à l'Opéra national de Sofia ainsi qu'à la Deutsche Oper, à Berlin. Ses oeuvres orchestrales sont jouées en Europe, en Amérique et en Australie. Il a reçu nombre de distinctions, dont le prix des arts du canton de Soleure en 1985, le prix de la ville de Bienne en 1995, le prix de la musique de Bâle-Campagne en 1999 et le grand prix de la musique 2003 du Canton de Berne.

 

Antonio Meneses

Antonio Meneses est né en 1957 à Récife, au Brésil dans une famille de musiciens. Il commence l'étude du violoncelle à l'âge de 10 ans. Au cours d'une tournée en Amérique du Sud, Antonio Janigro remarque le jeune artiste alors âgé de 16 ans et l'emmène en Europe. Il étudie alors avec lui à Düsseldorf puis à Stuttgart.

En 1977, Antonio Meneses remporte le premier Prix au Concours de Munich et, en 1982, le premier Prix et la Médaille d'Or au Concours Tchaïkovsky à Moscou.

Fervent interprète de musique de chambre, Antonio Meneses a été un partenaire régulier du Quatuor Vermeer ou du Quatuor Emerson. On l’entendra au cours de l’hiver prochain en Italie avec le Quartetto di Cremona. En récital, il joue régulièrement avec Maria Joao Pires ou Menahem Pressler.

De 1998 à 2008, il a été le violoncelliste du Beaux-Arts Trio dans son ultime formation, aux côtés de Daniel Hope et de Menahem Pressler.

 

Antonio Meneses est invité régulièrement par les plus grands orchestres, joue régulièrement dans les plus importants festivals, sous la direction de chefs prestigieux. Au cours de la saison 2014-215, Antonio Meneses est le soliste du London Philharmonic Orchestra, du Scottish Chamber Orchestra, de l’Orchestre de Paris, de l’Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo, entre autres.

Antonio Meneses a enregistré 2 disques chez DGG sous la direction d'Herbert von Karajan dirigeant le Philharmonique de Berlin, le double concerto de Brahms pour violon et violoncelle avec Anne-Sophie Mutter et "Don Quichotte" de Richard Strauss. Parmi ses autres enregistrements, citons l’œuvre complète pour violoncelle de Villa-Lobos (Auvidis France et Bis), David Popper et C. P. E. Bach (Pan Records).

Ses plus récents disques présentent les 6 suites pour violoncelle seul de J.-S. Bach, l’intégrale des œuvres pour violoncelle et piano de Schubert, Schumann et Mendelssohn avec Gérard Wyss au piano et le cycle complet des sonates et variations pour violoncelle et piano de Beethoven, avec Menahem Pressler.

A cela il faut ajouter les  concertos de Haydn et le concertino de Clovis Pereira avec le Norther Sinfonia (AVIE Records) mais aussi, toujours chez AVIE, l’enregistrement des concertos d’Elgar et de Gal  avec le Northern Sinfonia dirigé par Claudio Cruz. Cet enregistrement a été nominé pour un Grammy Award dans la catégorie « Best Classical Instrumental Solo ».

Avec Maria Joao Pires, il a enregistré chez DGG un programme capté sur le vif à Londres, au Wigmore Hall.

Antonio Meneses donne très régulièrement des cours d'interprétation tant en Europe (Madrid (Escuela Superior de Música Reina Sofía), Siena (Accademia Musicale Chigiana) qu'aux Etats-Unis ou au Japon. Depuis 2008, il enseigne à la Musikhochschule de Berne.

 

Sabine Meyer

Sabine Meyer gehört heute weltweit zu den renommiertesten Solisten überhaupt. Ihr ist es zu verdanken, dass die Klarinette, oft als Soloinstrument unterschätzt, das Konzertpodium zurückerobert hat.

Nach Studien in Stuttgart bei Otto Hermann und in Hannover bei Hans Deinzer schlug Sabine Meyer zunächst die Orchesterlaufbahn ein und wurde Mitglied des Symponieorchesters des Bayerischen Rundfunks. Es folgte ein Engagement als Solo-Klarinettistin beim Berliner Philharmonischen Orchester, welches sie jedoch bald aufgab, da sie zunehmend als Solistin gefragt wurde. Seither führten sie ungezählte Konzerte sowie Rundfunk- und Fernsehauftritte in alle Musikzentren Europas sowie nach Brasilien, Israel, Kanada, Afrika und Australien. Seit zwanzig Jahren gastiert sie regelmässig in Japan und den USA.

Sabine Meyer feierte Erfolge als Solistin bei zahlreichen Orchestern im In- und Ausland. Sie gastierte bei allen bedeutenden Orchestern in Deutschland und wurde von führenden Orchestern in der Welt engagiert, so z.B. vom Chicago Symphony Orchestra. vom London Philharmonic Orchestra, vom NHK Symphony Orchestra Tokio, vom Orchestre de la Suisse Romande, dem Philharmonischen Orchester Berlin, von den Radio Sinfonieorchestern in Wien, Basel, Warschau, Prag und Budapest sowie von zahlreichen anderen Klangkörpern.

Im September 2000 war Sabine Meyer „Artist in Residence“ bei den Internationalen Musikfestwochen Luzern. In diesem Rahmen hat sie das Klarinettenkonzert „Metamorphosis“ von Toshio Hosokawa mit dem Chamber Orchestra of Europe unter der Leitung von Heinz Holliger uraufgeführt. Ausserdem war sie in verschiedenen Kammermusikprojekten, vom Duoabend mit Lars Vogt über das Bläserensemble bis hin zu einem Konzert mit der Bigband der Bamberger Symphoniker in Luzern zu hören. Im Sommer 2002 gastierte Sabine Meyer erstmals bei den Wiener Philharmonikern und zwar im Rahmen der Salzburger Festspiele unter Leitung von Christian Thielemann.

Sabine Meyers besondere Zuneigung gehört der Kammermusik. In vielfältigsten Zusammensetzungen hat sie mit Künstlern wie Barbara Hendricks, Bruno Canino, Aloys Kontarsky, Heinrich Schiff, Gidon Kremer, Oleg Maisenberg, dem Hagen sowie dem Alban Berg Quartett und dem Wiener Streichsextett musiziert. In der Saison 2001/02 unternahm Sabine Meyer eine weltweite Tournee mit dem Tokyo String Quartet.

1983 gründete sie, gemeinsam mit ihrem Ehemann Reiner Wehle und ihrem Bruder Wolfgang Meyer das „Trio di Clarone“. Fast vergessene Original-Kompositionen Mozarts sowie bedeutende Werke der Gegenwart bilden das Repertoire dieses Ensembles, welches aber auch für aussergewöhnliche Programme die Besetzung erweitert, so mit dem amerikanischen Jazzklarinettisten Eddie Daniels. Mit diesem wurde auch die CD „Blues für Sabine“ eingespielt. Anlässlich des Bachjahres 2000 arbeitete das Trio mit dem Jazzklarinettisten Michael Riessler zusammen. Es entstand das Crossover-Projekt „Bach 2000“ welches dann auch bei EMI Classics unter „Bach in 1 hour“ veröffentlicht wurde.

1988 bildete Sabine Meyer das „Bläserensemble Sabine Meyer“, in welchem führende Bläsersolisten aus verschiedenen Ländern zusammenwirken. Das Ensemble gastiert regelmässig im In- und Ausland mit einem breitgefächerten Repertoire von der Klassik bis zur Avantgarde.

Im solistischen wie im kammermusikalischen Bereich setzt sich Sabine Meyer immer wieder für zeitgenössische Musik ein - so wurden ihr von Jean Françaix, Edison Denissov, Harald Genzmer, Toshio Hosokawa, Niccolo Castiglioni, Manfred Trojahn und zahlreichen anderen Komponisten Werke gewidmet.

Sabine Meyer gab Meisterkurse in Deutschland, Italien, Österreich, Japan und den USA und wurde 1993 als Professorin an die Hochschule für Musik in Lübeck berufen.

Für EMI Classics hat Sabine Meyer in den letzten Jahren zahlreiche Einspielungen vorgenommen. Das aufgenommene Repertoire reicht von der Vorklassik bis hin zu zeitgenössischen Kompositionen und umfasst alle wichtigen Solokonzerte und Kammermusikwerke der Klarinette. Für die exemplarischen Aufnahmen der Konzerte von Johann und Carl Stamitz erhielt sie 1994 und 1996 den Echo-Preis als „Instrumentalistin des Jahres“ 2000 dann erneut für die Neuaufnahme des Mozartkonzertes mit den Berliner Philharmonikern unter Claudio Abbado. Im Herbst 2003 erhält sie diesen Preis zum vierten Mal und zwar für die Einspielung von Werken Webers, Mendelssohns und Baermans mit der Academy St. Martin in the Fields.

Neben zahlreichen musikalischen Auszeichnungen ist Sabine Meyer Trägerin des „Niedersachsen Preises“ und Mitglied der „Akademie der Künste Hamburg“.

 

Christoph Müller

Né à Münich en 1977, Christoph Müller prit ses premières leçons de clarinette à l'âge de neuf ans dans sa ville d'origine, Ulm. Après la maturité, il poursuivit ses études auprès de Prof. Ulf Rodenhäuser à la Hochschule für Musik à Münich, où il obtint en 2002 son diplôme avec distinction. C'est chez Prof. Martin Spangenberg à la Hochschule für Musik «Franz Liszt» à Weimar qu'il suivit ensuite la classe de maître.

Boursier de différentes fondations, il reçut le privilège de se perfectionner dans divers ensembles. Après un engagement à l'orchestre de l'Opéra de Francfort sur le Main, il est devenu en 2006 clarinettiste-solo des Bamberger Symphoniker.

Nous tenons à remercier Christoph Müller pour le remplacement de Sharon Kam qui attend un heureux événement et, de ce fait, est indisponible pour ses concerts.

 

Daniel Müller-Schott

Il étudie avec Walter Nothas, Heinrich Schiff et Steven Isserlis. Il a bénéficié de l’encouragement personnel et du soutien d’Anne-Sophie Mutter et de sa Fondation, qui a mis à sa disposition un violoncelle d’Etienne Vatelot (Paris, 1985). Il joue aussi un Matteo Goffriller (Venise, 1725). À 15 ans, il gagne le Premier Prix du Concours Tchaïkovsky à Moscou. Ses premières tournées et son premier enregistrement sont consacrés aux Six Suites pour violoncelle seul de Jean-Sébastien Bach. Son deuxième disque est consacré à Debussy, Poulenc, Franck et Ravel. Ses autres enregistrements sont dédiés aux deux Concertos de Haydn, à sa propre transcription de la Romance pour violon de Beethoven, aux deux Concertos de Joachim Raff, à la musique de chambre de Schumann, aux Concertos d’Aram Khatchaturian, d’Edward Elgar et de William Walton. Il vient aussi d’enregistrer les Trios avec piano de Mozart, avec Anne-Sophie Mutter et Sir André Previn. Daniel Müller-Schott est un découvreur de partitions nouvelles ou inconnues, qui lui permettent, quelques fois en faisant ses propres transcriptions, d’élargir le répertoire du violoncelle.

 

Andres Mustonen

Andres Mustonen, né en 1953, découvrit la musique en suivant un parcours inhabituel. Sa fascination adolescente pour la musique contemporaine a basculé au début des années 1970 vers une passion pour la musique ancienne et d'église. En 1972 il fonde Hortus Musicus. Avec cet ensemble baroque, et de nombreux grands orchestres, Andres Mustonen a développé tant une brillante carrière de violoniste soliste que de chef d'orchestre. Pendant toutes ces années, sa collaboration avec l'Orchestre de chambre de Tallinn et l'Orchestre Symphonique National d'Estonie a été intense et fructueuse.

Andres Mustonen aime à transférer son expérience de l'interprétation historique baroque à celle des oeuvres classiques, romantiques et contemporaines. Sensible à l'avant-garde et aux happenings spontanés faisant place aux affects, il a défendu les oeuvres de Giya Kantsheli, Philip Glass, Tōru Takemitsu, Vladimir Martõnov, Avet Terterjan, Valentin Silvestrov, ainsi que celles de compositeurs estoniens comme Erkki-Sven Tüür, Peeter Vähi, Arvo Pärt, et Galina Grigorieva.

 
 

Varvara Nepomnyashchaya

© Prisca Ketterer

Lauréate du Concours Géza Anda 2012

 

Varvara Nepomnyashchaya est née en 1983 à Moscou. Après une formation de 11 ans à l’école spéciale de musique Gnessin auprès du prof. Lidija Grigorieva, elle a été admise en qualité d’étudiante au conservatoire Tchaikovsky de Moscou dans la classe du prof. Mikhail Voskressensky. De 2011 à 2013, ella a suivi ses études à l’école supérieure de musique et de théâtre de Hambourg auprès du prof. Evgenij Koroliov.

Elle a très tôt obtenu des prix et bourses, pour ne citer que: le 2e prix du Concours J.S. Bach en 2006 à Leipzig, le 2e prix du Concours de piano de Nagoya en 2008, le 3e prix du Concours de piano de Brème en 2009, le 3e prix du Concours Svetislav Stancic en 2011 à Zagreb, ainsi que le 3e prix du 63e concours de printemps de Prague en 2011. En 2012, elle a gagné le 1er prix du 12e concours Géza Anda de Zurich. De plus, le jury lui accorda le prix Mozart et elle obtint le prix du public Géza Anda pour son interprétation du concerto pour piano no. 3 de Beethoven accompagnée par l’orchestre de la Tonhalle de Zurich sous la direction de David Zinman.

Depuis des années, la pianiste continue à donner des concerts en métropole ainsi qu’à l’étranger, se produit en soliste avec divers orchestres symphoniques et de chambre. Des engagements l’on menée en Russie, en Allemagne, en France, en Italie, en Grèce, en Autriche, en Hongrie, au Japon, en Suisse et au Brésil. Avec brio elle a assuré de très nombreux concerts organisés dans le cadre du concours Géza Anda, en particulier avec l’orchestre della Svizzera Italiana, l’orchestre de Chambre de Vienne, l’orchestre de la Radio SWR de Stuttgart, le Musikkollegium Winterthur, les orchestres symphoniques de Jena, de Frankfurt a.Oder, d’Olomouch et de Hanovre.

Pendant ses études au conservatoire de Moscou, elle a acquis un riche répertoire de musique de chambre auprès du professeur Aleksander Bondurjansky.

Des pédagogues et des pianistes renommés tels que Vladimir Krainev, Karl-Heinz Kämmerling, Dmitry Bashkirov et Andrzej Jasinski ont motivé et stimulé Varvara dans le cadres de son expression artistique.

De 2011 à 2013, elle a été chargée de cours à l’école supérieure de musique et de théâtre de Hambourg.

 

Lena Neudauer

“….. Lena Neudauer est tout simplement géniale: clarté, profondeur du son, spontanéité et grâce de l’archet, tout ceci sans aucun effort apparent, un jeu d’une exceptionnelle perfection…. » (« La Prensa » – Buenos Aires 2007)

Lena Neudauer est née à Munich en 1984. Elle commence le violon à l’âge de trois ans et à onze ans donne déjà son premier concert en public avec Orchestre. Très jeune, elle entre au « Mozarteum de Salzburg » dans la classe de Helmut Zehetmair. A onze ans elle continue ses études avec son fils, Thomas Zehetmair, et plus tard avec Christoph Poppen. Durant ces années, elle reçoit conseils et enseignements de Félix Andrievsky, Ana Chumachenco, Midori Goto, Nobuko Imaï et Seiji Ozawa.

Lena Neudauer, a eu très jeune, une reconnaissance internationale. En 1995, elle joue les «Quatre Saisons» de Vivaldi avec l’Orchestre Philharmonique de Munich, aussi en tournée au Japon. Quatre ans plus tard elle remporte quatre prix au Concours International de Violon “Léopold Mozart” à Augsbourg (Allemagne): le 1er Grand Prix, mais aussi le Prix Mozart, le Prix Richard Strauss pour la meilleure interprétation du Concerto pour violon de Richard Strauss, sans oublier le Prix du public.

Dès lors, Lena Neudauer s’est produite avec de très nombreux orchestres : MDR Symphony Orchestra, Orchestre Philharmonic de la Radio de Saarbrücken, Orchestre de Chambre de Munich, Orchestre Symphonique de Nuremberg, Brandenburg Symphony, Orchestre Symphonique de Munich, Orchestre « Gartnerplazt Theater » de Munich, Deutsche Kammerakademie Neuss, Salzburg Chamber Soloists, Orchestre National de Belgique, Orchestra die Padova e del Veneto, Philharmonie de Chambre de Pologne, sous la direction de chefs comme Christoph Poppen, Dennis Russel Davies, Mariss Janson, David Stahl, Wojciech Rajski, Lavard Skou Larsen. Concerts enregistrés par la radio et la télévision.

Depuis de nombreuses années, Lena Neudauer s’est également consacrée à la musique contemporaine avec, entre autres, l’Ensemble Contemporain de Pierre Boulez, ou le «Ôsterreichische Ensemble für Neue Musik» (OENM). La musique de chambre joue également un rôle important dans ses activités. Aussi nous retrouvons, Lena Neudauer dans des festivals comme : Semaine Mozart à Salzburg, Mecklenburg-Vorpommern Festival, Festival de Musique du Schleswig-Holstein, les « Braunschweig Classix, », Le Festival des Nations à Bad-Wörishofen, ou bien encore le Festival Musical Olympus à St. Pétersbourg et le Festival des Flandres en Belgique. En 2008 elle joue pour la première fois à Paris au Musée d’Orsay, lors de deux concerts, dont un, à l’ouverture de cette saison. En automne 2011 à l’auditorium du Musée du Louvre elle a interprété des sonates avec le pianiste d'origine roumaine, Herbert Schuch.

En mai 2010 est sorti son CD chez « Hänssler Classic – SWR MUSIC » consacré à l’œuvre complète pour violon et orchestre de Robert Schumann avec la « Deutsche Radio Philharmonie » sous la direction de Pablo Gonzalez.

Ce CD obtient la distinction WINNER 2011 de « International Classical Music Awards", www.icma-info.com

Lena Neudauer joue un violon de Lorenzo Guadagnini de 1743.

 
 

 NFM Orchestre Philharmonique de Wrocław

1945, unmittelbar nach dem Zweiten Weltkrieg wurde die Breslauer Philharmonie gegründet, das Erbe einer grossen städtischen Musiktradition antretend, welche weit ins

19. Jahrhundert zurückreicht: Komponisten und Interpreten von höchstem Rang gastierten in der niederschlesischen Metropole wie z.B. Johannes Brahms, Max Bruch, Richard Wagner, Edvard Grieg, Gustav Mahler, Ignaz Paderewski, Pablo de Sarasate und Eugène Ysaye, um nur die berühmtesten zu nennen.

Seit Anbeginn Ihres Bestehens setzte die Breslauer Philharmonie, neben der Pflege des klassisch-romantischen Repertoires, den Fokus auf die zeitgenössische Musik Polens durch Zusammenarbeit mit Komponisten wie z.B. Krzysztof Penderecki und Witold Lutoslawski, dessen Name dem Orchester 1994, im Todesjahr des Komponisten, offiziell verliehen wurde. Werke von ihm, aber auch von manch andern bedeutenden Komponisten Polens, standen zumeist auch auf den Programmen bei Tourneen durch viele Länder Europas und die USA: die Breslauer Philharmonie als musikalischer Botschafter Polens. Mehrere dieser Konzertreisen erfolgten mit Daniel Raiskin, der von 2001-2008 Erster Gastdirigent des Orchesters war und jetzt erneut mit ihm zusammenarbeitet.

Viele  Radio- und TV-Aufnahmen sowie CD-Produktionen zeugen von der Vielseitigkeit der Breslauer Philharmonie; sie steht im Mittelpunkt eines grossen CD-Projektes „Opera Omnia“ mit Aufnahmen aller Werke von Witold Lutoslawski unter so bekannten Dirigenten wie Jacek Kaspszyk (Chefdirigent von 2005-2012) und Stanislaw Skrowaczewski.

Das Orchester realisiert pro Saison durchschnittlich 50 Projekte, nicht nur in Breslau selber, sondern auch bei den wichtigsten polnischen Festivals wie z.B. beim Warschauer Herbst und beim Internationalen Festival Wratislavia Cantans; bei diesem Festspiel entstand 2012 die international beachtete Aufnahme von Hector Berlioz‘ Grande Messe des Morts (unter Paul McCreesh), preisgekrönt vom BBC Music Magazine.

Im Herbst 2015 beginnt – mit dem Namen NFM Philharmonisches Orchester Wroclaw  – eine neue Ära: dann nämlich bezieht das Orchester das von der EU mitfinanzierte Nationale Forum der Musik (mit einem 1800 Plätze fassenden Konzertsaal) als Heimstätte.

Der grossen Auslandtournee des Orchesters im Februar 2016 kommt besondere Bedeutung zu, ist Breslau 2016 doch Kulturhauptstadt Europas und das NFM Philharmonische Orchester einmal mehr deren musikalischer Botschafter.

 

Bartek Nizioł

© Raphael Zubler

Né en 1974 à Stettin, il étudie avec Jadwiga Kliszewska à Poznan et avec Pierre Amoyal à Lausanne. Il suit des cours auprès de Zachar Bron, Ruggiero Ricci, Mauricio Fuks et Michael Frischenschlager. En 1991, encore durant ses études, il gagne le Concours Henryk-Wieniawski à Poznan et le Concours de violon, à Adélaïde. Durant les années suivantes, il est lauréat du Concours international de Prétoria, du Concours de l’Eurovision, à Bruxelles et, en 1993, il gagne le Premier Prix du prestigieux Concours Marguerite Long–JacquesThibaud, à Paris. Ses récompenses lui valent de pouvoir jouer dans les salles, avec les orchestres et sous la direction de chefs parmi les plus renommés, tels Yehudi Menuhin, David Zinman, Yoav Talmi, Marek Janowski, Jan Krenz, Heinrich Schiff, Philippe Entremont Jacek Kasprzyk et Krzysztof Penderecki. Comme musicien de chambre passionné, il a l’occasion d’être le partenaire de Pinchas Zuckermann, Elisabeth Leonskaja et de Sol Gabetta. En août 2011, il fait ses début avec Martha Argerich dans son Festival de musique « Chopin and his Europe » à Varsovie. Il est premier violon du Quatuor Valentin Berlinski basé à Zurich dès 2010. Une de ses grandes sources d’inspiration est le compositeur de musique de film, Vladimir Cosma, sous la direction duquel il joue souvent et avec lequel il a enregistré son Concerto de Berlin. Ses enregistrements de Wieniawski, Bacewicz et des captivantes Six Sonates pour violon seul d’Ysaie ont reçu le Prix Fryderyck de la critique musicale polonaise. Depuis 2008 il enseigne à la Hochschule der Künste à Berne et est membre du jury du Concours Henryk Wieniawski à Poznan et du Concours de musique instrumentale du Pourcent culturel Migros à Zurich. Il s’engage aussi sans compter depuis 2009 à soutenir les jeunes talents, en particulier dans le cadre de son projet « Festival & Masterclass » en Pologne. Bartek Nizio? joue sur un instrument de Giuseppe Guarnerius del Gesù de 1727.

http://www.bartekniziol.com

Der 1974 in Stettin geborene Violinist Bartlomiej Nizioł studierte bei Jadwiga Kliszewska in Poznan und bei Pierre Amoyal in Lausanne. Er besuchte Kurse bei Zachar Bron, Ruggiero Ricci, Mauricio Fuks und Michael Frischenschlager.

1991, noch während des Studiums an der Musikakademie Poznan, gewann Bartek Niziol den Internationalen Henryk-Wieniawski-Wettbewerb in Poznan und den Violinwettbewerb in Adelaide. Die Folgejahre waren geprägt von weiteren Erfolgen bei Prestige-Wettbewerben: So wurde er beim Internationalen Musikwettbewerb in Pretoria, beim Eurovision-Wettbewerb in Brüssel sowie beim renommierten Marguerite Long-Jacques Thibaud-Wettbewerb in Paris mit dem ersten Preis ausgezeichnet.

Diese Erfolge ermöglichten ihm Auftritte als Solist mit bedeutenden Orchestern, u.a. mit dem English Chamber Orchestra, dem Orchestre Philharmonique de Radio France, dem Orchester des Norddeutschen Rundfunks, dem New Japan Philharmonic Orchestra, der Sinfonia Varsovia sowie dem Tonhalle Orchester Zürich unter namhaften Dirigenten wie Yehudi Menuhin, David Zinman, Yoav Talmi, Marek Janowski, Jan Krenz, Heinrich Schiff, Philippe Entremont Jacek Kasprzyk und Krzysztof Penderecki, um nur einige zu nennen.

Niziols Konzerttourneen führten ihn durch ganz Europa, nach Asien, Afrika und Süd-Amerika.

Als leidenschaftlicher Kammermusiker musizierte Niziol u.a. mit Musikern wie Pinchas Zuckermann, Elisabeth Leonskaja und Sol Gabetta.

In Pressestimmen wird immer wieder Niziols Nuancenreichtum seiner Interpretationen sowie der „meisterhaft kontrollierte, singende Ton” (New York Times) hervorgehoben

Im August 2011 debütierte Bartek Niziol erfolgreich zusammen mit der Starpianistin Martha Argerich am renommierten Musikfestival „Chopin and Europe” in Warschau.

Bartek Niziol spielt die erste Violine in dem 2010 gegründeten und in Zürich ansässigen Valentin Berlinski Quartet.

Viele Werke wurden von Bartek Nizioł für Radio und Fernsehen sowie auf CD`s aufgenommen. Seine Aufnahmen von Werken von Wieniawski, Bacewicz und 2010 der 6 Solo-Sonaten Ysayes wurden mit dem hochangesehenen „Fryderyk Preis“ der polnischen Musikkritik ausgezeichnet.

Seit September 2008 ist Niziol als Dozent an der Hochschule der Künste in Bern tätig und bekleidet ausserdem einen Sitz in der Jury sowohl des Henryk Wieniawski Violinwettbewerbs in Poznan als auch des Instrumentalmusik-Wettbewerbs des Migros-Kulturprozents in Zürich.

Seit 2009 engagiert sich Bartek Niziol zudem leidenschaftlich für die Förderung von jungen Talenten, insbesondere im Rahmen seines eigenen Projektes „Festival & Masterclass“ in Polen.

Bartek Niziol spielt auf einer Giuseppe Guarnerius del Gesù aus dem Jahre 1727.

 

 Nordwestdeutsche Philharmonie

Nordwestdeutsche Philharmonie

Chefdirigent: Yves Abel

 

Unverzichtbarer Bestandteil des Konzertlebens in Ostwestfalen-Lippe und attraktiver Kulturbotschafter der Region über die Grenzen Europas hinaus – diesen beiden Ansprüchen wird die Nordwestdeutsche Philharmonie unter ihrem Chefdirigenten Yves Abel in vorbildlicher Weise gerecht.
1950 zunächst als Städtebundorchester in Nordrhein-Westfalen gegründet, gibt das Orchester heute den größten Teil der jährlich 120 Konzerte im bevölkerungsreichsten Bundesland Deutschlands.

Erfolgreiche Tourneen führen die Nordwestdeutsche Philharmonie regelmäßig ins benachbarte europäische Ausland. Neben Dänemark, Österreich, Holland, Italien, Frankreich, und Spanien sorgte das Orchester auch in Japan und den USA für volle Konzertsäle.

Als Landesorchester von Nordrhein-Westfalen braucht die Nordwestdeutsche Philharmonie den Vergleich mit Klangkörpern aus deutschen Metropolen nicht zu scheuen. Ihre große Leistungsfähigkeit und mitreißende Spielfreude werden dabei vom Publikum ebenso geschätzt wie von renommierten Dirigenten und hochrangigen Solisten.

Mehr als 200 Schallplatten- und CD-Einspielungen sowie zahllose Rundfunkproduktionen dokumentieren die ungemeine Bandbreite und Brillanz des Orchesters.

Einen besonderen Schwerpunkt ihrer Tätigkeit setzt die NWD im Bereich der musikalischen Bildung und Erziehung. Ein umfangreiches schul- und konzertpädagogisches Programm erreicht jährlich über 12.000 Kinder und Jugendliche.

 

Jonathan Nott

Il est nommé en 2000 directeur artistique de l'Orchestre Symphonique de Bamberg avec lequel il part en de nombreuses tournées qui le mènent dans toutes les métropole importantes d'Allemagne, d'Europe, du Japon, des USA et d'Amérique du Sud, ainsi qu'aux Festivals d'édimbourg, de Salzbourg et de Lucerne.

Né en Grande-Bretagne, Jonathan Nott étudie la musicologie à Cambridge, le chant et la flûte à Manchester et la direction à Londres. C'est en 1988 qu'il fait ses débuts comme chef lors du Festival d'opéra de Battignano. L'année suivante il est nommé répétiteur de l'Opéra de Francfort. En 1991 il est nommé au Théâtre de l'état de Hesse à Wiesbaden.

Simultanément il commence une intense collaboration avec l'Ensemble Modern. Il est nommé directeur musical du Théâtre de Lucerne et titulaire de l'Orchestre Symphonique de Lucerne.

 

 Octuor Amphion

Xenia Löffler et Michael Bosch, hautbois,
Christian Leitherer et Daniel Beyer, clarinette,
Erwin Wieringa et Miroslav Rovenský, cor,
Eckhard Lenzing et Adrian Rovatkay, basson, et
Ludek Braný, contrebasse

Mit dem Gewinn des ersten Preises beim "Van Wassenaer Concours" in Den Haag 1998 sorgte das Ensemble schon kurz nach seiner Gründung für internationale Aufmerksamkeit. Dieser Anerkennung folgten Engagements zu Festivals und etablierten Konzertreihen in Österreich, Schweiz, Spanien, Tschechien, den Niederlanden und Deutschland.

Das Repertoire des Amphion Bläseroktetts reicht von den bekannten Originalkompositionen Mozarts und Beethovens, Wiederentdeckungen heute vergessener Böhmischer und Wiener Meister bis hin zu typischen Bearbeitungen bedeutender Opern und Sinfonien des ausgehenden 18. und beginnenden 19. Jahrhunderts für diese Besetzung. Dabei belegt die Vielfalt in den Programmen auch unübersehbar die enorme Beliebtheit und musikgeschichtliche Stellung dieser Gattung.

 

Kazushi Ono

© Eisuke Miyoshi

Le chef d'orchestre Kazushi Ōno (en japonais 大野 和士; Ōno Kazushi) est né le 4 mars 1960 à Tokyo
Décrit comme «l'un des esprits musicaux les plus fascinants de notre époque» et «un phénomène» (Le Figaro), le chef d’orchestre japonais Kazushi Ono a occupé le poste de chef principal de l'Opéra National de Lyon depuis le début de la saison 2008/09 :Il est également « lauréat » du Tokyo Philharmonic Orchestra et principal chef invité de la Filarmonica Arturo Toscanini. Il est directeur musical désigné de Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra, un poste qu'il assumera dès avril 2015 ; il prendra également en charge la direction musicale de l'Orchestre Symphonique de Barcelone i Nacional de Catalunya de Septembre 2015.

Durant son mandat à Lyon, des productions acclamées par la critique, notamment The Gambler de Prokofiev, Lulu de Berg, Le Rossignol et autres fables de Stravinsky, Luisa Miller de Verdi, Le Nez de Chostakovitch et Parsifal de Wagner ont été mises en scène. Au cours de la saison 2012-13, Kazushi Ono a dirigé de nouvelles productions de Macbeth de -Verdi, un projet double mettant en vedette Il prigioniero de Dallapiccola et Erwartung de Schönberg et Fidelio de Beethoven donné également par l'Opéra National de Lyon au Festival d'Édimbourg en août 2013. En 2013-14 : le Dialogue des Carmélites de Poulenc, Les Contes d'Hoffmann d'Offenbach, Peter Grimes et the Turn of the Screw de Britten.

Kazushi Ono entretient des relations avec un grand nombre de grandes maisons d'opéra du monde. Il est invité par quelques-uns des plus grands orchestres internationaux, dont City of Birmingham Symphony, Boston Symphony Orchestra, Montreal Symphony Orchestra, Israel Philharmonic Orchestra, Netherlands Radio Philharmonic Orchestra, Maggio Musicale Fiorentino et Accademia Nazionale di Santa Cecilia.

Le catalogue varié d'enregistrements CD de Kazushi Ono démontre son vaste répertoire, allant de Chin (Deutsche Grammophon), Gubaidulina, Britten, Turnage et Rihm à Chostakovitch, Mahler, Strauss et Tchaïkovski. D'autres enregistrements récents comprennent un Decca DVD de la production acclamée de Hänsel et Gretel de Humperdinck filmé avec le London Philharmonic Orchestra au Festival de Glyndebourne ainsi que celles sous l'étiquette Opus Arte comportant Aida de Verdi et The Rake Progress de Stravinsky, à la Monnaie de Bruxelles en 2009, Un DVD de la production de Glyndebourne très réussie de 2012 de L'heure espagnole et L'Enfant et les sortilèges de Ravel a été publié en août 2013.

Janvier 2014

 

Gerhard Oppitz

Né en Bavière en 1953, il commence le piano à cinq ans et donne son premier concert public, avec le Concerto en ré mineur de Mozart, à onze ans à Heilbronn. Le professeur de piano Paul Buck, présent ce jour-là, fait immédiatement inscrire le jeune prodige à la Musikhochschule de Stuttgart. Gerhard Oppitz suit ensuite les cours d'Hugo Steurer à Munich.

En 1973, il fait une rencontre décisive avec Wilhelm Kempff qui l'invite dans sa retraite de Positano. Cette influence sera décisive, comme celles de Claudio Arrau, Walter Gieseking, Edwin Fischer et Rudolf Serkin.

En 1977, Gerhard Oppitz est le premier Allemand à remporter le Concours Arthur Rubinstein de Tel-Aviv : la carrière internationale de cet héritier d'une tradition d'interprétation allemande du piano, qui trouve ses origines chez Liszt et Beethoven, est lancée.

Gerhard Oppitz collabore avec les meilleurs orchestres et les chefs les plus intéressants. Il a donné l'intégrale du Clavier bien tempéré de Bach, des sonates de Mozart, de Beethoven, et surtout l'oeuvre complète pour piano de Brahms à Paris, Londres, Berlin, Munich, Francfort, Milan, Gènes, Naples, Rome et Tokyo. Chez RCA Red Seal est du reste sortie l'intégrale des oeuvres pour piano solo de Brahms et ses Concertos, enregistrés avec Sir Colin Davis.

Le pianiste est, en outre, un ardent défenseur du répertoire contemporain qu'il met régulièrement en pleine lumière au cours de ses concerts, jouant par exemple des partitions de Boulez, Messiaen, Ligeti, Lutoslawski ou Stockhausen.

 

 Orchestre de chambre de Bâle

© Heike Kandalowski

kammerorchesterbasel

 

« Actuellement une des formations musicales les plus passionnantes parmi les orchestres du monde entier. » (Fono Forum)


Avec ses racines à Bâle et son succès à l’échelle internationale, le kammerorchesterbasel enthousiasme son public partout. Des concerts pleins d’énergie et de passion pour la musique sont l’emblème de cet orchestre de haut niveau et créatif. Le kammerorchesterbasel est polyvalent et de ce fait un des rares ensembles de son genre qui couvre et la musique baroque et la musique du 20ème et du 21ème siècle.

Fondé en 1984 par des jeunes diplômés de divers conservatoires suisses, le kammerorchesterbasel reçoit aujourd’hui des invitations aux salles de concert et festivals les plus importants dans l’univers de la musique classique européenne et se produit en même temps lors de ses propres concerts d’abonnement à Bâle. Le programme est complété par des projets d’éducation, des lectures avec accompagnement musical ainsi que par une série de concerts de musique de chambre dans le cadre urbain du Ackermannshof à Bâle. De divers enregistrements de CD auprès de labels de musique classique renommés comme Sony, Deutsche Harmonia Mundi, RCA Records et OehmsClassics témoignent de la qualité exceptionnelle de l’orchestre.

L’orchestre joue volontiers sous la direction musicale de ses propres premiers violons et apprécie la collaboration en alternance avec des chefs d’orchestres comme Paul Goodwin, Mario Venzago, Trevor Pinnock et tout particulièrement avec le chef d’orchestre invité permanent Giovanni Antonini. Avec ce dernier, les musiciens ont élaboré le cycle des symphonies de Beethoven. L’enregistrement des symphonies 1 à 8 est déjà paru chez Sony. Pour l’enregistrement des symphonies 3 et 4, l’orchestre a reçu le prix ECHO Klassik dans la catégorie « Ensemble de l’année 2008 ». Ce succès a été confirmé en 2012: Sous la direction de son premier violon Julia Schröder, le kammerorchesterbasel a reçu le prix ECHO Klassik dans la catégorie « Meilleur enregistrement d’opéra (airs et duos d’opéra) » pour l’enregistrement d’airs de Telemann avec la soprano Núria Rial. Au-delà de cela, l’orchestre est le sujet d’un long métrage : Le documentaire « Bartóks Quinten » (2010, régie Christine Burlet) qui permet un regard coloré dans les coulisses du kammerorchesterbasel, a été diffusé sur SF1 et 3sat.

La liste des solistes qui donnent des concerts avec le kammerorchesterbasel est impressionnante : Cecilia Bartoli, Sol Gabetta, Andreas Scholl, Angelika Kirchschlager, Matthias Goerne, Sabine Meyer, Vesselina Kasarova, Angela Hewitt, Renauld Capuçon, Victoria Mullova, Núria Rial etc.

La saison 2014|2015 sera marquée par la représentation et l’enregistrement de la 9ème symphonie de Beethoven sous la direction de Giovanni Antonini. L’orchestre se réjouit aussi de pouvoir coopérer à nouveau avec des solistes et des chefs d’orchestres exceptionnels, comme entre autres Christoph Poppen, Heinz Holliger, Fazil Say, Emmanuel Pahud, Sandrine Piau, Julia Lezhneva et l’ensemble Juilliard String Quartet. Le programme englobe le répertoire traditionnel avec entre autres les symphonies de Schubert, le concerto pour violon de Beethoven ainsi que les concertos pour piano de Mozart. Il sera enrichi par un répertoire néoclassique fascinant comprenant des œuvres de Bohuslav Martinu et Albert Roussel. Des œuvres contemporaines de Heinz Holliger et Fazil Say ainsi que l’avant-première d’une œuvre de commande pour douze instrumentistes et intégrant de la musique électronique jouée en direct du compositeur Maurilio Cacciatore complètent le programme de la prochaine saison.

Kammerorchester Basel

«Ganz anders, nämlich elegant und rhythmisch federnd, die Arbeit, die das Kammerorchester Basel mit Giovanni Antonini verfolgt – da entsteht ein Stück Zukunft»

(Peter Hagmann, NZZ, 2. Mai 2014, über die Beethoven-Interpretation des Kammerorchester Basel)

Kammerorchester Basel – in Basel verankert, international erfolgreich

In den 30 Jahren seines Bestehens hat sich das Kammerorchester Basel – im Jahr 2015 bereits zum dritten Mal mit dem ECHO Klassik-Preis ausgezeichnet – zu einem der führenden Kammerorchester des internationalen Musiklebens entwickelt. Heute gehören Einladungen zu den wichtigsten Konzertorten und Festivals der europäischen Klassikszene für das Orchester ebenso in die Agenda wie die eigene Konzertreihe in Basel. Diverse CD-Einspielungen bei renommierten Klassiklabels wie Sony, Deutsche Harmonia Mundi, Deutsche Grammophon, Warner Classics und OehmsClassics zeugen von der exzellenten Qualität des Basler Klangkörpers.

Das Kammerorchester Basel spielt mit Vorliebe unter der musikalischen Leitung der eigenen Konzertmeister, eine besonders fruchtbare Zusammenarbeit verbindet das Basler Ensemble mit seinem Principal Guest Conductor Giovanni Antonini. Höhepunkt der Zusammenarbeit mit Antonini ist der Beethoven-Zyklus, den das Orchester und der italienische Barockspezialist über zehn Jahre erarbeitet haben. Die Einspielung der Sinfonien 1-8 ist bereits bei Sony erschienen; die Aufnahme der Sinfonien 3 und 4 gewann den ECHO Klassik als «Ensemble des Jahres 2008». Mit Giovanni Antonini wird das Kammerorchester Basel im Wechsel mit dem italienischen Ensemble «Il Giardino Armonico» bis ins Jahr 2032 alle 107 Sinfonien Joseph Haydns aufführen und auf CD einspielen.

Darüber hinaus ist das Orchester eng mit Dirigenten wie Trevor Pinnock, Heinz Holliger, Paul Goodwin oder Mario Venzago verbunden. Renommiert ist die Liste der Solisten, welche gemeinsam mit dem Kammerorchester Basel konzertieren: Emmanuel Pahud, Sol Gabetta, Andreas Scholl, Kristian Bezuidenhout, Matthias Goerne, Sabine Meyer, Angela Hewitt, Renaud Capuçon, Thomas Zehetmair, Sandrine Piau u.v.m.

 

Mit grossem Engagement widmen sich die Orchestermitglieder verschiedenartigen Projekten im Bereich der musikalisch-pädagogischen Nachwuchsförderung. Konzerte in kammermusikalischer Besetzung ergänzen die vielfältigen künstlerischen Aktivitäten in der Stadt und Region Basel.

 

Die Saison 2015|2016 begann mit Aufführungen des «Sommernachtstraums» unter der Leitung von Trevor Pinnock im Theater Augusta Raurica, mit Klaus Maria Brandauer als Sprecher gastierten die Musikerinnen und Musiker u.a. in der Dresdner Frauenkirche, dem KKL Luzern und bei den Festspielen Mecklenburg-Vorpommern. Konzertreisen führen das Orchester mit Sir András Schiff und Heinz Holliger zum renommierten Festival «George Enescu» nach Bukarest, mit Sol Gabetta nach Australien und mit Daniel Hope nach Südamerika. Daneben freut sich das Kammerorchester Basel auf die Zusammenarbeit mit Franco Fagioli, Renaud Capuçon, Andreas Scholl, Hélène Grimaud, Kristian Bezuidenhout und vielen mehr. Das klassische Kernrepertoire steht mit Sinfonien von Schubert, Haydn, Beethoven und Mozarts Klavierkonzerten ebenso auf dem Spielplan wie Barockprogramme mit Kantaten von Bach, Arien und Concerti von Händel und Lully und Violinkonzerten der Bologneser Schule des 17. Jahrhunderts. Zeitgenössische Werke von Heinz Holliger, Arvo Pärt, Philip Glass, Toru Takemitsu sowie die Uraufführung eines Auftragswerks für Solovioline und Streicher des Schweizer Komponisten Stefan Wirth runden das Programm der kommenden Saison ab.

 

 Orchestre de chambre de Berne /Berner Kammerorchester

© Christian Henking

L'Orchestre de chambre de Berne, Berner Kammerorchester (BKO), est un ensemble jeune et dynamique qui enrichit la vie musicale culturelle bernoise par ses projets variés. Il cultive aussi sa tradition, celle de présenter, en plus des oeuvres célèbres, des compositions inconnues, du baroque à l'époque contemporaine. L'orchestre a jusqu'ici réalisé plus de 70 créations et plus de 200 premières auditions bernoises ou suisses.

Fondé en 1938 sur l'initiative de Hermann Müller, qui l'a dirigé pendant 35 ans, l'orchestre a joué ensuite, de 1973 à 1992, sous la direction de Jean-Pierre Moeckli, puis de Olivier Cuendet. Johannes Schlaefli est à sa tête depuis 1995 et l'a mené avec succès à un développement de son rôle dans l'animation culturelle de la capitale.

Une des vocations de l'orchestre est de faire place aux musiciens de chez nous et d'offrir un tremplin à de jeunes solistes.

 

 

Das BERNER KAMMERORCHESTER (BKO) ist ein dynamisches Profiensemble. Seit seiner Gründung 1938 pflegt es die Kammerorchesterliteratur der Klassik und setzt parallel dazu einen Schwerpunkt in der Aufführung und Vermittlung neuer Schweizer Musik. Die Mannheimer-­‐Besetzung des BKO ermöglicht feine und differenzierte Interpretationen der klassischen Literatur für Kammerorchester. Die Klassik bildet denn auch das musikalische Zentrum der Programmation. Darum herum und darüber hinaus sind spannende Kombinationen möglich. Seit seinen Anfängen ist das BKO bestrebt, sich mit dem zeitgenössischen musikalischen Schaffen auseinander zu setzen. Zahlreiche Uraufführungen namhafter Komponistinnen und Komponisten kann es in der langen Zeit seines Bestehens verzeichnen. Immer wieder erprobt und entwickelt das Berner Kammerorchester auch neue Formate, wie beispielsweise die Zusammenarbeit mit Tanz oder spezielle Projekte mit Jugendchören und es bietet jungen Musikerinnen und Musikern Auftrittsmöglichkeiten. In Zukunft will das Berner Kammerorchester die Flexibilität seiner Grösse nutzen, um in der ganzen Schweiz präsent zu sein.

 

 

 

 Orchestre de chambre de Genève

©  Gregory Batardon

L’Orchestre de chambre de Genève

Les Musiciens

Violons I

Girolamo Bottiglieri, violon solo

Mélik Kaptan, cosoliste

Alexandre Favez

Ahmed Hamdy

Piotr Kawecki

Catherine Plattner

Pascale Servranckx-Delporte

 

Violons II

Marc Liardon, solo

François James, cosoliste

Ariel Bühler

Yvonne Cottet

Christine Regard

 

Altos

François Jeandet, solo

Nathalie Vandebeulque,
cosoliste

Vasile Draganescu

Robin Lemmel

 

Violoncelles

Pascal Michel, solo

Danila Ivanov, cosoliste

Coralie Devars

Delphine Gosseries

 

Contrebasses

Pierre-François Massy, solo

José Toyo, cosoliste

 

Flûtes

Catherine Stutz,solo

Eliane Williner

 

Hautbois

Gilles Vanssons, solo

Patrick Marguerat

 

Clarinettes

Cindy Lin,solo

Eric Völki

 

Bassons

Catherine Pépin-Westphal, solo

Ludovic Thirvaudey

 

Cors

Matthieu Siegrist, solo

Emmanuel Bénèche

 

Trompettes

Jean-Pierre Bourquin, solo

Ivo Panetta

 

Trombone

Pascal Emonet

 

Timbales

François Volpé

 

Harpe

Geneviève Chevallier

L’Orchestre de Chambre de Genève est un ensemble qui prône l’excellence dans tous les répertoires, allant de la musique baroque à la musique contemporaine, faisant ainsi découvrir au public des œuvres trop peu jouées dans les salles de concerts habituelles. L’utilisation fréquente des instruments «historiques» par ses musiciens, en alternance avec les instruments modernes, fait de l’OCG un orchestre unique en son genre.De nombreux chefs et solistes de grande renommée ont contribué à forger l’identité et l’originalité de l’OCG depuis sa création en 1992, tels que Armin Jordan, Ivor Bolton, Rinaldo Alessandrini, Thomas Rösner, Natalie Dessay, Sandrine Piau, Véronique Gens, Andreas Scholl, Patricia Kopatchinskaja, Aldo Ciccolini et bien d’autres. C’est sous l’impulsion de Michael Hofstetter, successeur de Thierry Fischer et de Lev Markiz, que l’OCG a pris sa véritable place sur la scène musicale à Genève et en Suisse, et s’est hissé au rang des orchestres de tout premier ordre. Le chef et pianiste David Greilsammer a poursuivi le travail engagé par ses prédécesseurs, mais a également développé de nouveaux projets innovants. Dès la saison 2013-2014, Arie van Beek, chef invité privilégié les trois saisons précédentes, est nommé directeur artistique et musical afin de consolider et développer son empreinte sur la phalange genevoise.

L’OCG présente chaque année une saison de concerts à Genève, principalement au Bâtiment des Forces Motrices et souvent enregistrés par Espace 2. Au-delà de ses concerts de soirée, l’OCG collabore régulièrement avec divers partenaires culturels genevois dont la Ville, le Grand Théâtre, la Haute Ecole de Musique, l’Opéra de Chambre, les chorales, le Conservatoire populaire de musique, danse et théâtre, la Cie Gilles Jobin ou encore l’Orchestre des Pays de Savoie. L’OCG est par ailleurs l’invité de nombreux festivals dont Archipel, La Bâtie, Carouge, Bellerive, Gstaad ou Tannay, pour n’en citer que quelques-uns.

L'OCG collabore étroitement avec le Concours de Genève notamment pour l’enregistrement de disques offerts aux lauréats dont Lorenzo Soulès, István Várdai, Louis Schwizgebel-Wang et Gilles Vonsattel. En 2012, l’OCG

enregistre un disque consacré à Mozart sous le prestigieux label Sony Classical. L'OCG au BFM

 

 Orchestre de Chambre de Lausanne (OCL)

© Federal Studio

Fondé en 1942 par le violoniste Victor Desarzens, l’Orchestre de Chambre de Lausanne (OCL) n’a cessé de déployer ses ailes pour devenir aujourd’hui l’une des phalanges de chambre les plus demandées d’Europe. La nomination à sa tête en 2015 de l’un des jeunes chefs les plus prometteurs de la nouvelle génération, l’Américain Joshua Weilerstein, en est la preuve éclatante. De formation Mannheim (soit une quarantaine d’instrumentistes), il embrasse un vaste répertoire qui va des premiers baroques à la création contemporaine. Très vite convié à l’étranger — il participe au Festival d’Aix-en-Provence dès la deuxième édition, ses tournées en Allemagne puis aux Etats-Unis sont des succès retentissants, comme ses concerts plus récents au Théâtre des Champs-Elysées ou aux BBC Proms de Londres. Parmi ses dernières invitations, on citera le Théâtre Mariinski de Saint-Pétersbourg, le Festival Rostropovitch de Moscou et le Festival d’Istanbul.

En 2016—2017, l’OCL se produira entre autres à Rome, Budapest et Vienne. Ses concerts sont rythmés par l’engagement de solistes de premier plan: de Clara Haskil, Alfred Cortot, Walter Gieseking et Edwin Fischer à Murray Perahia, Radu Lupu, Martha Argerich et Nikolai Lugansky chez les pianistes, d’Arthur Grumiaux à Frank Peter Zimmermann chez les violonistes, de Paul Tortelier à Truls Mørk chez les violoncellistes, ou encore de Jean-Pierre Rampal à Emmanuel Pahud chez les flûtistes, les plus grands noms l’ont gratifié de leur concours et continuent plus que jamais à lui faire confiance. L’OCL a aussi toujours su attirer les baguettes les plus intéressantes du moment: de Günter Wand à Charles Dutoit, de Paul Hindemith à Ton Koopman, de Jeffrey Tate à Bertrand de Billy, il s’enrichit sous leur direction des influences les plus diverses. À l’instar du disque, qui offre un miroir pérenne de cet esprit d’ouverture: de l’intégrale des opéras de Haydn dans les années 1970–1980 sous la direction d’Antal Dorati aux concertos de Beethoven avec Christian Zacharias (en DVD chez Bel Air Media), en passant par les récentes gravures dédiées à Schönberg et Webern (avec Heinz Holliger) et à Spohr et Weber (avec Paul Meyer), la vitrine est séduisante et parfaitement en phase avec l’identité historique de l’OCL. Consacré à Stravinsky, le premier disque de l’orchestre sous la direction de Joshua Weilerstein paraît au printemps 2016.

Résident de la Salle Métropole, l’OCL est l’hôte régulier de la fosse de l’Opéra de Lausanne et le partenaire privilégié de nombreuses institutions de la région telles que la Haute Ecole de Musique de Lausanne, la Manufacture (Haute Ecole de Théâtre de Suisse Romande), la Fondation Pierre Gianadda de Martigny, le Festival d’opéra Avenches ou le Concours de piano Clara Haskil de Vevey. Il est également un partenaire historique de la Radio Télévision Suisse, dont il nourrit les programmes depuis l’origine et profite en retour de son vaste réseau de diffusion national et européen. C’est ainsi que ses concerts, enregistrés par Espace 2, sont mis à la disposition du public en écoute à la demande sur www.espace2.ch.

Une phalange du rang de l’OCL, c’est bien sûr des affiches aux noms de solistes et de chefs invités prestigieux, mais c’est d’abord une identité forte forgée au fil des ans par un petit nombre de directeurs artistiques. Au fondateur Victor Desarzens (1942—1973), qui marque l’institution par son engagement infatigable en faveur des créateurs suisses (Frank Martin en tête) succèdent Armin Jordan (1973—1985), qui par les disques (chez Philips et Erato) accentue considérablement le rayonnement international de l’orchestre, puis Lawrence Foster (1985—1990), Jesús López Cobos (1990—2000), Christian Zacharias (2000—2013) avec une exceptionnelle intégrale des concertos pour piano de Mozart chez MDG, pour arriver en 2015 à Joshua Weilerstein, qui d’emblée déclare son intention de poursuivre l’œuvre de ses prédécesseurs tout en inscrivant l’OCL dans le 21e siècle, par le biais de programmes audacieux ou l’exploitation plus efficace des nouveaux moyens de communication.

 

 Orchestre de chambre de Prague

 

 Orchestre de chambre fribourgeois

© Moreno Gardenghi

Fondé en 2009, l’Orchestre de chambre fribourgeois (OCF) s’est rapidement imposé comme un acteur culturel de premier plan dans le canton et au-delà. Cette phalange professionnelle compte 37 musiciens (24 cordes, 2 flûtes, 2 hautbois, 2 clarinettes, 2 bassons, 2 cors, 2 trompettes, timbales) et s’étoffe au gré des projets.

Depuis ses débuts remarqués, l’OCF est un partenaire privilégié des chœurs fribourgeois, qu’il accompagne à de multiples occasions, du baroque au jazz. Il propose aussi aux mélomanes des concerts symphoniques sous la baguette de son chef titulaire Laurent Gendre, lors de concerts à l’abonnement au théâtre Équilibre ou de concerts décentralisés dans les autres salles du canton. De plus, les concerts de musique de chambre permettent aux musiciens de l’orchestre d’aborder d’autres répertoires et de mieux se (faire) connaître.

L’OCF se produit chaque année avec l’Ensemble Symphonique Neuchâtel et offre ainsi des œuvres symphoniques d’envergure au public fribourgeois (la septième symphonie de Bruckner, la quatrième de Mahler, la Symphonie fantastique de Berlioz, L’Oiseau de feu de Stravinski). Il propose aussi des concerts pour les familles, avec notamment Pierre et le loup de Prokofiev et Le Carnaval des animaux de Saint-Saëns.

Parmi les solistes qui ont marqué l’histoire de l’orchestre, nous pouvons par exemple mentionner Marie-Claude Chappuis, Pascal Rogé, Christian Chamorel, Cédric Pescia, Oliver Schnyder, Rachel Kolly d’Alba, Gyula Stuller, Alexandre Dubach, Christian Poltéra, Jean-François Michel, Jacques Mauger, Michael Zisman, Lionel Cottet ou Thomas Demenga. Des chefs invités font aussi profiter l’OCF de leur expérience, à l’instar de Philippe Bach ou de Gábor Takács-Nagy.

Enfin, l’OCF participe aux productions de l’Opéra de Fribourg depuis 2010 (Eugène Onéguine, Madame Butterfly, L’Enlèvement au Sérail, Orlando Paladino) et collabore régulièrement avec le festival Avenches Opéra (Nabucco, Le Barbier de Séville).

 

 

 

 Orchestre de la Haute Ecole de musique

L’Orchestre de l’HEMU est une formation à géométrie variable occupant, sous la supervision de musiciens issus des meilleures phalanges de la région, l’ensemble des instrumentistes de l’institution au gré de projets variés combinant intérêt pédagogique et impératifs de la scène professionnelle. Il est dirigé par des chefs invités de haut niveau.


On raconte que le premier chef à avoir dirigé un orchestre constitué d’étudiants de ce qui s’appelait alors l’Institut de Musique de Lausanne était… Ernest Ansermet ! La formation connaît des fortunes diverses au cours du 20e siècle avant d’asseoir son activité à la fin des années 1980 sous la direction d’Hervé Klopfenstein, à l’origine notamment d’une dissociation claire des pôles amateur et professionnel.

Sous la baguette de personnalités telles que Ton Koopman, Jesús López Cobos, Ralph Weikert, Christian Zacharias, Bertrand de Billy ou Benjamin Lévy, l’Orchestre de l’HEMU embrasse un répertoire très vaste couvrant près de quatre siècles de création musicale de 1650 à nos jours. Il a ainsi à son actif – avec à la clé plusieurs gravures discographiques – l’interprétation de grandes fresques du répertoire comme la Symphonie fantastique de Berlioz, les 5e Symphonies de Tchaïkovski et de Mahler, et la 11e Symphonie de Chostakovitch, mais également la création d’une œuvre de Caroline Charrière, l’animation de soirées 100% Gershwin ou Michel Legrand et la participation à plusieurs programmes d’oratorio aux côtés des Vocalistes de l’HEMU. Grâce à une mise en commun régulière de ses forces avec celles de l’Orchestre de Chambre de Lausanne depuis 2007, il lui est possible en outre de monter sur la scène de la Salle Métropole à Lausanne des programmes de haut vol, comme l’interprétation de symphonies de Bruckner ou de chefs-d’œuvre comme La Mer de Debussy et La Valse de Ravel.

L’Orchestre de l’HEMU se profile également depuis plusieurs années sur la scène lyrique, participant à des productions remarquées de Don Giovanni, Postcard from Morocco (Argento), Transformations (Susa), Le Songe d’une nuit d’été (Britten) ou La Petite renarde rusée (Janacek), hôte de théâtres de premier plan tels que l’Opéra de Lausanne, le Crochetan à Monthey et le Théâtre du Jorat à Mézières.

 

 Orchestre de la Suisse Romande

Fondé en 1918 par Ernest Ansermet, qui en est le chef titulaire jusqu’en 1967, l’Orchestre de la Suisse Romande compte 112 musiciens permanents. Il assure ses concerts d’abonnement à Genève et Lausanne, les concerts symphoniques de la Ville de Genève, le concert annuel en faveur de l’ONU, ainsi que les représentations lyriques au Grand Théâtre de Genève. Sa réputation s’est bâtie au fil des ans grâce à ses enregistrements historiques et à son interprétation du répertoire français et russe du XXe siècle.

Son Directeur artistique et musical sera le chef britannique Jonathan Nott à partir de la saison 2016-2017. Son chef principal invité est le maestro japonais Kazuki Yamada.

Formation de réputation mondiale, l’Orchestre de la Suisse Romande, sous l’égide de son chef fondateur, puis des directeurs musicaux successifs (Paul Kletzki 1967-1970, Wolfgang Sawallisch 1970-1980, Horst Stein 1980-1985, Armin Jordan 1985-1997, Fabio Luisi 1997-2002, Pinchas Steinberg 2002-2005, Marek Janowski 2005-2012, Neeme Järvi 2012-2015), a toujours contribué activement à l’histoire de la musique avec la découverte ou le soutien de compositeurs contemporains. Les œuvres de Claude Debussy, Igor Stravinski, Darius Milhaud, Arthur Honegger, Frank Martin, Benjamin Britten, Heinz Holliger, Peter Eötvös, James MacMillan, Pascal Dusapin, Michael Jarrell ou Richard Dubugnon ont été créées à Genève par l'OSR. C'est d'ailleurs toujours une de ses missions importantes: soutenir la création symphonique, et particulièrement suisse. L’OSR est partenaire de Pro Helvetia pour le projet « œuvres suisses » jusqu’en 2017.

Collaborant étroitement avec la Radio Télévision Suisse dès son origine, l’Orchestre de la Suisse Romande est très tôt diffusé sur les ondes radiophoniques, donc capté par des millions de personnes à travers le monde. Grâce à un partenariat avec Decca (plus de 100 disques), qui donne naissance à des enregistrements légendaires, l'OSR confirme sa présence sur la scène musicale mondiale. L’OSR a enregistré avec une dizaine de labels internationaux des disques qui ont reçu de nombreuses distinctions. Actuellement en partenariat avec PentaTone, l'OSR enregistre deux à trois disques par saison.

Les tournées internationales de l’OSR le conduisent dans les salles prestigieuses d’Europe (Berlin, Londres, Vienne, Salzbourg, Paris, Amsterdam) et d’Asie (Tokyo, Séoul, Pékin), ainsi que dans les grandes villes des continents américains (Boston, New York, San Francisco, Washington, São Paulo, Buenos Aires ou Montevideo). Au cours de la saison 2011-2012, l’OSR s’est produit pour la première fois à Moscou et Saint-Pétersbourg. En juillet 2014 l’OSR s'est rendu au Japon (Suntory Hall) et à Séoul (SeongNam Arts Center), et en février 2015, il s'est produit lors de sept concerts sur les côtes Ouest et Est des Etats-Unis. Il est l’invité de nombreux festivals, dont le Festival de Música de Canarias, les festivals de Pâques et d’été de Lucerne, le Festival de Radio France et Montpellier, le Menuhin Festival Gstaad et le Septembre Musical de Montreux.

L’Orchestre de la Suisse Romande est soutenu par le canton et la Ville de Genève, la Radio Télévision Suisse, les associations d’amis et de nombreux sponsors et mécènes. Pour les concerts donnés à Lausanne, l’OSR bénéficie du soutien du Canton de Vaud.

Site de l'OSR

 

 Orchestre des Pays de Savoie

Depuis sa fondation en 1984, l’Orchestre des Pays de Savoie a pour vocation de se produire, non pas dans un lieu de concert unique, mais sur l’ensemble des scènes de la région Rhône-Alpes, ainsi que dans les salles de concert les plus prestigieuses. De Boëge à l’Auditorium de Lyon, de Lanslebourg à la Salle Gaveau à Paris, de la Grange au Lac à Évian au Victoria Hall de Genève ou encore la salle Tchaïkovski à Moscou, ce sont ainsi des milliers d’auditeurs qui vibrent au rythme de la musique classique lors de plus de 80 concerts chaque année.


Sa disponibilité, son rayonnement et son engagement artistique font également de l’Orchestre des Pays de Savoie l’invité privilégié de nombreux festivals d’été, tels le Festival Berlioz à la Côte-Saint-André, les Rencontres Musicales d’Évian, les Arts Jaillissants à Montsapey, les estivales du Château de Clermont.

Sous l’impulsion de Nicolas Chalvin depuis 2009, l’orchestre aborde un répertoire varié, de Bach aux créations les plus contemporaines. Il joue avec la complicité de solistes et chanteurs internationaux (François-Frédéric Guy, Renaud Capuçon, Tedi Papavrami, Anne Gastinel, ou encore avec Sophie Karthäuser, Karine Deshayes ou Marianna Pizzolato), n’hésitant pas à étoffer ses couleurs orchestrales en collaborant avec d’autres ensembles tels L’Orchestre de Chambre de Genève, l’Orchestre Symphonique de Mulhouse ou les Chœurs et Solistes de Lyon.

Tous animés par le désir de transmettre leur passion musicale, les 23 musiciens permanents (19 cordes, 2 hautbois, 2 cors) s’investissent également dans leur mission pédagogique lors de multiples concerts et actions de sensibilisation, que ce soit dans les écoles de musique, les maisons de retraite, en milieu scolaire, carcéral ou hospitalier.

Volontairement tourné vers l’avenir, l’Orchestre des Pays de Savoie s’illustre par ailleurs au gré d’événements et de concerts innovants, qui élargissent les frontières du genre, tels le concert au sommet du Mont-Blanc, les moments musicaux autour de l’œnologie et de la gastronomie ou encore sa participation au livre-disque Un jour au concert avec les Bidochon, qui mêle humour et musique classique.

Les liens privilégiés qu’il crée avec ses spectateurs, ce profond attachement territorial, sa démarche novatrice permettent à l’Orchestre des Pays de Savoie de fédérer autour de lui les entreprises de la région à travers son Club d’entreprises mécènes Amadeus et tous les passionnés de musique grâce à son Cercle des Amis.

L’Orchestre des Pays de Savoie est soutenu par l’Assemblée des Pays de Savoie, le Ministère de la Culture et de la Communication (DRAC Rhône-Alpes), la Région Rhône-Alpes et son club d’entreprises mécènes Amadeus.

 

 Orchestre Philhamonique de Moravie

 

 

Die Mährische Philharmonie gehört zu den vornehmsten und ältesten symphonischen Orchestern in der Tschechischen  Republik. Ihr Sitz ist in Olomouc, der historischen Hauptstadt Mährens. Diese altertümliche Universitätsstadt ist ein bedeutendes Zentrum der Bildung, Kultur und Kunst in ganz Mittelmähren. Bei der Einteilung der Tschechischen Republik in Regionen wurde Olomouc das Zentrum des Olmützer Bezirks.

An der Spitze der Mährischen Philharmonie standen bedeutende Persönlichkeiten der böhmischen Musikkultur, am Dirigentenpult wechselten sich hervorragende Weltdirigenten an, z.B. O. Klemperer, A. Janson, Lord Yehudí Menuhin, V. Neumann, L. Pešek und andere. Als Gäste traten bedeutende Instrumentalisten auf, z.B. S. Richter, I. Oistrach. G. Kremer, S. Ishikawa, P. Fournier, D. Šafrán, A. Navarra, J, Suk, V. Hudeček, J. Carreras, A. Baltsa und viele andere.

Während der über 50 Jahre währenden Tätigkeit baute die Mährische Philharmonie ein außerordentlich reiches und mannigfaltiges Repertoire auf. Das Orchester widmet seine Aufmerksamkeit großen Autoren der Weltmusik des 19. und 20. Jahrhunderts. Es ist darüberhinaus selbstverständlich, daß die Mährische Philharmonie auch zu den authentischen Interpreten der Klassiker der tschechischen nationalen Musikkultur gehört – A. Dvořák, B. Smetana, L. Janáček und B. Martinů.

Die Mährische Philharmonie setzt sich intensiv für die Verbreitung der zeitgenössischen tschechischen- sowie auch der Weltmusik ein, wovon die Tatsache zeugt, daß über 250 Neuheiten als Premieren uraufgeführt wurden.   In der letzten Zeit konzentriert sich die Mährische Philharmonie auf CD-Aufnahmen der Musik der zeitgenössischen Autoren (Zeitgenössische Weltmusik).

Mit einem großen positiven Echo trat die Mährische Philharmonie in den meisten Staaten Europas auf; an viele Orte im Ausland kehrt sie aufgrund der großen positiven Resonanz des Publikums sowie der Kritik fast jedes Jahr erneut zurück. Sie nahm an bedeutenden internationalen Musikfestivals, z.B. in Griechenland, Deutschland, Spanien, Frankreich, Italien und Österreich teil.

Die Mährische Philharmonie ist ein Kulturinstitut, welches sich an der Organisation des künstlerischen- und Konzertlebens in Olomouc beteiligt. Sie ist Organisator und Veranstalter des Musikfestivals Dvořáks Olomouc und des Internationalen Orgelfestivals. Beide erwähnte Festivals werden alljährlich in den denkmalswürdigen und architektonisch bedeutenden Olmützer Kirchen veranstaltet

 

The Moravian Philharmonic Orchestra was founded in 1945 and belongs to the foremost and the oldest symphonic orchestras in the Czech Republic. It resides in the historic Moravian city of Olomouc. This ancient university town is an important centre of education and culture of the whole middle Moravia. After the formation of the independent Czech Republic Olomouc became the centre of the administrative unit of the District of Olomouc.

The Moravian Philharmonic Orchestra has been lead by significant personalities of the Czech music culture and it has been conducted by internationally renown artists such as Lord Yehudi Menuhin, Václav Neumann, Libor Pešek, Vladimír Válek and many more. Famous soloists have performed with the orchestra, for example

S. Richter, I. Oistrach, G. Kremer, S. Ishikawa, P. Fournier, J. Suk, V. Hudeček, E. Indjic, J. Carreras, A. Baltsa, J. Cura.

During its existence the orchestra has performed an outstandingly large and varied repertoire which, next to the Czech music, includes compositions of the classics of the 19th and 20th century European orchestral music.

The Moravian Philharmonic Orchestra has intensively been promoting contemporary Czech and international music which has been proven in the hundreds of premiered works of contemporary composers. In recent years the orchestra has been specializing in recording contemporary international music.

The Moravian Philharmonic Orchestra has performed with great success in the majority of European countries and has taken part in many important international music festivals in the Czech Republic and abroad, for example The Prague Spring Festival, Smetana’s Litomysl, the Summer Music Festival in Reims, France or the Thurn und Taxis Festspiele in Regensburg, Germany. The orchestra has performed on important European stages such as Alte Oper in Frankfurt, Saal der Munchner Philharmonie, Vereinsaal Wien, Saal Pleyel Paris, Tonhalle Zurich or Palaois de Musica in the Spanish cities of Barcelona and Valencia.

The Moravian Philharmonic Orchestra has been actively taking a share in the organizing of the cultural and concert life in Olomouc. The orchestra is also the promoter of the international music festival Dvořák’s Olomouc and the International Organ Music Festival.

 

 Orchestre philharmonique de Strasbourg

Orchestre Philharmonique de Strasbourg

Fondé en 1855, l’Orchestre eut pour directeurs musicaux des personnalités aussi marquantes que Hans Pfitzner (1907-1918), Guy Ropartz (1919-1929), Ernest Bour (1950-1963), Alain Lombard (1972-1983), Theodor Guschlbauer (1983-1997), Jan Latham-Koenig (1997-2003) ou encore Marc Albrecht (2006- 2011) à qui Marko Letonja a succédé en 2012.

Au fil des ans, des chefs invités de renommée internationale ont dirigé l’OPS, au nombre desquels figurent Felix Mottl, Edouard Colonne, Paul Paray, Hermann Scherchen, Ernest Ansermet, Charles Munch et Wilhelm Furtwängler, dont le Te Deum a été créé à Strasbourg en 1911. Berlioz, Brahms, Saint-Saëns, Mahler, Richard Strauss, Reger, d’Indy, Boulez, Lutoslawski et Penderecki ont notamment dirigé leurs oeuvres à la tête de l’Orchestre. Au cours de la saison 2005 / 2006, l’OPS a présenté un programme varié pour célébrer son 150e anniversaire (exposition, livre de photos, concert exceptionnel etc.) et a aussi accueilli, dans ce cadre, le Forum européen des Orchestres. L’Orchestre philharmonique de Strasbourg (110 musiciens) a acquis une solide réputation internationale à travers ses nombreuses tournées à l’étranger, ses enregistrements et ses prestations télévisées. L’OPS a parcouru de nombreux pays européens (Autriche, Allemagne, Suisse, Grande-Bretagne, Belgique, Pays-Bas, Croatie, Slovaquie, Slovénie, Espagne, Italie, Grèce, Pologne) et s’est rendu plusieurs fois au Japon ou encore au Brésil et en Argentine.

 

L’OPS a également pris part à des festivals renommés comme ceux de Paris, Montreux, Ascona, Londres, Bratislava, Besançon, Orange, Aix-en-Provence, Montpellier, Saint-Denis, Athènes, Grenade, des Canaries, ou des Flandres. Il a aussi participé aux manifestations organisées à Lisbonne et Luxembourg quand ces villes avaient le titre de “Capitale européenne de la culture”. Dans sa ville, l’OPS donne plus de trente concerts par an et assure conjointement une importante mission de décentralisation au plan régional. Il participe également à la saison lyrique de l’Opéra national du Rhin et à de nombreuses manifestations musicales strasbourgeoises, comme le Festival MUSICA ou le Festival de Musique de Strasbourg.

L’Orchestre philharmonique de Strasbourg a enregistré de nombreuses oeuvres du répertoire, du XVIIIe au XXe siècle, enregistrements pour lesquels il a reçu plusieurs distinctions et récompenses Durant la saison 2008/2009, l’OPS a enregistré pour le label PentaTone, sous la direction de Marc Albrecht les Poèmes symphoniques de Strauss, les Concertos pour piano de Dvořák et de Schumann avec Martin Helmchen, un album consacré aux oeuvres pour orchestre de Berg (Drei Orchesterstücke, Sieben Frühe Lieder, Altenberg Lieder) avec la participation de Christiane Iven, un enregistrement regroupant des oeuvres françaises de Dukas, Koechlin et Ravel (récompensé par un Diapason d’Or au Japon par le magazine The Record Geijutsu), et enfin un CD consacré à Korngold (Diapason d’Or en novembre 2010 // disque du mois (10/10) sur ClassicsTodayFrance). La saison passée, l’Orchestre a enregistré plusieurs oeuvres de Kaija Saariaho, compositrice en résidence, au nombre desquelles figure Emilie Suite dont l’OPS est co-commanditaire (avec le Carnegie Hall de New York, la Cité de la Musique de Paris et le Luzerner Sinfonieorchester). En 2001, a été fondée l‘Association Euterpe ; elle a pour objectif de prendre toute initiative pouvant contribuer au rayonnement de l’Orchestre. Euterpe a ainsi vocation à rassembler les admirateurs, les mélomanes, les auditeurs des concerts de l’OPS, tout comme les partenaires, sponsors, mécènes et entreprises désireux de soutenir l‘orchestre.

L’Orchestre philharmonique de Strasbourg a obtenu en novembre 1996 le Prix Européen d‘Orchestre Symphonique décerné par le Forum Européen de la Culture et, en juin 1999, le Prix Claude Rostand (meilleure représentation lyrique en province) pour la production du Dialogue des Carmélites. En 1994, il s’est vu décerner le titre d’Orchestre national par le Ministère français de la Culture. En février 2006, l’Orchestre a obtenu aux Victoires de la musique classique une distinction toute particulière : la Victoire de l’enregistrement de l’année pour le CD consacré aux oeuvres de Jean-Louis Agobet.

 

 Orchestre Philharmonique de Stuttgart

Stuttgarter Philharmoniker

Die Stuttgarter Philharmoniker – das Orchester der Baden-Württembergischen Hauptstadt - wurden im September 1924 gegründet. Ein rascher künstlerischer Aufstieg ermöglichte bald das Engagement großer Dirigenten und Solisten wie Leo Blech, Carl Flesch, Hans Knappertsbusch, Hermann Abendroth, Fritz Kreisler, Carl Schuricht oder Felix Weingartner, ehe es 1933 zur Umstrukturierung des Orchesters kam, bei der die jüdischen wie auch der größte Teil der ausländischen Musiker entlassen wurden.
Nach Kriegsende fanden sich hauptsächlich Mitglieder des ursprünglichen Landesorchesters unter dem Namen „Stuttgarter Philharmoniker“ wieder zusammen und profilierten sich zu einem wichtigen Bestandteil der Musikszene Stuttgart. Unter Hans Zanotelli, Künsterischer Leiter von 1972 bis 1985, entwickelten sich die Philharmoniker zu einem leistungsfähigen und renommierten Klangkörper. Folgerichtig war daher, dass im Jahre 1976 die Baden-Württembergische Landeshauptstadt das Orchester in ihre Trägerschaft übernahm. Mit Wolf-Dieter Hauschild, Chefdirigent von 1985 bis 1991, gewannen die Philharmoniker im In- und Ausland hohe Anerkennung. Carlos Kalmar (1991 bis 1995) und Jörg-Peter Weigle (1995 – 2002) sowie Gabriel Feltz (2004-2013) setzten die Tradition ihrer Vorgänger fort.

Walter Weller, der dem Orchester seit Jahren eng verbunden ist, wurde im Oktober 2003 zum Ehrendirigenten ernannt.

Neben den vielfältigen Aufgaben in mehreren Konzertreihen in seiner Heimatstadt spielt das Orchester regelmäßig in vielen Städten des südwestdeutschen Raumes und gibt jedes Jahr Gastspiele im In- und Ausland. In den letzten Jahren unternahmen die Stuttgarter Philharmoniker Tourneen in die USA, nach Japan, Südamerika, in die Volksrepublik China und nach Mexiko.

Im Februar 2007 erhielten Gabriel Feltz und die Stuttgarter Philharmoniker aus der Hand von Alexandre Rachmaninoff, dem Enkel des Komponisten, den erstmals vergebenen „Prix Rachmaninoff 2006“. In der Spielzeit 2005/2006 hatten sie als erstes deutsches Orchester einen Zyklus mit allen Sinfonien, den Klavierkonzerten und weiteren Orchesterwerken Rachmaninoffs aufgeführt.

Die künstlerische Arbeit des Orchesters ist durch Schallplatten-, Rundfunk- und CD-Aufnahmen dokumentiert. Zuletzt erschienen Aufnahmen von Sergej Rachmaninoffs „Der Fels“ und „Die Toteninsel“ und Alexander Skrjabins „Prométhée“ sowie der 3., 5., 6. und 7. Sinfonie von Gustav Mahler.

 

 Orchestre Symphonique de Berne

C'est en 1877 qu'est fondé cet Orchestre, désormais riche d'une tradition de plus de 130 ans !

Dès ses débuts, il fonctionne comme orchestre du théâtre de Berne, accompagne de nombreux choeurs et donne des concerts estivaux dans les divers jardins de la ville fédérale. C'est durant la saison 1935/36 que débutent les séries régulières de concerts avec des chefs invités renommés, au nombre desquels on compte Bruno Walter, Wilhelm Furtwängler, Ernest Ansermet et plus tard Hans Knappertsbusch, Ferenc Fricsay, Rafael Kubelik et bien d'autres. Fort de plus de cent instrumentistes, l'Orchestre est soutenu par la Fondation Berner Symphonie-Orchester. Entre 1990 et 2004, il est dirigé par le chef russe de St. Pétersbourg, Dmitrij Kitajenko. Parmi ses prédécesseurs immédiats, citons Charles Dutoit, Gustav Kuhn, Paul Klecki et Peter Maag. Les chefs invités qui se succèdent à sa tête ont pour nom Günter Wand, Kurt Sanderling, Horst Stein, Yuri Ahronovitch, Eliahu Inbal. Des solistes prestigieux contribuent à la renommée internationale de l'Orchestre Symphonique de Berne. Dès la saison 2005/06, c'est Andrey Boreyko qui en est le directeur artistique.

L'Orchestre compte désormais parmi les grands ensembles de Suisse et joue une quarantaine de programmes par saison auxquels s'ajoutent des prestations d'opéra au Stadttheater Bern. Les programmes sont extrêmement variés, comptant aussi maintes créations mondiales, suisses ou bernoises. L'Orchestre continue d'assumer son rôle d'accompagnateur des choeurs de la région de Berne. Il est aussi régulièrement invité en Suisse et à l'étranger et compte un large éventail d'enregistrements tant pour la radio que pour le disque.

 

Carlos Osuna

Der 25jährige Tenor studierte in seinem Heimatland Mexiko Gesang und musizierte bereits während seines Studiums mit verschiedenen mexikanischen Ensembles. Erste Opernerfahrungen sammelte er u. a. mit Partien wie Remendado und Dancaïro («Carmen»), Beppo in Leoncavallos «I Pagliacci», Julián in der Zarzuela «La verbena de la Paloma» oder Publio in Mozarts Serenata drammatica «Il sogno di Scipione». Daneben übte er eine rege Konzerttätigkeit aus. Diverse Stipendien ermöglichten ihm, Meisterkurse u. a. bei Dame Kiri te Kanawa, Sherril Milnes und Ileana Cotruba¸s sowie ab 2008 ein Aufbaustudium bei dem renommierten Tenor Dennis O'Neill an der Cardiff International Academy of Voice (Grossbritannien) zu belegen.

 

Emmanuel Pahud

© Joseph Fischnaller

EMMANUEL  PAHUD

Nommé "Intrumentiste de l'Année 1997" lors de la cérémomie des Victoires de la Musique à Paris en février 1998, le flûtiste franco-suisse Emmanuel Pahud est l'un des musiciens les plus doués de sa génération et dont on parle actuellement le plus dans le monde musical. Né à Genève en 1970, Emmanuel Pahud commence ses études musicales à l'âge de 6 ans. En 1990, après avoir obtenu son prix au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris, il suit l'enseignement d'Aurèle Nicolet.

Emmanuel Pahud remporte plusieurs premiers prix dans d'importants concours internationaux parmi lesquels Duino en 1988, Kobé en 1989 et Genève en 1992. Il remporte le Prix des Solistes au Concours de la Communauté de Radio de langue française qui se déroulait en Suisse et le Prix Juventus du Conseil de l'Europe. Emmanuel Pahud est également lauréat de la Fondation Yehudi Menuhin et de la Tribune Internationale de l'UNESCO pour les musiciens.

A l'âge de 22 ans, Emmanuel Pahud est nommé première flûte de l'Orchestre Philharmonique de Berlin dirigé alors par Claudio Abbado, poste où il est retourné en 2002 après avoir pris un congé sabbatique de 18 mois au cours desquels il a enseigné au Conservatoire de Genève (classe de virtuosité).

Emmanuel Pahud donne de fréquents récitals et des concerts dans le monde entier et est l'invité régulier de festivals importants et des sociétés de musique de chambre tant en Europe qu'au Japon. Au cours de ces dernières saisons, la liste des orchestres avec lesquels il a joué est impressionnante : Citons, entre autres, l’Orchestre Philharmonique de Berlin, le London Philharmonic Orchestra, le Tonhalle Orchester, le Bayerische Rundfunk, l’Orchestre du Théâtre Marinsky, l’Orchestre du Minnesota, la Camerata Salzburg, la Deutsche Kammerphilharmonie, le Washington National Symphony, le NHK Symphony Orchestra, le Scottish Chamber Orchestra sous la direction de Claudio Abbado, Sir Simon Rattle, David Zinman, Lorin Maazel, Pierre Boulez, Valery Gergiev, Sir John Eliot Gardiner, Daniel Harding, Paavo Järvi, Mstislav Rostropovitch ou encore Itzhak Perlman.

Emmanuel Pahud donne de très nombreux concerts de musique de chambre, avec Eric Le Sage, Yefim Bronfman ou Hélène Grimaud ou encore avec le pianiste de jazz Jacky Terrasson.

Il y a près de 20 ans maintenant, aux côtés d’Eric Le Sage et de Paul Meyer, il a fondé le festival de musique de chambre « Musique à l’Empéri » à Salon de Provence.

En 1996, il signe avec EMI un contrat d’exclusivité, collaboration qui s’est révélée être une des contributions les plus significatives pour l’enregistrement du répertoire pour flûte. Il y a maintenant plus de 20 enregistrements disponibles, qui ont tous été très chaleureusement accueillis par la presse et qui ont été récompensés par de nombreuses distinctions telles en France les Victoires de la Musique, Diapason d’Or, Enregistrement de l’année par Radio France, Fono-Forum et de  TV-Echo en Allemagne et le prix « Geijutsu » ou la récompense « Ongaku no Tomo » de l’industrie phonographique japonaise.… Ses deux derniers enregistrements sont consacrés à la musique pour flûte à la cour de Frédéric le Grand, sous la direction de Trevor Pinnock (EMI Classics) et à l’intégrale pour flûte de Frank Martin (Migros).

En juin 2009, Emmanuel Pahud a été élevé au grade de Chevalier dans l’Ordre des Arts et Lettres par le gouvernement français pour sa contribution à la musique. Il est également ambassadeur pour l’UNICEF.

 

Piotr Paleczny

Né en 1946 à Rybnik, il étudie auprès de Jan Ekier et est diplômé de l’Académie de Varsovie. Entre 1968 et 1975, il est lauréat des Concours de Sofia, Munich, Varsovie (3e Prix lors du 7e Concours Fryderyk Chopin), Pleven et Bordeaux. Il reçoit aussi en 1970 un prix spécial de la Fryderyk Chopin Society. Son répertoire concertant comprend les deux Concertos de Chopin, celui d’Ignacy Jan Paderewski, la Symphonie concertante de Karol Szymanowski et le Concerto de Witold Lutoslawski. Il dirige maintenant la classe professionnelle de piano à l’Académie de Musique Fryderyk Chopin à Varsovie, et donne également plusieurs cours de maître ; il siège dans plusieurs jurys de concours. Depuis 1993, il est directeur artistique du plus ancien festival de musique de Pologne, le Festival International Chopin, à Duszniki Zdrój. Il a enregistré les Concertos des compositeurs polonais, ainsi que toutes les Ballades et les Sonates de Chopin, en tant que contributions à l’Édition nationale des Œuvres complètes de Fryderyk Chopin.

 Site sur Piotr Paleczny

 

Marc Pantillon

Issu d'une famille de musiciens neuchâtelois bien connue, Marc Pantillon a grandi dans un milieu baigné de musique, et c'est tout naturellement qu'il aborde dès son plus jeune âge l'étude du piano sous la houlette de ses parents: il n'aura d'ailleurs pas d'autre professeur jusqu'à son examen de diplôme,qu'il passe à l'âge de vingt ans. Il part ensuite à Vienne poursuivre ses études de piano chez Hans Petermandl à la Hochschule für Musik, y recevant la virtuosité "avec distinction" en 1983.

Il a la chance de pouvoir ensuite se perfectionner auprès du grand pianiste Paul Badura-Skoda, qui s'intéresse à lui, le poussant à envisager sérieusement la carrière de soliste, dont le coup d'envoi sera en 1987 le Prix de Soliste de l'Association des Musiciens Suisses.

Depuis lors, il se produit très fréquemment, aussi bien en récital que comme soliste avec orchestre ; il est également un chambriste très demandé.

Marc Pantillon est titulaire d'une classe de diplôme et de virtuosité au Conservatoire de Neuchâtel et responsable de la classe supérieure d'accompagnement au Conservatoire de Lausanne.

Tout récemment, on notera ses engagements avec l'Orchestre de Chambre de Lausanne sous la direction de Christian Zacharias dans la "Petite Symphonie Concertante" de Frank Martin et "Les Noces" de Stravinsky.

Passionné de botanique et d'ornithologie, Marc Pantillon s'est établi à Môtiers, dans les montagnes neuchâteloises, pour la qualité de vie qu'offre une campagne encore très naturelle, et dont les forêts n'ont probablement guère changé depuis l'époque où Jean-Jacques Rousseau y herborisait ...

 

Pertti Pekkanen

Il étudie la direction à l’Académie Sibelius d’Helsinki, puis en Autriche, en Angleterre et en Tchécoslovaquie. Il gagne en 1973 le Concours Herbert-von-Karajan. Sa carrière internationale est lancée lorsqu’il doit remplacer au pied levé un collègue pour un concert de l’Orchestre Philharmonique d’Helsinki. En 1985, il débute à l’Opéra national finlandais, puis dirige celui de Tampere. Parmi ses enregistrements, mentionnons la Symphonie n° 1 d’Einar Englunds avec le Turku Philharmonic Orchestra, qui a été le premier disque finlandais à figurer dans le “Top 10” du Gramophone Magazine.

 

Cédric Pescia

Premier Prix, en 2002, du Gina Bachauer International Artists piano competition.

Né en 1976 à Lausanne, Cédric Pescia commence ses études musicales à l'âge de sept ans. Il étudie d'abord au Conservatoire de Lausanne dans la classe de Christian Favre (Premier Prix de virtuosité avec les félicitations du jury en 1993), puis auprès de Dominique Merlet au Conservatoire de Genève (Premier Prix de virtuosité avec distinction en 1997) et achève ses études à l'Universität der Künste de Berlin dans la classe de Klaus Hellwig. Parallèlement, il se perfectionne auprès de Pierre-Laurent Aimard, Daniel Barenboim, Ivan Klansky, Christian Zacharias et du Quatuor Alban Berg.

Il collabore, en tant qu'accompagnateur, à plusieurs cours d'interprétation de Lied donnés par Dietrich Fischer-Dieskau. Depuis 2003, il est invité régulièrement à l'International Piano Academy, Lake Como, pour travailler avec Dimitri Bashkirov, Leon Fleisher, Andreas Staier, William G. Naboré et Fou T'song. Cédric Pescia donne de nombreux concerts et récitals en Europe et aux Etats-Unis. En Suisse il se produit en soliste avec l'Orchestre de Chambre de Lausanne, l'Orchestre de la Suisse Romande, les Festival Strings de Lucerne, la Sinfonietta de Lausanne, l'Orchestra della Svizzera Italiana, et la Camerata de Lausanne.

À côté de ses activités de soliste, son amour de la musique de chambre l'amène à jouer régulièrement avec des partenaires renommés. En 2007, et pour la seconde fois, Cédric Pescia est membre du jury du prestigieux Concours Clara Haskil de Vevey. Ses prochains engagements en Suisse le conduiront à la Tonhalle de Zurich, notamment. Cédric Pescia a remporté le Premier Prix (Gold Medalist) de la Gina Bachauer International Artists Piano Competition 2002 à Salt Lake City, USA. Il est également lauréat de la Bourse de la Fondation Leenaards de Lausanne.

Ses deux premiers disques, Les Variations Goldberg, de J.-S. Bach, et le double album consacré aux oeuvres pour piano de Schumann, parus chez Claves Records, ont recueilli les meilleures critiques. Cédric Pescia a enregistré un nouveau CD, sous le titre les folies françaises, avec des oeuvres de Couperin, Debussy et Messiaen, paru chez Claves en 2008.

 

 Philharmonie de Belgrade

© www.bgf.rs

Philharmonie de Belgrade
chef d’orchestre Muhai Tang

La Philharmonie de Belgrade, formée il y a 88 ans, est un orchestre riche en tradition. Il est composé de nonante huit musiciens (âge moyen 35) et est considéré comme l’orchestre national de Serbie. «Un des plus grands orchestres en Europe» titrait The Independent, «l’ensemble-culte de la Serbie", selon le Financial Times ; et le Matin de Zagreb le décrit comme «l'institution culturelle la plus réussie de Serbie".

 Cette image a aussi conduit à ce que, après la crise politique que l’on sait, l’ensemble accueille aujourd’hui à nouveau à Belgrade des chefs et des solistes renommés, par exemple Zubin Mehta, Sir Neville Marriner, Krzysztof Penderecki, Lothar Zagrosek, Ralf Weikert, Jiri Kout, Alexei Volodine, Andrei Gavrilov, Barry Douglas, Gerhard Oppitz, Enrico Pace, Jonathan Gilad, Lilya Zilberstein, Mischa Maisky, Sol Gabetta, Daniel Müller-Schott, Isabel Faust, Veronika Eberle, Valeriy Sokolov, Sharon Kam, etc

 En 2010, le célèbre chef d’orchestre  chinois Muhai Tang, établi en Europe depuis des décennies (il est également directeur artistique de l'Orchestre Philharmonique de Shanhgai) a été nommé chef titulaire. Sous sa direction, l'orchestre s’est profilé comme le meilleur orchestre de l'ex-Yougoslavie.

L'excellente réputation de l'Orchestre Philharmonique de Belgrade le mène à effectuer des tournées internationales en Autriche, Italie, France, Suède, Allemagne et Suisse.

Son initiative de coopération par échange de concerts avec les Orchestres philharmoniques de Zagreb (Croatie) et de Ljubljana (Slovénie).a conduit à de grands succès.

 En 2014-15 aura lieu pour la première fois une tournée américaine  sur l’instigation de Zubin Mehta.

Le célèbre chef d'orchestre est apparu ces dernières années à plusieurs reprises à la Philharmonie de Belgrade, il a créé une fondation nommée Zubin Mehta, pour la promotion de l’orchestre et a donné l’impulsion à un projet de construction d’ une nouvelle salle de concert.

 

2013

 

 Philharmonie de Moravie

Die Mährische Philharmonie gehört zu den vornehmsten und ältesten symphonischen Orchestern in der Tschechischen  Republik. Ihr Sitz ist in Olomouc, der historischen Hauptstadt Mährens. Diese altertümliche Universitätsstadt ist ein bedeutendes Zentrum der Bildung, Kultur und Kunst in ganz Mittelmähren. Bei der Einteilung der Tschechischen Republik in Regionen wurde Olomouc das Zentrum des Olmützer Bezirks.

An der Spitze der Mährischen Philharmonie standen bedeutende Persönlichkeiten der böhmischen Musikkultur, am Dirigentenpult wechselten sich hervorragende Weltdirigenten an, z.B. O. Klemperer, A. Janson, Lord Yehudí Menuhin, V. Neumann, L. Pešek und andere. Als Gäste traten bedeutende Instrumentalisten auf, z.B. S. Richter, I. Oistrach. G. Kremer, S. Ishikawa, P. Fournier, D. Šafrán, A. Navarra, J, Suk, V. Hudeček, J. Carreras, A. Baltsa und viele andere.

Während der über 50 Jahre währenden Tätigkeit baute die Mährische Philharmonie ein außerordentlich reiches und mannigfaltiges Repertoire auf. Das Orchester widmet seine Aufmerksamkeit großen Autoren der Weltmusik des 19. und 20. Jahrhunderts. Es ist darüberhinaus selbstverständlich, daß die Mährische Philharmonie auch zu den authentischen Interpreten der Klassiker der tschechischen nationalen Musikkultur gehört – A. Dvořák, B. Smetana, L. Janáček und B. Martinů.

Die Mährische Philharmonie setzt sich intensiv für die Verbreitung der zeitgenössischen tschechischen- sowie auch der Weltmusik ein, wovon die Tatsache zeugt, daß über 250 Neuheiten als Premieren uraufgeführt wurden.   In der letzten Zeit konzentriert sich die Mährische Philharmonie auf CD-Aufnahmen der Musik der zeitgenössischen Autoren (Zeitgenössische Weltmusik).

Mit einem großen positiven Echo trat die Mährische Philharmonie in den meisten Staaten Europas auf; an viele Orte im Ausland kehrt sie aufgrund der großen positiven Resonanz des Publikums sowie der Kritik fast jedes Jahr erneut zurück. Sie nahm an bedeutenden internationalen Musikfestivals, z.B. in Griechenland, Deutschland, Spanien, Frankreich, Italien und Österreich teil.

Die Mährische Philharmonie ist ein Kulturinstitut, welches sich an der Organisation des künstlerischen- und Konzertlebens in Olomouc beteiligt. Sie ist Organisator und Veranstalter des Musikfestivals Dvořáks Olomouc und des Internationalen Orgelfestivals. Beide erwähnte Festivals werden alljährlich in den denkmalswürdigen und architektonisch bedeutenden Olmützer Kirchen veranstaltet

 

The Moravian Philharmonic Orchestra was founded in 1945 and belongs to the foremost and the oldest symphonic orchestras in the Czech Republic. It resides in the historic Moravian city of Olomouc. This ancient university town is an important centre of education and culture of the whole middle Moravia. After the formation of the independent Czech Republic Olomouc became the centre of the administrative unit of the District of Olomouc.

The Moravian Philharmonic Orchestra has been lead by significant personalities of the Czech music culture and it has been conducted by internationally renown artists such as Lord Yehudi Menuhin, Václav Neumann, Libor Pešek, Vladimír Válek and many more. Famous soloists have performed with the orchestra, for example

S. Richter, I. Oistrach, G. Kremer, S. Ishikawa, P. Fournier, J. Suk, V. Hudeček, E. Indjic, J. Carreras, A. Baltsa, J. Cura.

During its existence the orchestra has performed an outstandingly large and varied repertoire which, next to the Czech music, includes compositions of the classics of the 19th and 20th century European orchestral music.

The Moravian Philharmonic Orchestra has intensively been promoting contemporary Czech and international music which has been proven in the hundreds of premiered works of contemporary composers. In recent years the orchestra has been specializing in recording contemporary international music.

The Moravian Philharmonic Orchestra has performed with great success in the majority of European countries and has taken part in many important international music festivals in the Czech Republic and abroad, for example The Prague Spring Festival, Smetana’s Litomysl, the Summer Music Festival in Reims, France or the Thurn und Taxis Festspiele in Regensburg, Germany. The orchestra has performed on important European stages such as Alte Oper in Frankfurt, Saal der Munchner Philharmonie, Vereinsaal Wien, Saal Pleyel Paris, Tonhalle Zurich or Palaois de Musica in the Spanish cities of Barcelona and Valencia.

The Moravian Philharmonic Orchestra has been actively taking a share in the organizing of the cultural and concert life in Olomouc. The orchestra is also the promoter of the international music festival Dvořák’s Olomouc and the International Organ Music Festival.

 

Francesco Piemontesi

© Felix Broede

Francesco Piemontesi, piano

Francesco Piemontesi remporte en 2007 le Concours Reine Elisabeth de Bruxelles. Il mène depuis une carrière internationale, se produisant notamment au Musikverein de Vienne, à Carnegie Hall ainsi qu’à l’Avery Fisher Hall à New York, au Suntory Hall de Tokyo, à la Philharmonie de Berlin, à l’Auditorium Parco della Musica de Rome, à la Tonhalle de Zurich et dans des festivals comme les BBC Proms, Lucerne, Edinburgh, Schleswig-Holstein, Rheingau, Klavierfest Ruhr, Aix-en-Provence ou bien encore La Roque d'Anthéron.  

Francesco Piemontesi joue en soliste en compagnie des plus grands orchestres et des plus grands chefs de notre époque: le London Philharmonic, le BBC Symphony Orchestra, le Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, la Camerata Salzburg ou encore le Scottish Chamber Orchestras sous la direction de personnalités telles Zubin Mehta, Marek Janowski, Sir Roger Norrington, Jiří Bělohlávek ou Kazuki Yamada. En tant que chambriste, ses partenaires sont Yuri Bashmet, Juliane Banse, Renaud et Gautier Capuçon, Angelika Kirchschlager, Heinrich Schiff sans oublier Antoine Tamestit. 

Francesco Piemontesi enregistre désormais exclusivement pour Naïve Classique. Son premier CD comprend les concertos pour piano de Schumann et Dvořák avec le BBC Symphony Orchestra and Jiří Bělohlávek. Son prochain disque présentera des sonates de Mozart et préludes de Debussy. Depuis 2012, Francesco Piemontesi est le directeur artistique des Settimane Musicali d’Ascona.

 

Trevor Pinnock

© Peer Lindgreen

Trevor David Pinnock, né le 16 décembre 1946 à Canterbury dans le Kent, est un chef d'orchestre et claveciniste britannique, spécialiste réputé de la musique baroque.

Enfant, il est élève du chœur de la cathédrale de Canterbury puis étudie l'orgue (avec Ralph Downes) et le clavecin au Royal College of Music. Il débute à Londres au Royal Festival Hall avec le Galliard Ensemble en 1966. En 1973, il fonde The English Concert, ensemble spécialisé dans l'interprétation de musique baroque sur instruments anciens, qu'il dirigera jusqu'en 2003, date à laquelle il cède son poste au violoniste Andrew Manze pour se consacrer à une carrière internationale de récitaliste et chef invité.

À la tête de l'English Concert, il donne au disque l'intégrale des Concertos pour clavecin de Bach, tenant le rôle de soliste, ainsi que les plus grandes œuvres du répertoire baroque pour orchestre, l'intégrale des symphonies de Mozart et, avec le chœur de l'English Concert, plusieurs œuvres majeures de musique chorale. Parmi ses enregistrements solistes, plébiscités par la critique, on compte, entre autres, les Partitas pour clavier, l'Ouverture dans le style français, le Concerto italien et les Variations Goldberg de Bach ainsi que des sonates de Scarlatti. Aux côtés de la violoniste Rachel Podger, il a également enregistré l'intégrale des Sonates pour violon et clavecin et des Sonates pour violon et basse continue de Bach. Enfin, il s'avère également un grand spécialiste de Jean-Philippe Rameau, dont il a enregistré de nombreuses pièce de clavecin.

Il fait ses débuts à New York en 1988 où il dirige l'opéra de Haendel, Giulio Cesare in Egitto. De 1991 à 1996, il occupe le poste de directeur artistique de l'Orchestre du Centre national des arts d'Ottawa, puis celui de conseiller artistique jusqu'en 1998.

Trevor Pinnock is known worldwide as a harpsichordist and conductor who pioneered performance on historical instruments with The English Concert, the orchestra which he founded in 1972 and led for the next thirty years. He now divides his time between conducting, solo, chamber music and educational projects.

In 2016 Trevor conducts two tours with the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen and Maria João Pires. He also makes return visits to the Gewandhausorchester Leipzig, Koninklijk Concertgebouworkest Amsterdam, Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, Kammerakademie Potsdam, Mozarteum Orchester Salzburg, Kammerorchester Basel and Kioi Sinfonietta Tokyo.

Trevor brings Purcell’s Dido & Aeneas and Theatre Music to the Wigmore Hall where later in the season he also performs chamber music by Purcell, Corelli and Handel with Sophie Gent, Matthew Truscott, Jonathan Manson and Thomas Dunford as part of a UK tour. In his solo recitals he includes music by Froberger and Louis Couperin which he will record on the 1627 and 1635 Ioannes Ruckers harpsichords in The Flint Collection. 

Recordings released this season include a solo recital ‘Journey - 200 years of harpsichord music’; CPE Bach Flute Concertos with Emmanuel Pahud and the Kammerakademie Potsdam; Mozart’s Gran Partita for winds and Haydn Notturno with the Royal Academy of Music Soloists - the fourth of a series of recordings for large chamber ensemble.

Trevor is also the Principal Guest Conductor of the RAM Concert Orchestra.

 

Emilio Pomàrico

Emilio Pomàrico est né à Buenos Aires de parents italiens. Il étudie à Milan, puis suit les cours de maître de Franco Ferrara (Italie, Sienne, Accademia Musicale Chigiana de 1979 à 1980) et Sergiu Celibidache (Munich en 1981).

En Europe, il dirige à Paris, Glasgow, Edimbourg, Berlin, Francfort, Vienne, Zurich, Bâle, Genève, Lisbonne, d'importantes formations telles l'Orchestre de la Radio Suisse Romande, l'Orchestre Symphonique National de la RAI, le Frankfurt Opern und Museumorchester, le BBC Scottish Symphony Orchestra, l'Orchestre Symphonique Gulbekian.

En plus du répertoire de Bach à Webern, Emilio Pomàrico dirige de nombreux compositeurs contemporains comme Xenakis, Carter, Boulez, Nunes, Maderna, Nono, Ligeti, Kurtag, Berio, Donatoni.

Malgré son intense activité de chef d'orchestre, Emilio Pomàrico ne cesse de composer. Il enseigne la direction d'orchestre à la Civica Scuola di Musica de Milan.

 

Jean-Bernard Pommier

Né à Béziers en France, Jean-Bernard Pommier, dont le père était organiste, entame sa formation musicale et sa carrière de pianiste à l'âge de quatre ans sous la direction de Mina Kosloff. Il devient ensuite l'élève d'Yves Nat et de Pierre Sancan au Conservatoire de Paris, d'Eugène Bigot pour la direction d'orchestre et, plus tard, d'Eugène Istomin. C'est à l'âge de sept ans qu'il donne son premier concert public. A dix-sept ans, Jean-Bernard Pommier est le plus jeune finaliste au Concours Tchaïkovski de 1962 - le jury, présidé par Emile Guilels, lui décerne le premier Diplôme d'honneur avec ses félicitations. Depuis, l'artiste s'est produit dans des récitals et en soliste dans les plus grandes salles du monde et avec les orchestres les plus éminents.

Dans le domaine de la musique de chambre, il a collaboré avec des musiciens tels qu'Isaac Stern, Itzhak Perlman, David Oistrakh, Pinchas Zukerman, Christian Ferras, Leonard Rose, Jean-Pierre Rampal, Alexandre Schneider, Paul Tortelier ainsi qu'avec les quatuors Guarneri et Vermeer. Jean-Bernard Pommier poursuit également une carrière active de chef d'orchestre. En 2006, il a été nommé Directeur artistique du Festival de Menton.

Parmi les enregistrements de l'artiste, figurent l'intégrale des sonates de Mozart chez Virgin, l'intégrale des sonates de Beethoven chez Erato qui a bénéficié d'un Diapason d'Or, les Valses de Chopin chez Erato, les Préludes et Images de Debussy chez Virgin, les concertos K503, K537, K467 et K488 de Mozart chez Erato et Virgin, le Concerto n° 2 de Rachmaninov et le Concerto n° 1 de Tchaïkovski, tous deux chez Virgin.

 

Josep Pons

Josep Pons obtient le poste de Directeur principal et artistique de l'Orchestre et Choeur National d'Espagne (OCNE) dès 2003. Ses engagements avec l'OCNE incluent l'enregistrement de neuf disques jusqu'en 2013 avec Deutsche Grammophon, ainsi que plusieurs tournées dans toute l'Europe et l'Asie.

En octobre 2010 il a été nommé Directeur Musical du Gran Teatre de Liceu à Barcelone, poste qu'il exercera à partir de la saison 2012-2013.

Josep Pons a été Directeur Artistique et Musical de l'Orchestre de Chambre Teatre Lliure (1985-1997), ainsi que le Directeur Artistique et Musical de l'Orchestre de la Ville de Grenade (1994-2004). Conjointement, Josep Pons a développé une collaboration avec harmonia mundi France (20 albums), récompensée par de nombreux prix, notamment par des Diapason d'Or, Choc du Monde de la Musique et 10 Répertoire.

Actuellement Josep Pons est le Directeur Invité Principal du Grand Teatre del Liceu à Barcelone, où il a dirigé de nombreuses productions, notamment La Flûte enchantée, Le Barbier de Séville, Peter Grimes, Le Château de Barbe Bleue, Wozzeck, The Light House, The Turn of the Screw.

Actuellement, Josep Pons est de plus en plus demandé comme chef invité. Il a collaboré, entre autres avec l'Orchestre National de France, l'Orchestre Philharmonique de Radio France, le Philharmonique de Tokyo, le Philharmonique Royal de Stockholm, l'Orchestre Symphonique de la BBC, l'Orchestre de Paris, l'Orchestre Gulbenkian, l'Orchestre National de Lyon, l'Orchestre du Capitole de Toulouse et la Sächsische Staatskapelle de Dresde.

Les engagements récents de Josep Pons incluent de nouvelles collaborations avec l'Orchestre National de Lyon, la Deutches Kammerphilharmonie Bremen, ainsi que ses débuts avec le BBC Scottish Symphony Orchestra et le Gewandhaus de Leipzig.

 

Irina Popova-Koussev

Die Sopranistin wurde in Pavlikeni, Bulgarien geboren. Schon als Kind lernte sie Klavier une Querflöte spielen. 1990 schloss sie ihr Flötenstudium ab und begann ihre Gesangsausbildung an der Staatlichen Musikakademie von Sofia in der Klasse von Prof. Irena Brambarova. Noch während des Studiums wirkte sie an bedeutenden Opernaufführungen im Theater Sofia mit und eines ihrer Konzerte mit der Sofia Philharmonie wurde vom Kernsehen übertragen.

1995 nahm sie am Gesangswettbewerb Wien "Belvedere" teil und gewann den Preis der International Media.

Seit 1996 ist sie Ensemblemitglied am Theater Luzern, wo sie viele bedeutende Rollen, wie z.B. Margarethe (Faust, Gounod), Luisa Miller (Verdi), Donna Elvira (Don Giovanni) und Violetta in La Traviata sang.

An der Wiener Volksoper war sie die Saffi im Zigeunerbaron und auf Schloss Weikersheim sang sie in einem Opernkurs von Jeunesse Musicale Deutschland die Mimi.

Ihre nächsten Projekte in Luzern sind die Rosalinde in "Die Fledermaus" und Amelia in "Un Ballo di Maschera".

 

 Prague Symphonic Ensemble

Fondé en 2013, l'orchestre symphonique Prague Symphonic Ensemble permet à de jeunes musiciens professionnels engagés dans la vie musicale active d’explorer également les domaines de musique de films, des productions contemporaines et de grands spectacles musicaux. Sous la direction artistique de Jiří Šesták, diplômé du Conservatoire de Prague et de l'Académie des Arts de Prague,  hautbois solo de l’orchestre de l‘Opéra d‘état de Prague, et dirigé par son cofondateur le Fribourgeois, Jérôme Kuhn, l’ensemble symphonique entreprend des projets innovants. Habitués des studios et des grandes scènes de concert, les musiciens du Prague Symphonic Ensemble se retrouvent réunis pour vivre et faire partager de moments d’exception. A l’aise également dans les grandes œuvres du répertoire, voire les opéras, le Prague Symphonic Ensemble est un orchestre à géométrie variable. Réunissant les meilleurs musiciens de la capitale tchèque, la formation Prague Symphonic Ensemble conjugue audace et virtuosité, qui séduisent les auditeurs des différents pays où ils se produisent.
Un orchestre à la sonorité unique!

 

Piotr Pławner

Piotr Pławner, violoniste, né en 1974 à Łódź (Pologne), fils de musiciens professionnels, reçut son premier cours de violon à l'âge de six ans. A peine quelques trois ans plus tard, il faisait déjà ses débuts en tant que soliste.

Ses professeurs furent Zenon Płoszaj a Łódź et Igor Ozim à Berne.

Le talent hors du commun de Piotr Pławner (il a remporté le premier prix lors de pas moins de cinq concours, dont les célèbres Wieniawski à Poznań et ARD de Münich), son sens infaillible de la tonalité ainsi que sa virtuosité à couper le souffle trouvent un écho international et lui accordent de plus en plus une reconnaissance internationale. Il est maintenant sollicité dans l’Europe entière pour des concerts avec orchestre. Il donne aussi régulièrement des soirées en duo avec le célèbre pianiste Bruno Canino.

Piotr Pławner a enregistré le concerto pour violon de Schumann et principalement des oeuvres de compositeurs polonais, Wieniawski, Karłowicz, Szymanowski, pour des firmes polonaises telles que CDaccord ou DUX.

 

 Quatuor Apollon Musagète

© Marco Borggreve

Quatuor Apollon Musagète

Paweł Zalejski, violon

Bartosz Zachłod, violon

Piotr Szumieł, alto

Piotr Skweres, violoncelle

 

Durant les quatre années qui suivent sa formation à Vienne en 2006, le Quatuor Apollon Musagète gagne l’estime de la presse musicale et remporte de nombreuses récompenses dont le premier prix et trois prix spéciaux au 57e Concours de l’ARD à Munich en 2008. Il se produit au Leipzig Bach Fest, au festival du Schleswig-Holstein, à la Herkulessaal de Munich, au Konzerthaus et au Musikverein de Vienne et au Wigmore Hall de Londres. En 2010, il grave son premier disque chez OEHMS Classics (Haydn, Szymanowski, Shchedrin, Brahms) puis il fait ses débuts à la Philharmonie de Berlin avant de se lancer dans l’organisation du premier festival Apollon Musagète qui se tient à Goslar en Allemagne dans le courant de l’été. A cette occasion, il se produit avec Valentin Erben et Hatto Beyerle. Par ailleurs, ses partenaires réguliers sont Angelika Kirchschlager ou Martin Fröst.

Au cours de la saison 2010-2011, le Quatuor Apollon Musagète joue sur les plus importantes scènes européennes (entre autres, Cité de la Musique de Paris ou Concertgebouw d’Amsterdam) dans le cadre du cycle Rising Stars. A l’été 2011, outre la deuxième édition du Festival Apollon Musagète, il est invité pour la première fois à la Schubertiade de Schwarzenberg. Entre octobre et décembre 2011, il participe à la tournée mondiale de la chanteuse et pianiste américaine Tori Amos (Moscou, Saint-Pétersbourg, Rome, Paris, Londres, New York ou encore Los Angeles). Night of Hunters, le disque commun de Tori Amos et du Quatuor Apollon Musagète et publié par Deutsche Grammophon, remporte le Prix Echo Klassik en juillet 2012 dans la catégorie « Musique sans frontières ». En 2012, le Quatuor Apollon Musagète devient un « BBC Radio New Generation Artist ». En août de cette année-là, il fait ses débuts au Festival de Lucerne. En novembre, il effectue une tournée au Japon. En février 2013, il joue à Paris (Louvre) et, en juin, à la Schubertiade de Schwarzenberg. La même année, il enregistre le Concerto pour quatuor à cordes et orchestre de Martinu avec le BBC Symphony Orchestra à Londres. Au début de 2014, il publie un disque dédié au répertoire russe (Diapason d’Or, mai 2014, Les plus beaux CD du mois).

En mai 2014, il effectue sa première tournée en Chine. En septembre, il retourne au Wigmore Hall puis, en novembre, au Carnegie Hall. En mars 2015, il jouera au Louvre à Paris ainsi qu’au Concertgebouw d’Amsterdam.

Le Quatuor Apollon Musagète interprète avec passion le répertoire contemporain et particulièrement les œuvres nouvelles composées pour lui par Konstantia Gourzi, Tomasz Skweres et Aristides Strongylis. Il a lui-même composé un quatuor, intitulé Multitude, en hommage à Witold Lutoslawski.

 

Mai 2014

 

 Quatuor Ardente

Aleš Ulrich, Audrey Gallez, violons, 
Sarah Charlier, alto, Olivier Vanderschaeghe, violoncelle


Le Quatuor Ardente voit le jour en 2008 au cœur de la Cité ardente. C’est en effet au sein de l’Orchestre Philharmonique Royal de Liège que deux jeunes couples de musiciens sympathisent.

Passionnés par la musique de chambre ils fondent rapidement le Quatuor Ardente, abordant tout types de répertoire, des grands classiques jusqu’à nos jours. Le Quatuor a aussi à cœur de promouvoir au mieux la musique belge et vient d’ailleurs d’enregistrer Harmonies du Soir pour quatuor à cordes et orchestre d’Eugène Ysaÿe avec l’Orchestre Philharmonique Royal de Liège (direction : Jean-Jacques Kantorow).

D’autre part, les racines d’Aleš Ulrich poussent le Quatuor Ardente à s’intéresser rapidement au répertoire tchèque. S’ensuivent quelques voyages en République Tchèque dans le but d’approfondir la connaissance de cette culture et d’y rencontrer des maîtres de la formation de Quatuor à Cordes, tel Milan Škampa (Quatuor Smetana).


Le Quatuor Ardente a eu le plaisir de se produire avec de grands noms de la musique de chambre (Ronald Van Spaendonck, Jean-Luc Votano, Walter Grimmer, Dejan Bogdanovich, Pierre-Henri Xuereb, Tasso Adamopoulos…) pour former quintettes, sextuors et autres formations, aussi bien en Belgique qu’à l’étranger et dans le cadre de divers festivals.


À côté de leurs activités en orchestre et dans la musique de chambre, les membres du Quatuor Ardente attachent une grande importance à l’enseignement, notamment au Conservatoire Royal de Musique de Liège ou à l’occasion de classes de maîtres et de stages d’été.

 

 Quatuor Carmina

Matthias Enderle et Susanne Frank, violon, 
Wendy Champney, alto, et
Stephan Goerner, violoncelle

Grande intensité musicale, perfection technique, intérêt soutenu pour la fidélité stylistique à l'oeuvre: telles sont les caractéristiques du Quatuor Carmina, fondé en Suisse en 1984. Dès le début, des succès spectaculaires dans des concours suscitèrent des commentaires élogieux dans la presse internationale et ouvrirent la voie à des concerts sur les grandes scènes du monde. Il faut compter parmi les mentors du quatuor les Quatuors Amadeus et La Salle, ainsi que Sandor Végh et Nikolaus Harnoncourt.

Les enregistrements parus chez Denon suscitèrent l'admiration unanime des critiques et du public et reçurent des distinctions prestigieuses.

En tant que "Quatuor en résidence" au Conservatoire de musique de Zürich/Winterthour, le Quatuor Carmina met à la disposition des jeunes artistes sa riche expérience ainsi que la musicalité inimitable qui caractérise son style si personnel.

 

 Quatuor Galatea

Yuka Tsuboi et Sarah Kilchenmann, violons, 

David Schneebeli, alto, et 

Julien Kilchenmann, violoncelle

Le Quatuor Galatea a été fondé en 2005 à Zürich et est aujourd'hui un des quatuors suisses en vue.

La presse et le public sont séduits par sa fraîcheur, le plaisir de son jeu, son équilibre et ses hautes exigences techniques. Le quatuor a remporté de nombreux prix, notamment en 2006 à Genève, 2007 au Concours Migros, 2008 à Osaka et un prix spécial lors du concours Borciani et en 2010 le prix Rimbotti à Florence.

Depuis le Quatuor se produit en Suisse et à l'étranger, il a des tournées dans toute l'Europe, au Japon, en Inde, Egypte.

Le nom du quatuor s'inspire de la figure de Galatée de la mythologie grecque : Pygmalion, sculpteur solitaire, tailla dans l'ivoire une femme qu'il nomma Galatée. L'artiste, malade d'amour, implora Aphrodite, qui l'exauça et insuffla la vie à Galatée. Galatée et Pygmalion s'éprirent l'un de l'autre et se marièrent. Il en va de même pour le quatuor Galatea : En jouant il éveille à la vie la statue de pierre qu'est la partition.

 

 Quatuor Gémeaux

Yu Zhuang, Manuel Oswald, violons,
Sylvia Zucker, alto
Matthijs Broersma, violoncelle

Réunis par leur passion pour le quatuor à cordes, les quatre jeunes musiciens ont fondé le Quatuor Gémeaux en 2003 à l'Académie de musique de Bâle, où ils ont suivi durant quatre ans les enseignements de Walter Levin (Quatuor LaSalle) et de Sebastian Hamann (anciennement membre du Quatuor Amati, professeur à la Haute école de musique de Lucerne). Pendant les deux années suivantes, ils se sont perfectionnés dans le cadre d'un cursus postgrade pour quatuors à cordes à l'Université Mozarteum de Salzbourg, auprès du Quatuor Hagen. Les Gémeaux continuent de bénéficier des stimulants conseils d'artistes de renom, comme le Quatuor Artemis, Isabel Charisius (Quatuor Alban Berg), Eberhard Feltz, Hariolf Schlichtig ou András Schiff.

Après avoir remporté, en 2007, le premier prix du Concours de musique de chambre du Pour-cent culturel Migros, le Prix Mozart de la Ville de Lucerne et le premier prix du concours de la Basler Orchestergesellschaft (BOG), les quatre musiciens ont obtenu, en 2008, le troisième prix du Concours de musique de l'ARD, ainsi que le très convoité prix du public. Tout récemment, le Quatuor Gémeaux s'est vu décerner le Swiss Ambassador's Award à Londres, récompense qui a donné lieu à une tournée en Angleterre, en Ecosse et au pays de Galles. C'est en grande partie grâce à ces succès que le quatuor, établi à Bâle, s'est fait connaître au niveau national et international. Avec ses interprétations, la jeune formation accède au plus intime de la musique, et parvient ainsi à conquérir le coeur de ses auditeurs. Les Gémeaux ont déjà de nombreux concerts à leur actif. Ils se sont en effet produits dans des salles telles que le Centre de la culture et des congrès de Lucerne, l'Opéra de la Bastille à Paris, la Tonhalle de Zurich, le Wigmore Hall à Londres ou la Philharmonie de Berlin, et ont été les hôtes de festivals aussi prestigieux que le Festival de Lucerne, les Schubertiades de Schwarzenberg, le Festival de musique du Rheingau ou l'Engadin Festival. En 2010 et 2011, le quatuor bénéficie du statut d'"Ensemble in Residence" à la Folkwang Hochschule, à Essen.

En 2010 est parue, sous le label GENUIN, le premier enregistrement, interprété par les Gémeaux, des deux quatuors et du trio à cordes de Pierre-Dominique Ponnelle. Pour le quatuor, la prochaine saison sera notamment marquée un concert à la Philharmonie de Berlin.

 

 Quatuor Sine Nomine

Fondé à Lausanne (Suisse), le Quatuor Sine Nomine est formé de Patrick Genet et François Gottraux, violons, Hans Egidi, alto, et Marc Jaermann, violoncelle.

En 1985, il remporte le Premier Grand Prix du Concours international d’Evian ainsi que le Prix du Jury de la Presse. En 1987, il est lauréat du premier Concours Borciani à Reggio Emilia. Depuis lors, le Quatuor Sine Nomine se produit régulièrement dans les principales villes d’Europe et d’Amérique, notamment au Wigmore Hall de Londres, au Concertgebouw d’Amsterdam et au Carnegie Hall de New York.
Le Quatuor Sine Nomine a choisi d’être appelé “sans nom” pour symboliser son désir de servir tous les compositeurs et les oeuvres qu’il interprète.

Depuis ses succès au concours d’Evian en 1985 et au concours Borciani à Reggio Emilia en 1987, le Quatuor Sine Nomine, établi à Lausanne (Suisse), mène une carrière internationale qui le conduit dans les principales villes d’Europe et d’Amérique, notamment à Londres (Wigmore Hall), à Amsterdam (Concertgebouw) , à New York (Carnegie Hall), ou encore au Mozarteum de Salzburg . Parmi les personnalités qui ont marqué les quatre musiciens, il faut citer Rose Dumur Hemmerling, qui leur a communiqué sa passion et les a sensibilisés à la grande tradition du quatuor à cordes, le Quatuor Melos ainsi que Henri Dutilleux, dont la rencontre, lors de l’enregistrement de son œuvre Ainsi la Nuit chez Erato, a été particulièrement enrichissante.

La vie de l’ensemble s’enrichit constamment grâce à des collaborations régulières avec d’autres musiciens. Des liens étroits se sont noués avec quelques quatuors, dont le Quatuor Vogler à Berlin et le Quatuor Carmina à Zurich.

Le Quatuor Sine Nomine possède un vaste répertoire, de Haydn au 21e siècle, sans négliger des œuvres moins jouées comme l’octuor d’Enesco. Il a créé plusieurs œuvres contemporaines qui lui sont dédiées. À part les grands classiques (l’intégrale de Schubert chez Cascavelle et celle de Brahms chez Claves), les quatuors d’Arriaga et des œuvres de Turina (aussi chez Claves), sa discographie comprend également les quintettes pour piano de Furtwängler (Timpani) et de Goldmark (CPO).

Parallèlement au quatuor, chaque membre développe une intense activité pédagogique dans les Hautes Ecoles de la région (Hemu, hem Ge). De plus, le quatuor assure la direction artistique de l'Orchestre des Jeunes de la Suisse Romande depuis 2012.

Le Quatuor bénéficie du soutien de la Ville de Lausanne et de l’État de Vaud. Depuis 1994, l’Association des Amis du Quatuor Sine Nomine contribue au développement de sa carrière, notamment à l’étranger. L'ensemble est fondateur et directeur artistique du Festival Sine Nomine depuis sa création en 2001.

 

 Quatuor Vermeer

Shmuel Ashkenasi, violon
Mathias Tacke, violon
Richard Young, alto
Marc Johnson, violoncelle

On ne présente plus le Quatuor Vermeer : l'ensemble, qui a joué dans les plus grandes villes d'Amérique, d'Europe, d'Asie et d'Australie, est un des ensembles les plus célèbres dans le monde entier. Le quatuor s'est constitué en 1969, à Marlboro, de musiciens originaires d'Israël, d'Allemagne, de New York et du Nebraska, assemblage unique de sensibilités et de cultures musicales. Le critique de « La Suisse » écrivait : «  De cette alchimie est née une forme de beauté qu'on peut appeler, sans hésiter, perfection »

Les Vermeer ont joué dans pratiquement tous les grands festivals. Etablis à Chicago, ils passent l'été sur la côte du Maine, participant aux Bay Chamber Concerts. Ils se sont aussi associés à l'enseignement comme « artistes résidents » à Northern Illinois University et au Royal Northern College of Music à Manchester, Angleterre.
Le quatuor Vermeer a joué plus de deux cents œuvres, du répertoire classique aux œuvres contemporaines et ont enregistré, entre beaucoup d'autres compositions, l'intégrale de Beethoven, de Tchaïkovsky et de Bartók. A propos de l'enregistrement de Beethoven, Stereo Review a écrit : « Ces interprètes sans pareil nous donnent un mélange de chaleur traditionnelle et de vibrante communication, avec un niveau de technique et de goût les plus modernes. On ne trouve tout simplement pas de ces œuvres de réalisations plus convaincantes »
Dans le monde entier, on connaît leur interprétation et leur CD [Alden Productions: CD 23042, avec introduction d'évangélistes et théologiens] Les sept dernières paroles du Christ de Joseph Haydn, qu'ils donnent comme une somme d'autorité morale, mais aussi comme un ferment d'intégration sociale et oecuménique.

 

 Quatuor Vertavo

Øyvor Volle, Berit Cardas, violons,
Henninge Landaas, alto,
Björg Vaernes, violoncelle

Le Quatuor Vertavo a été constitué à Oslo en 1984 par quatre jeunes norvégiennes et s'est rapidement imposé sur la scène internationale, remportant au fil des années de nombreux prix et plusieurs prestigieuses distinctions. Sortant des sentiers battus, le Quatuor Vertavo défend avec brio la musique contemporaine en inscrivant à son répertoire des oeuvres de Ligeti ou d'Adès, ainsi que de plusieurs compositeurs norvégiens comme Nørgård ou Asheim. Il collabore également avec de nombreux artistes de renom comme Håkan Hagegard, Jean-Yves Thibaudet, Stephen Kovacevich, Christian Lindberg, Isabelle van Keulen ou Michael Collins. Ses activités se déploient d'abord dans tous les pays du nord, puis en Allemagne, en Angleterre, en Hollande et aux États-unis. Une relation très étroite s'est établie avec la Grande-Bretagne, notamment avec la BBC Radio 3 à Cardiff, Londres et Glasgow. Les enregistrements récents du Quatuor Vertavo pour le disque comprennent des oeuvres de Nielsen, Schumann, Brahms, Grieg et Debussy et les quintettes de Mozart et de Brahms avec le clarinettiste Martin Fröst. En Norvège, le Quatuor Vertavo participe à un programme éducatif, notamment par le biais de classes de maîtres.

« Ces ladies norvégiennes rayonnent comme un soleil d'été, et l'amusement ne s'arrête pas quand elles commencent à jouer. Réunies, elles bouillonnent d'autant plus d'une joie simple mais profonde de faire la musique. Quinze ans d'expérience, beaucoup de tournées, et une pleine poignée de CD norvégiens derrière elles, et pourtant elles semblent toujours fraîches comme la rosée. » The Times

 

Julian Rachlin

© Julia Wesely

Il accomplit ses études au Conservatoire de Vienne auprès de Boris Kushnir et prend des leçons privées chez Pinchas Zukerman. Il obtient une audience internationale en remportant le titre de « Jeune musicien de l’année » en 1998 au Concours Eurovision des jeunes musiciens d’Amsterdam. Il devient ensuite le plus jeune soliste à jouer avec les Wiener Philharmoniker, sous la direction de Riccardo Muti. Julian Rachlin a récemment créé le Double concerto de Krzysztof Penderecki en compagnie de la violoniste Janine Jansen, Mariss Jansons et de l’Orchestre de la Radio bavaroise. Parmi ses autres engagements récents, mentionnons des prestations avec le Boston Symphony Orchestra et Alan Gilbert, l’Orchestre National de France et Vassily Sinaisky, l’Israel Philharmonic Orchestra et Christoph von Dohnányi, de même que Zubin Mehta, ou bien encore les Münchner Philharmoniker et Lorin Maazel. Célébré comme violoniste, Julian Rachlin se distingue également à l’alto ainsi qu’à la direction. Il se produit en tant que chef et soliste avec la Philharmonie tchèque, l’English Chamber Orchestra, l’Israel Philharmonic Orchestra, la Kremerata Baltica, et le Simon Bolivar Symphony Orchestra. En musique de chambre, il a récemment donné une série de récitals avec le pianiste Itamar Golan dans un programme incluant des Sonates pour violon et piano et des Sonates pour alto et piano de Brahms.

 

Karol Radziwonowicz

Pianiste polonais, né à Varsovie, dans une famille de musiciens. Diplômé avec les plus hauts honneurs en 1982 à l’Académie Nationale de Musique Frédéric Chopin à Varsovie, il se perfectionne ensuite aux États-Unis avec György Sebök à l’Université d’Indiana, à Bloomington, tout en entreprenant une fructueuse carrière.

Il a joué avec de grands orchestres en Pologne et à l’étranger, comme la Philharmonie Nationale Polonaise, l’Orchestre de la Radio et de Télévision polonaises, Sinfonia Varsovia, le Gewandhaus Rundfunkorchester, et a collaboré plusieurs fois avec les chefs d’orchestre Kazimierz Kord, Jan Krenz, Jerzy Maksymiuk.

On connaît l’engagement particulier de M. Radziwonowicz à promouvoir la mémoire et la musique du grand pianiste polonais Ignacy Jan Paderewski, ou du compositeur Juliusz Zarebski.

Mais il convient de souligner également son activité de musique de chambre, notamment avec son frère, le violoniste Tomasz Radziwonowicz, ou avec le quintette à cordes "I Solisti de Varsavia".

 

Daniel Raiskin

Daniel Raiskin s'affirme comme un des meilleurs musiciens d'Europe. En 2005 il a été nommé chef principal du Staatsorchester Rheinische Philharmonie et depuis 2008 il occupe la même fonction à l'Artur-Rubinstein-Philharmonie de la 2e plus grande ville de Pologne Lódz.

Né à Saint-Petersbourg, il commence à l'âge de 6 ans le violon, puis poursuit ses études musicales à l'Université de Musique Moussorgski en classe d'alto sous la conduite de D. Meerovich et O. Balabin. En même temps il étudie la direction au Conservatoire de Leningrad dans la classe du maître Leg Savich et termine brillamment ses études à la Hochschule für Musik de Freiburg en Brisgau, où il devient l'assistant de Kim Kashkaskian pendant un an.

En 2002, il a enregistré l'oeuvre complète pour alto d'Ernest Bloch. Sa carrière internationale le mène en Europe dans les plus grandes salles de concert : Philharmonie de Berlin, Concertgebouw d'Amsterdam... En 1995, il donne la symphonie concertante de Mozart lors d'une tournée de quatorze concerts avec le Mozarteum de Salzbourg. En 1996, il joue Harold en Italie de Berlioz au Concertgebouw d'Amsterdam.

Membre du trio à cordes Belcanto Stings, il a oeuvré également en musique de chambre avec Nathalie Gutman, Shlomo Mintz, les soeurs Katia et Maria Labêque.

En plus de ses deux fonctions de titulaire, Daniel Raiskin est invité par les plus célèbres orchestres, et pour des tournées prestigieuses.

 

“Daniel Raiskin ist ganz eindeutig ein Musiker mit einer ausgeprägten Sensibilität, der sein Handwerk bestens versteht, vielleicht ein weiteres Beispiel für ein letztes großes Geschenk der alten Sowjetunion mit der Strenge und Genauigkeit ihrer Dirigierschulen.“ (David Gutman, Gramophone, 2012)

Daniel Raiskin hat sich mit seiner künstlerisch unverwechselbaren Handschrift zu einem der anerkanntesten Dirigenten seiner Generation mit einem breit gefächerten Repertoire und dramaturgisch anspruchsvollen Programmen entwickelt. Er wuchs als Sohn eines Musikwissenschaftlers in St. Petersburg auf und begann ein Studium an der renommierten Hochschule seiner Heimatstadt. Raiskin widmete sich zunächst der Geige und Bratsche und begann zugleich die Ausbildung zum Dirigenten bei Lev Savich. Im Alter von 20 Jahren verließ er die Sowjetunion, um in Amsterdam und Freiburg seine Studien fortzusetzen. Mit vielen Engagements als Solist und Kammermusikpartner gehörte er schnell zu den führenden Bratschisten in Europa. Allmählich jedoch verlagerte er seinen Schwerpunkt vom Instrument zum Taktstock. Weitere wichtige Impulse erhielt er von seinen Lehrern Milan Horvat, Mariss Jansons, Neeme Järvi, Woldemar Nelson und Jorma Panula.

Mit Beginn der Saison 2017/18 wird Daniel Raiskin Erster Gastdirigent beim Belgrade Philharmonic Orchestra und beim Orquesta Sinfónica de Tenerife. Von 2005 bis 2016 war er Chefdirigent bei der Rheinischen Philharmonie Koblenz; von 2008 bis 2015 in gleicher Position bei der Artur-Rubinstein-Philharmonie in Lódz. Darüber hinaus gastiert er regelmäßig bei namhaften Orchestern wie Belgrade Philharmonic, Clásica Santa Cecilia in Madrid, Düsseldorfer Symphoniker, Estonian National Symphony Orchestra, Hong Kong Sinfonietta, Japan Century Symphony Orchestra, Jenaer Philharmonie, Latvian National Symphony Orchestra, Malmö Symfoniorkester, Mariinsky Orchestra, National Symphony Orchestra Taiwan, NFM Symphony Orchestra Wroclaw, Orchestre National de Belgique, Orkest van het Oosten, Orquesta Sinfonica de Tenerife, Orquesta Sinfónica Nacional de México, Osaka Philharmonic Orchestra, RTV Slovenia Symphony Orchestra, San Antonio Symphony, Slovak Philharmonic Orchestra Bratislava, State Academic Symphony of Russia „Svetlanov“, Stuttgarter Philharmoniker, Winnipeg Symphony und bei der Württembergischen Philharmonie Reutlingen.

Des Weiteren widmete sich Daniel Raiskin regelmäßig Produktionen im Opernbereich, darunter Carmen unter der Regie von Calixto Bieito an der niederländischen Opera Zuid. Eine weitere Carmen-Produktion leitete er am Theater Koblenz, wo er auch Dimitri Schostakowitschs Nase dirigierte. Ihm oblag das Dirigat der gefeierten Inszenierung von Mozarts Don Giovanni bei den Opernfestspielen 2011 im österreichischen St. Margarethen.

Als Gastdirigent wird er in der Saison 2016/17 mit Wiedereinladungen beim Het Gelders Orkest, Iceland Symphony Orchestra, NFM Wroclaw Philharmonic, Orquesta Clásica Santa Caecilia, Orquesta Sinfónica de Tenerife, RTV Slovenia Symphony Orchestra, Slovenska Filharmonia, State Academic Symphony Orchestra „Evgeny Svetlanov“, bei den Stuttgarter Philharmonikern, dem Winnipeg Symphony Orchestra und bei der Württembergischen Philharmonie Reutlingen zu erleben sein.

Daniel Raiskin arbeitet regelmäßig mit bedeutenden Solisten zusammen, darunter Martin Fröst, Alban Gerhardt, Vadim Gluzman, Natalia Gutman, Kari Kriikku, Francois Leleux, Jan Lisiecki, Alexei Lubimov, Mischa Maisky, Gerhard Oppitz, Steven Osborne, Ivo Pogorelich, Julian Rachlin, Vadim Repin, Benjamin Schmid, Julian Steckel, Akiko Suwanei, Stefan Vladar und Alexei Volodin.

Seine Einspielungen von Schostakowitschs 4. Sinfonie und Mahlers 3. Sinfonie bei AVI Music fanden großen Anklang in der internationalen Presse. Die Mahler-Aufnahme wurde in die Jahresliste des Preises der Deutschen Schallplattenkritik 2014 aufgenommen. Die Einspielung der Cellokonzerte von Korngold, Bloch und Goldschmidt mit Julian Steckel wurde mit dem Echo Klassik 2012 ausgezeichnet. Weitere Aufnahmeprojekte der letzten Jahre waren ein Louis Glass Symphoniezyklus beim Label CPO, Lutosławskis Vokal-Instrumentalwerke beim Label Dux sowie die Aufnahme der Welturaufführung von Alexandre Tansmans Isaie le Prophète und Psaumes.

 

 

 

Wojciech Rajski

Wojciech Rajski wurde 1948 in Warschau geboren. Er studierte an der Musikakademie seiner Heimatstadt sowie an der Musikhochschule Köln und besuchte Meisterkurse von Witold Rowicki in Wien.

Er war er Kapellmeister am Grossen Theater Warschau, Dirigent an der Posener Philharmonie, dann erster Kapellmeister des Orchesters der Beethoven-Halle Bonn und künstlerischer Leiter der Posener Philharmonie. 1982 gründete er die Polnische Kammerphilharmonie Sopot.

Rajski war Gastdirigent bei Orchestern in der CSSR, in Ungarn, der Sowjetunion, in Frankreich, Griechenland, Luxemburg, Schweden, in den Vereinigten Staaten, Mexiko, China, Japan, in der Schweiz und in Deutschland.

Mit der Polnischen Kammerphilharmonie Sopot war Wojciech Rajski viele Male Gast des Schleswig-Holstein Musikfestivals, der Festspiele Mecklenburg-Vorpommern, bei den Europäischen Wochen Passau, dem Braunschweiger Kammermusik-Podium, dem Rheingau Musikfestival sowie den Festivals in Evian und Montpellier.

Von 1993 bis 2006 war Wojciech Rajski Chefdirigent des Radio Sinfonie Orchesters Warschau. Unter seiner Leitung erschienen zahlreiche Einspielungen.

1997 übernahm er die Professur für Dirigieren an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Frankfurt am Main.

Zahlreiche CD-Aufnahmen liegen bei den Labels EMI, Le Chant du Monde, Claves, Koch, Thorofon, Bis, Tacet und Wifon vor. Seit der Gründung 1982 bekleidet Wojciech Rajski das Amt des künstlerischen Leiters der Polnischen Kammerphilharmonie Sopot.

 

Siegbert Rampe

Geboren 1964 in Pforzheim, studierte Cembalo, Hammerklavier, Orgel und Komposition u. a. bei Kenneth Gilbert, Ton Koopman, Ludger Lohmann und Helmut Lachenmann in Stuttgart, Amsterdam und Salzburg.

Konzerttätigkeit als Solist und Kammermusiker mit Cembalo, Hammerklavier und Orgel und seit einiger Zeit vor allem als Dirigent in Europa, Japan, Russland und in den USA. Seit 1988 leitet er das von ihm gegründete Orchester Nova Stravaganza auf historischen Instrumenten.

Seine Beschäftigung mit Musik schloss zahlreiche musikwissenschaftliche Publikationen ein, die überwiegend im Bärenreiter-Verlag erschienen. Seit 1996 Professor für historische Tasteninstrumente und Alte Musik, zunächst in den USA, seit 1997 an der Folkwang-Hochschule Essen-Duisburg und seit 2000 an der Universität für Musik und darstellende Kunst Mozarteum Salzburg.

 

Dezsö Ránki

© Andrea Felvegi

Il est considéré comme l’un des meilleurs pianistes hongrois. Aussi à l’aise dans le répertoire classique que romantique, il est également un incomparable interprète de Bartók et de Kurtag. Ses tournées le conduisent à Londres (Queen Elisabeth Hall, Wigmore Hall, BBC, London Philharmonic), Paris (Châtelet, Théâtre de la Ville), Amsterdam (Concertgebouw), Berlin, Vienne (Wiener Musikfestwochen), Milan, San Francisco et Toronto. Il est l’invité des festivals de Lucerne, d’Ascona, de Lockenhaus, du Printemps de Prague, de Weimar, de Montpellier, de la Grange de Meslay, de la Roque d’Anthéron, de la Folle Journée de Nantes, des Fêtes romantiques de Nohant. Il effectue également des tournées régulières au Japon. Après avoir étudié à l’Académie Franz Liszt dans la classe de Pal Kadosa, il remporte le Premier Prix du Concours Robert Schumann qui lui ouvre ainsi les portes d’une carrière internationale ; désormais il est invité par les orchestres les plus importants et il joue sous la direction de chefs prestigieux, comme Frans Brüggen, Ivan Fischer, Daniele Gatti, Zoltan Kocsis, Lorin Maazel, Zubin Mehta, Kurt Sanderling, Jeffrey Tate, Antoni Wit, Douglas Boyd ou Nikolaj Znaider. Il enregistre pour Teldec, Quint Records et Denon. Un disque consacré à Liszt et un autre dédié à l’intégrale des Microcosmos de Bartók ont obtenu d’excellentes critiques. Son interprétation des Études op. 10 de Chopin a été récompensée par le Grand Prix de l’Académie Charles-Cros. Depuis quelques années, il se produit avec Edit Klukon pour interpréter des pièces à 4 mains et à 2 pianos : des œuvres de Satie, Cage et Liszt figurent sur leur dernier enregistrement paru chez Budapest Music Center Records.

 

Vadim Repin

L’art de Vadim Repin allie la passion à une technique impeccable, à la poésie et à la sensibilité. « C’est tout simplement le meilleur, le plus parfait violoniste que j’aie jamais entendu », s’est exclamé Yehudi Menuhin.

Né en Sibérie, où il a étudié auprès de Zakhar Bron, il s’est fait connaître sur le plan international à l’âge de dix-sept ans, après sa victoire au concours de violon le plus prestigieux et le plus exigeant, le Concours Reine Elisabeth.

En musique de chambre, il a joué avec Martha Argerich, Yuri Bashmet, Mischa Maisky et Mikhaïl Pletnev ; en ce domaine, il a pour les saisons à venir des projets majeurs à Londres, Paris, Bruxelles, Vienne et Tokyo.

Parmi ses concerts les plus marquants, citons le Philharmonique de Munich et James Levine, l’Orchestre de l’Opéra d’Etat de Bavière et Mehta, le Philharmonique de Berlin et Mariss Jansons, et ses débuts en Nouvelle-Zélande. En 2002-2003, il a joué avec le Baltimore Symphony et le Cincinnati Symphony en tournée et au Carnegie Hall, avec la Philharmonie tchèque au Carnegie Hall et en récital à New York, Baltimore, Seattle, Atlanta, Charlottesville et San Francisco.

Vadim Repin joue le magnifique Stradivarius Ruby (1708) (cf illustration), avec l’aimable permission de la Société Stradivarius de Chicago.

 

Zéphyrin  Rey-Bellet

Zéphyrin Rey-Bellet est né le 18 novembre 1989 à Genève.

Très jeune, il manifeste un intérêt prononcé pour la musique, et à l'aube de ses 4 ans, il prend ses premières leçons de violoncelle. A 15 ans, il est admis dans la classe de François Guye au Conservatoire Supérieur de Musique de Genève. En février 2008, il a l'honneur de travailler les Trois Strophes sur le nom de Sacher avec Henri Dutilleux et de les jouer lors d'un concert en hommage au compositeur au Victoria Hall de Genève.

En mai 2008, il réussit brillamment son récital de bachelor au Conservatoire Supérieur de Genève.

Il joue actuellement sur un violoncelle de Joachim Schade construit pour Pierre Fournier en 1974.

 

Jérémie Rhorer

La critique française l'a consacré «Révélation musicale» de l'année 2008. Né en 1973 à Paris, Jérémie Rhorer a fait des études de clavecin, d'analyse et de composition au Conservatoire National Supérieur de Paris, avant de devenir l'assistant de Marc Minkowski et, plus tard, de William Christie. En 2005, au festival de Pâques de Deauville, il crée avec le violoniste Julien Chauvin Le Cercle de l'Harmonie, un ensemble sur instruments d'époque qui se focalise sur le répertoire de la fin du XVIIIe siècle.

C'est en 2006, au Festival International d'Opéra Baroque de Beaune, que Rhorer et Le Cercle de l'Harmonie sont découverts par un plus large public grâce à leur interprétation électrisante d'Idomeneo. Leurs Noces de Figaro (version de concert), données également à Beaune en 2007, leur vaut des échos enthousiastes et un franc triomphe lors de leur reprise au Théâtre des Champs-élysées. En 2008, c'est le Festival d'Aix-en-Provence, où il dirige L'Infedeltà delusa de J.Haydn, qui, cette fois, récompense les mérites de ce jeune interprète des partitions de Mozart, en lui remettant le Prix Gabriel Dussurget.

Le Théâtre des Champs-élysées l'invite avec le Cercle de l'Harmonie à diriger son festival Mozart avec notamment trois productions scéniques, Idomeneo en 2011, Così fan tutte en 2012 et Don Giovanni en 2013.

Il fait ses débuts au Wiener Staatsoper en janvier 2011 avec Così fan tutte, suivis directement d'une invitation pour les Noces de Figaro en 2012. Il fait ses débuts au festival de Salzbourg en 2010 lors de deux matinées Mozart avec Diana Damrau. Il est l'invité du Mostly Mozart du Lincoln center à New York. A la Monnaie de Bruxelles, il dirige successivement Les Noces de Figaro, Idomeneo et il y reviendra en 2013 et 2014. A l'Opéra-Comique, il dirige Auber (2009), Grétry (2010) et J.C.Bach (2011) et Mahagonny Songspiel et les Sept péchés capitaux de K.Weill au théâtre des Champs-élysées avec Angelika Kirchschlager.

Récemment, il a également dirigé le Requiem de Brahms à Hambourg avec la Deutsche Kammerphilharmonie, ainsi que l'orchestre de chambre de Munich, le Kammerorchester Basel, l'Orchestre National de Bordeaux-Aquitaine.

Parmi ses projets figurent les Noces de Figaro à la tête du Cercle de l'Harmonie au Festival d'Aix-en-Provence en 2012, ses débuts au festival de Glyndebourne en 2013 avec les Noces de Figaro à la tête du London Philharmonic, des invitations du philharmonique de Rotterdam et de la Radio de Francfort.

Jérémie Rhorer s'est par ailleurs fait un nom en tant que compositeur. Il a été récompensé, entre autres, par le Prix Pierre Cardin de l'Académie des Beaux-Arts et obtenu plusieurs commandes de Radio France. L'intégrale de sa musique de chambre a été donné au festival de La Roche-Posay en 2006. L'Orchestre National de France créé la version pour orchestre de son oeuvre Le cimetière des enfants en novembre 2008.

Il a enregistré plusieurs disques pour EMI/Virgin Classics avec Diana Damrau, Philippe Jaroussky et Le Cercle de l'Harmonie, tous salués par la critique. Ses enregistrements avec Le Cercle de l'Harmonie sont désormais publiés chez Ambroisie/Naïve, tel Beethoven : the birth of a master sorti en juin 2011 suivi par  le Paris des Romantiques avec Bertrand Chamayou et Julien Chauvin en solistes et la Lodoïska de Cherubini.

 

Thomas Rösner

Il étudie à l'Universität für Musik und darstellende Kunst de Vienne et suit des cours de maître auprès de Myung-Whun Chung et de Hans Graf.

Entre 2000 et 2004, il est «chef associé» de l'Orchestre National de Bordeaux-Aquitaine. Il est l'invité régulier des grands orchestres européens. À l'opéra, il dirige Le Nozze di Figaro à l'Opéra de Rome, The Rake's Progress, Cosi fan tutte, ainsi que la création de Les Rois, de Philippe Fénelon, à l'Opéra de Bordeaux, Hommage à Picasso, au Théâtre du Châtelet, au Festival d'édimbourg et au Festival Diaghilev, Cendrillon, à l'Opéra de Lyon, ainsi que Il Trovatore, au Festival de Bregenz.

Depuis la saison 2005/06 il est directeur artistique de l'Orchestre Symphonique de Bienne. Durant la saison 2006/07 il a dirigé The Turn of the Screw, de Britten à Bienne, Die Entführung aus dem Serail à l'Opéra de Marseille, ainsi que Le Château de Barbe Bleue et Le Mandarin Merveilleux, de Bartók, à l'Opéra de Genève. Dans ses plans figurent les reprises de Konigskinder à la Bayerische Staatsoper, La Cenerentola et Die Fledermaus au Semperoper Dresden, Salome au New National Theater de Tokyo, Hänsel und Gretel au Welsh National Opera, Die Fledermaus à l'Opéra de Bordeaux et à celui de Genève.

Il a encore été l'invité des Wiener Symphoniker, des Bamberger Symphoniker, de l'Orchestre de la Suisse Romande, du Münchner Rundfunkorchester, de la Philharmonia Prague et des Hamburger Symphoniker.

 

Santtu-Matias Rouvali

© Kaapo Kamu

Santtu-Matias Rouvali est chef principal de l’Orchestre philharmonique de Tampere et principal  chef  invité  de  l’Orchestre  philharmonique  de  Copenhague.  Il  est  en  outre  invité  par de  nombreux  orchestres  du  monde  entier  dont  le  Bamberg  Symphoniker,  l’Indianapolis Symphony  Orchestra,  le  Philharmonia  Orchestra,  l’Orchestre  philharmonique  de  Radio France, en attendant l’Orchestre symphonique de Tokyo. Il a gravé les concertos pour guitare d’Hakola et Hosokawa avec Timo Korhonen et l’Orchestre symphonique d’Oulu, et les concertos pour violon de Nielsen et Sibelius avec Baibe Skride et l’Orchestre philharmonique de Tampere.

A l’Opéra, Santtu-Matias Rouvali a dirigé Carmen de Bizet et Die Zauberflöte de Mozart, et plus récemment La forza del destino de Verdi à l’Opéra de Tampere.

 

 

Hailed by the Guardian as “the latest sit-up-and-listen talent to emerge from the great Finnish conducting tradition”, Santtu-Matias Rouvali is Chief Conductor of the Tampere Philharmonic Orchestra and Principal Guest Conductor of the Copenhagen Philharmonic and takes up the position of Chief Conductor of the Gothenburg Symphony Orchestra from the 2017/18 season.

 With an already very established career Rouvali regularly works with the Philharmonia Orchestra, Royal Stockholm Philharmonic Orchestra, Orchestre Philharmonique de Radio France and the Finnish Radio Symphony Orchestra to name a few.

 Debuts this season include Bamberger Symphoniker, conducting the orchestra for their Sibelius anniversary celebrations, and the SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg immediately following a return to the Dresdner Philharmonie. 

 Next season, as well as a tour with the Orchestre de Chambre de Lausanne in Europe, the BBC Symphony Orchestra, Deutsches Symphonie-Orchester Berlin and Bergen Philharmonic Orchestra all welcome Rouvali back. In North America he conducts the Los Angeles Philharmonic, Cincinnati Symphony and Minnesota orchestras. He will also return to Japan following two successful engagements there with the Tokyo Symphony Orchestra, but this time he takes his own orchestra; the Tampere Philharmonic.

 Rouvali’s recordings include a disc with Ondine featuring Hakola and Hosokawa Guitar Concertos with Timo Korhonen and Oulu Symphony Orchestra and his latest release, of Nielsen and Sibelius’ Violin Concertos with Tampere Philharmonic Orchestra and Baiba Skride, was released in summer 2015 on ORFEO. 

 In addition to strong relationships with Nordic artists such as Vilde Frang, Pekka Kuusisto, Truls Mørk, Håkan Hardenberger and Kari Kriikku, notable soloist collaborations include Alisa Weilerstein, Benjamin Grosvenor, Alison Balsom and Martin Grubinger.

 As an opera conductor, Rouvali has performed Bizet’s Carmen and Mozart's Die Zauberflöte with West Coast Kokkola Opera, and conducted Verdi’s La Forza del Destino with Tampere Opera this season.

 Having completed his studies in percussion at the Sibelius Academy, Santtu-Matias Rouvali entered the conducting class of Leif Segerstam in 2007. He has also studied with Jorma Panula and Hannu Lintu.

 

 

Mikhaïl Rudy

Mikhaïl Rudy est né à Tachkent et a fait ses études au Conservatoire de Moscou. En 1975, il a gagné le Premier Grand Prix Marguerite Long à Paris et s’est installé en France en 1977.

Depuis son arrivée en Occident, Mikhaïl Rudy a mené une exceptionnelle carrière musicale animée par une constante exigence créative et une curiosité insatiable de toutes les formes d’art.

Ses enregistrements lui ont valu de nombreuses récompenses: prix de l'Académie du Disque Français pour son enregistrement des Premier Concerto de Tchaïkovski et Deuxième Concerto de Rachmaninov avec l'Orchestre Philharmonique de Saint Petersbourg dirigé par Mariss Janssons, le Grand Prix du Disque pour son récital d'œuvres pour piano de Szymanowski, le Prix de l'Académie Charles Cros pour son cycle Scriabine et le Grand Prix Liszt de Budapest pour une anthologie de pièces du compositeur hongrois.

 

Dennis  Russell Davies

Dennis Russell Davies ist seit 2009 Chefdirigent des Sinfonieorchesters Basel. Seine Tätigkeit als Dirigent und Pianist ist gekennzeichnet durch ein breites Repertoire mit einem deutlichen Akzent auf der Moderne. Eng ist seine Zusammenarbeit mit Komponisten wie Philip Glass, Aaron Copland, Luciano Berio, Hans Werner Henze oder Arvo Pärt. Geboren ist Davies 1944 in Toledo im US-Bundesstaat Ohio. Er studierte an der Juilliard School New York. In den USA hielt er verschiedene Chefpositionen inne, bevor er 1980 nach Deutschland und österreich zog. Davies war Generalmusikdirektor der Württembergischen Staatsoper Stuttgart und der Oper Bonn. Als Chefdirigent des Stuttgarter Kammerorchesters nahm er alle 107 Sinfonien Joseph Haydns auf. Weitere Positionen beim «Orchester der Beethovenhalle Bonn» und dem Radio-Symphonieorchester Wien. Seit 2002 ist er Chefdirigent des Bruckner Orchesters Linz und der Oper des Landestheaters Linz.

Als Gast hat Davies alle grossen amerikanischen Orchester dirigiert. In Europa tritt er mit Orchestern wie dem Leipziger Gewandhausorchester auf, der Dresdner Philharmonie oder dem Concertgebouworkest Amsterdam. Von 1978 bis 1980 dirigiert er bei den Bayreuther Festspielen, 1998 eröffnete er die Salzburger Festspiele mit Kurt Weills «Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny». Danach arbeitet er an der Lyric Opera of Chicago, der New Yorker Met und an der Opéra National de Paris. Seit 1997 ist Davies Professor für Dirigieren am Salzburger Mozarteum.

 

Hiroko Sakagami

Après avoir terminé ses études à l’Université nationale des beaux-arts et de la musique de Tokyo et remporté plusieurs concours, la pianiste japonaise Hiroko Sakagami touche en 1985 une bourse de la Confédération suisse, ce qui lui permet de poursuivre ses études auprès de Hubert Harry et Nikita Magaloff. En 1987, elle décroche le diplôme de soliste du Conservatoire de Lucerne «avec la plus haute distinction» - mention qui n’avait jamais été décernée jusqu’ici. La même année, elle remporte le premier prix du Concours Clara-Haskil de Vevey.

Depuis lors, Hiroko Sakagami a donné des concerts dans de nombreuses villes d’Europe et du Japon, et joué dans des festivals internationaux comme le Printemps des Arts (Monte-Carlo), les Semaines musicales (Lucerne), le festival Menuhin (Gstaad) et les Settimane musicali (Ascona). L’Orchestre philharmonique de Tokyo l’a engagée comme soliste pour une tournée européenne. D’autres tournées l’ont emmenée au Canada, en Irlande, en Pologne, en Bosnie-Herzégovine et en Roumanie. Depuis 1990, elle se produit aussi régulièrement avec le quatuor Carmina.

Hiroko Sakagami a participé à de nombreuses productions radiophoniques et discographiques, et a donné des cours magistraux, notamment à l’Université de Colombie britannique (Vancouver) et à Sigisoara (Roumanie). Depuis 1987, elle dirige une classe professionnelle au Conservatoire supérieur de musique de Lucerne.

Site web de Hiroko Sakagami

 

Fazil Say

Né en 1970 à Ankara, Fazil Say étudie le piano et la composition au Conservatoire de cette ville, puis travaille pendant cinq ans à l'Institut Robert-Schumann de Düsseldorf avec David Levine. Il poursuit ensuite ses études au Conservatoire de Berlin. En 1994, sa victoire aux Young Concert Artists International Auditions marque le début d'une brillante carrière internationale.

Il est régulièrement invité par de nombreux orchestres dans le monde entier et se produit dans de prestigieux festivals et dans des salles renommées. Parmi ses partenaires de musique de chambre, citons Yuri Bashmet, Shlomo Mintz, Maxim Vengerov, Akiko Suwanai.

Sa passion pour le jazz et l'improvisation l'a conduit à fonder un Quartett de "Worldjazz" avec son compatriote Kudsi Ergüner, virtuose du ney, avec lequel il a remporté de nombreux succès dans les festivals de jazz. En 2005, on a pu l'entendre à Montreux avec entre autres Bobby McFerrin.

Fazil Say est également compositeur. Citons "Black Hymns", un Concerto pour piano et violon, "Silk Road" pour piano, l'oratorio "Nazim" (textes du poète turc Nazim Hikmet), 3ème Concerto pour piano, "Requiem pour Metin Altiok", 4ème concerto pour piano. Il a également réalisé pour piano et orchestre des adaptations d'oeuvres comme l'« Alla Turca» de Mozart ou encore « Paganini Jazz». Pour l'année Mozart 2006, la municipalité de Vienne lui a commandé un ballet. Une oeuvre pour piano a été créée au Festival de Salzbourg. Radio France l'a nommé Artiste en Résidence en 2003 et 2005 ; il a occupé une position analogue au Musikfest de Brême 2005.

En 2005, il a composé sa première partition pour le cinéma (« Ultima Thule» du réalisateur suisse Hans-Ulrich Schlumpf). D'autres bandes-son de films turcs et japonais ont suivi en 2006, année qui marque le début pour Fazil Say d'une résidence quinquennale au Konzerthaus de Dortmund.

 

Alexander Scherbakov

Der Violinist gilt zu den begabtesten und interessantesten Musikern von Heute. Von seinem Publikum geliebt und von der Presse gelobt, arbeitet Alexander als Solist und auch mit seinem eigenen Kammerorchester als Dirigent an bekannten, wie auch neuen und modernen Werken klassischer Musikliteratur. Studium an der "Purcell School of Music", "Eastman School of Music", "University of Southern California - Thornton School of Music" und der HMT u.a. bei Elemer Glanz, Detlef Hahn (Schüler von Ruggiero Ricci), Oleh Krysah (Schüler von David Oistrakh), Gerhard Schulz und Zahar Bron in London, New York, Los Angeles und Zurich.

Er ist Preisträger internationaler Wettbewerbe. Im Laufe seiner Karriere arbeitete Alexander mit den bedeutesten Dirigenten wie z.B. Charles Dutoit, Wen Pin Chien, Justus Franz, Mandy Rodan, Michal Tilson Thomas, Simon Rattle, Sir Roger Norrington und John Williams zusammen. Scherbakov ist Gastprofessor an verschiedenen Musikschulen Europas und Asiens und wurde letztlich nach Hobart, Australien eingeladen um an der "University of Tasmania" zu unterrichten und Lektionen über die Russische Violinschule zu lesen. Seit 2004 ist der, aus Moskau stammende Violinist, Schweizerbürger und ist in Zürich wohnhaft.

In der Schweiz haben seine Konzerte grossen Erfolg, z.B. Abendmusiken Sils-Maria, Musiksommer Weggis, Wengen Sommerkonzerte, Geheimtipp am Mittag, mit seinem Orchester "Cats on the Roof" sowie live-Konzertaufnahmen für Radio Suisse Romande Espace 2 etc. Im Ausland konzertiert der Geiger viel mit verschiedenen Orchestern und in Festivals wie Carinthian Summer, Bermuda Festival, Festival Internacional de Musica de Sao Caetano de Sul und Festival der Nationen wo er 2007 auch als Assistent von Justus Franz mitwirkt.

 

Johannes Schlaefli

Johannes Schlaefli begann seine Musikerlaufbahn als Oboist. Dirigieren lernte er zum grossen Teil autodidaktisch. Dabei erhielt er wichtige Impulse von den Dirigenten Erich Schmid, Mario Venzago, Kirk Trevor, Leonard Bernstein und anderen.

Als Gastdirigent leitete Johannes Schlaefli Orchester wie das Tonhalleorchester Zürich, das Zürcher Kammerorchester, das Orchestra della Svizzera Italiana, das Indianapolis Chamber Orchestra, die Prager Kammerphilharmonie, die Janacek-Philharmonie Ostrava, das Westböhmische Sinfonieorchester, das Orchester Sao Paulo, die HongKong-Sinfonietta usw.

Während 15 Jahren war er Leiter des Kammerorchesters Basel und massgeblich an dessen Aufbau beteiligt. 1984 übernahm er die Leitung der beiden Orchesterformationen der Zürcher Hochschulen. Seit 1995 ist er Chefdirigent des Berner Kammerorchesters.

Seit mehreren Jahren ist Johannes Schlaefli Lehrer bei den Internationalen Dirigierkursen der Symphonic Workshops in Tschechien. Seit 1999 betreut er als Hauptfachlehrer die Orchesterleiter-Ausbildung an der Musikhochschule Zürich.

 

Alexander Schmalcz

Alexander Schmalcz, né à Weimar en Allemagne, débute ses études de piano à l 'âge de 10 ans à Dresde dans le célèbre chour allemand d'hommes, le Dresdner Kreuzchor. En 1993, il part étudier à Londres avec Lain Burnside et Graham Johnson à la Guidhall School of Music and Drama. Il participe également à des master-classes avec Irwin Gage, Roger Wignoles, Peter Schreier, Thomas Quasthoff, Charles-André Linale et Kyoko Hashimoto.

En 1996, il reçoit le „Megan Foster Accompaniment Prize“ et le „Gerald Moore Award“. Le Trio Pantoum, dont il fait partie, remporte le „Nederlands Impresariaat Competition“ à Amsterdam. Il se produit en Europe (Wigmore Hall et Covent Garden de Londres, Concertgebouw d'Amsterdam, Frauenkirche de Dresde, le Vatican.), mais aussi au Japon et aux Etats-Unis.

Alexander Schmalcz est invité dans les grands festivals internationaux (European Music Festival à Stuttgart, Windsor en Angleterre, Lanciano en Italie.). Il accompagne régulièrement des chanteurs tels que Liubov Chuchrova, Adele Eikenes, Inessa Galante, Konrad Jarnot. Depuis 1999, parallèlement à sa carrière internationale, il enseigne à l'Ecole Robert Schumann de Düsseldorf. Récemment, il a donné plusieurs récitals, notamment au Wigmore Hall de Londres avec Marcus Ullmann, en Allemagne avec Peter Schreier, et il s'est également produit en tournée aux Etats-Unis et au Japon avec Jörg Hempel et Stephan Loges.

 

Benjamin Schmid

Originaire de Vienne, Benjamin Schmid a gagné en 1992 le prix Carl Flesch à Londres. Depuis lors, il est invité sur les plus grandes scènes, avec des orchestres comme les Wiener Philharmoniker, le Philharmonia Orchestra London, les Petersburger Philharmoniker, le Concertgebouw Orchester Amsterdam ou la Tonhalle de Zürich avec des chefs comme Dohnányi, Zinman, Ozawa ou Metzmacher. Son répertoire est très vaste, aussi dans le domaine contemporain.

En juin 2011, il a à nouveau été invité par les Wiener Philharmoniker, cette fois pour le concerto de Paganini-Kreisler.

Benjamin Schmid, qui vit à Salzburg avec son épouse, la pianiste Ariane Haering, et leur trois enfants, enseigne à Berne et au Mozarteum de Salzburg.

 

Hélène Schmitt

Hélène Schmitt commence ses études de violon à l'âge de sept ans. Elle étudie au conservatoire régional de Metz puis à l'Ecole normale supérieure de musique de Paris où très tôt elle développe un goût prononcé pour la musique de chambre.

C'est d'ailleurs cette tenace inclination qui plus tard la conduira à Bâle, pour y étudier le violon baroque et la musique ancienne auprès de Chiara Banchini et Jesper Christensen.

Elle est comme soliste lauréate de trois prix internationaux : »Musica Antiqua Bruges » section soliste, „Van Wassenaer“ Amsterdam, et « Internationaler Wettbewerb J.H. Schmelzer » Melk, Autriche.

Dès lors elle se consacre entièrement au répertoire solo pour violon et basse continue ou pianoforte et c'est comme soliste qu'elle est régulièrement invitée à se produire en concert partout en Europe et aux Etats-Unis.

Elle se produit également et de plus en plus souvent en récital seule , défendant ainsi la littérature pour le violon sans accompagnement.

Elle a enregistré de nombreuses fois pour France-Musique et Radio-Classique ainsi que pour la Hessische Rundfunk et Deutschlandfunk en Allemagne, et les radios belge, suisse, autrichienne et danoise.

Elle entretient une relation riche et de longue date avec le claveciniste et organiste Jörg-Andreas Bötticher.

Hélène Schmitt a enregistré plusieurs disques :
- Sonates pour violon et basse continue de Marco Uccellini (Christophorus),
- Sonates pour violon et basse continue de Johann Sebastian Bach (Alpha),
- Sonates pour violon et basse continue d'Ignazio Albertini (Alpha),
- Sonates pour violon et basse continue de Giovanni Stefano Carbonelli (Alpha), entre autres.

 

Simon Schnorr

Simon Schnorr, baryton, a commencé sa formation musicale dans le choeur « Tölzer Knabenchor » en Bavière, Allemagne. Il a étudié dans les classes de Markus Goritzki, Hans-Joachim Beyer et Roland Hermann au Conservatoires de Freiburg i. Br., Leipzig et Karlsruhe où il a obtenu son diplôme de chant avec mention très bien. Actuellement il étudie avec Margreet Honig.

Il est «Meisterschüler» de Dietrich Fischer-Dieskau, Ernst Haefliger et Thomas Hampson et a participé à plusieurs classes de maîtres notamment avec Kiri Te Kanawa, Barbara Bonney et Kurt Widmer. Simon Schnorr a chanté le 4e écuyer dans Parsifal de Richard Wagner aux « Salzburger Osterfestspiele » et aux festivals d'Edinburgh et Lucerne avec les « Berliner Philharmoniker » et le « Gustav Mahler Jugendorchester » sous la direction de Claudio Abbado.

Concerts à remarquer cette saison : le Requiem de Mozart à Freiburg i. Br., le Requiem de Brahms à Wiesbaden, la Matthäus-Passion de Bach à la « Thomaskirche » de Leipzig.

Simon Schnorr a été lauréat de plusieurs concours dont le prix d'études de MIGROS-Kulturprozent/Zürich. En juillet 2009 il interprète le rôle du Masetto/ « Don Giovanni » au festival/académie du Verbier.

A partir de cet été 2009 il fait partie de l'ensemble fixe du « Landestheater Salzburg » et ouvre la saison comme comte Almaviva dans « Le nozze di Figaro » de Mozart.

 

Oliver Schnyder

Le pianiste argovien a fait ses études auprès de Homero Francesch à Zürich et de Leon Fleisher à Baltimore.

Depuis son récital initial au Centre Kennedy de Washington et son début comme soliste avec l’Orchestre de la Tonhalle de Zurich sous la direction de David Zinman, le jeune pianiste suisse Oliver Schnyder se produit en concert dans le monde entier, en soliste avec des orchestres et des chefs éminents, et, en musique de chambre, avec le violoniste Stefan Tönz, la violoniste Julia Fischer et la violoncelliste Sol Gabetta. Il collabore régulièrement avec des compositeurs contemporains.

 

Julia Schröder

Ihr Musizieren sei "von einer Subtilität, einer Sinnlichkeit, einer überbordenden interpretatorischen Frische, wie es in Wien bis dato in dieser Qualität noch nicht gehört wurde", schrieb die Wiener Presse über Julia Schröder als Leiterin und Solistin des kammerorchersterbasel in einem Konzert mit Cecilia Bartoli.

Julia Schröder ist Konzertmeisterin und Leiterin des kammerorchesterbasel. Neben der musikalischen Führung des Ensembles tritt sie oft in den grossen Sälen Europas als Solistin in Erscheinung, u.a. im Musikverein Wien, der Philharmonie Berlin, dem Concertgebouw Amsterdam, dem Barbican Center London, den Auditorien in Valencia, Bilbao, Zaragoza, Valladolid und Barcelona. Sie arbeitet ständig mit Sol Gabetta, Pieter Wispelwey, Mariana Mijanovic, Andreas Scholl und Cecilia Bartoli zusammen. Zudem ist Julia Schröder regelmässig Konzertmeisterin des Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya und musiziert im Ensemble Il Giardino Armonico als Stimmführerin.

Mit dessen Leiter, Giovanni Antonini, arbeitet sie gemeinsam mit dem kammerorchesterbasel an der Gesamteinspielung der Beethoven-Sinfonien für das Label Sony BMG. Die Einspielung der 3. und 4. Sinfonie erhielt 2008 den Echo Klassik Preis in der Kategorie "Bestes Ensemble".

2006 erschien Julia Schröders erste CD "Sinfonia Concertante" als Solistin mit dem kammerorchesterbasel und Werken von Mozart, Haydn und Martinu. 2008 folgte die Ersteinspielung von Ouvertüren und Konzerten Johann Friedrich Faschs unter ihrer Leitung auf historischen Instrumenten. Ihre Ersteinspielung von Faschs Violinkonzert in D-Dur wurde von WDR 3 als das "heimliche Juwel" der CD bezeichnet.

Julia Schröder studierte bei Adelina Oprean, Raphael Oleg, Walther Levin und Lukas Hagen. Das Studium der Barockvioline bei Chiara Banchini an der Schola Cantorum Basiliensis rundet die vielseitige Ausbildung ab. Immer auf der Suche nach neuen Wegen bringt sie ihre Interpretationen der klassischen Musik in gekonnter Verbindung von historischem Wissen und moderner Spielweise an das Publikum. Julia Schröder war zu Gast bei den Kammermusikfestivals in Davos, Gstaad, Luxembourg, Middlebourg, Amsterdam, Stuttgart und Köln. Zu ihren Kammermusikpartnern gehören u.a. das Trio Parnassus, Gidon Kremer und Gerard Wyss. Als Solistin tritt sie mit dem Sinfonieorchester Basel, der Camerata Stuttgart, dem Sinfonieorchester des Hessischen Rundfunks Frankfurt und den Nürnberger Sinfonikern auf.

 

Claudia Schubert

Claudia Schubert ist in Darmstadt, Deutschland aufgewachsen. Sie studierte ab 1986 Gesang an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Frankfurt bei Elsa Cavelti, wo sie ithre Ausbildung 1992 beendete. Ferner nahm sie an Meisterkursen von Laura Sarti in London teil.

Von 1987-1991 var die Künstlerin Stipendiatin der Studienstiftung des Deutschen Volkes.

Bereits seit 1987 ist Claudia Schubert regelmässig als Konzertsängerin tätig. Seither ist sie in vielen bedeutenden Musikzentren Europas, in Israel, Japan, Kanada une den U.S.A. aufgetreten.

Bei namhaften Festivals "Alter Musik", wie Utrecht, Brügge, Göttingen, Halle u.a. arbeitete sie mit Dirigenten wie Jordi Savall, Frieder Bernius, Herrmann Max, Reinhard Goebel, Ton Koopmann, Frans Brüggen, John Eliot Gardiner u.a.

Gastspiele an Opernhäusern in Frankfurt, Brüssel und Salzburg ergänzen ihre Tätigkeit.

Zahlreiche Tonträgeraufnahmen sind mit ihr bei Orfeo, EMI, Harmonia mundi, Philips und Virgin Classics erschienen.

 

Jan Schultsz

Né à Amstredam en 1965, Jan Schultsz a étudié le cor et le piano au «Sweelinck Konservatorium», avant de se perfectionner, notamment en Suisse. Il poursuivra ses études de cor à la Schola Cantorum de Bâle, puis à Lausanne avec Bruno Schneider. On le trouvera alors au sein d'ensembles aussi prestigieux que le Concertgebouw d'Amsterdam, le Concerto Köln ou la Camerata de Berne. Malgré ces remarquables références, il a renoncé aujourd'hui à cette composante de son talent.

Il en va trés différemment du piano où Jan Schultsz s'est acquis une réputation d'accompagnateur qui ne cesse de croître. Deux récents exemples suffiront à en apporter la preuve: un disque avec le ténor Werner Güra, qui lui a valu deux récompenses internationales et un récital en compagnie de la célèbre cantatrice Cecilia Bartoli à la Fondation Gianadda de Martigny.

Pour compléter ce tableau, il faut ajouter un concert au Carnegie Hall de New York, des prestations de soliste avec différents orchestres, la direction de la classe de lied et d'oratorio au Conservatoire Bruckner de Linz, un poste de corépétiteur à l'Opéra de Zurich, et la liste n'est pas exhaustive !

Enfin la direction d'orchestre retient de plus en plus Jan Schultsz qui, là encore, a suivi une formation de très haut niveau. Nombreux sont les ensembles qui ont déjà fait appel à ses services, dans les grandes villes de notre pays, à Salzbourg, Vienne, Budapest, Hilversum, Eindhoven...

Depuis trois ans, il est en outre directeur artistique du festival d'opéra de l'Engadine à Saint-Moritz.

C'est dire la chance qu'a l'OCN et, partant, son public, de pouvoir compter sur un chef aussi compétent et universel que Jan Schultsz.

Site de Jan Schultsz

 

 Schweizer Klaviertrio

Angela Golubeva, violon,
Sébastien Singer, violoncelle, et
Martin-Lucas Staub, piano

Régulièrement comparé au Beaux-Arts Trio en raison de la précision qui caractérise son jeu d'ensemble et de la fougue qu'il parvient à mettre dans ses interprétations, le Schweizer Klaviertrio a successivement remporté le 1er Prix du Concours International de Musique de Chambre de Caltanisetta 2003 (I), le 1er Prix du Concours International Brahms 2005 (A) et le Swiss Ambassadors Award 2005 lors d'un concert mémorable au Wigmore Hall de Londres.

Depuis, il a parcouru plus de trente pays sur tous les continents en donnant de nombreux récitals dans des cadres prestigieux.

Pour les dix ans de l'ensemble, le festival international de musique de chambre Kammermusik Bodensee a vu le jour en 2008. Depuis, c'est chaque première semaine de septembre que des artistes de renom rejoignent le Schweizer Klaviertrio au bord du lac de Constance pour une intense semaine de musique de chambre au bord de l'eau... et sur l'eau...

 

Louis Schwizgebel

© Marco Borrgreve

Louis Schwizgebel

Né à Genève en 1987, le pianiste helvéto-chinois Louis Schwizgebel a remporté à dix-sept ans le Concours international de sa ville natale et, deux ans plus tard, les «Young Concert Artists International Auditions» à New York. Il a été «BBC New Generation Artist» en 2013—2015. Il a étudié avec Brigitte Meyer à Lausanne et Pascal Devoyon à Berlin, puis s’est perfectionné à la Juilliard School avec Emanuel Ax et Robert McDonald, et à la Royal Academy of Music de Londres avec Pascal Nemirovski.

Louis Schwizgebel joue avec les plus grands chefs dans les salles les plus prestigieuses. Il a fait ses débuts à la Philharmonie de Berlin avec le violoniste Benjamin Beilman. On a pu l’entendre la saison dernière au Wigmore Hall de Londres, à la Klavierfest Ruhr, au Festival Pianissimmes de Paris, et en duo avec Alina Ibragimova. Il a enregistré pour Aparté les deux premiers concertos pour piano de Beethoven avec le London Philharmonic Orchestra dirigé par Thierry Fischer, un disque en solo, «Poems», comportant des œuvres de Ravel, Liszt, Holliger et Schubert, et les Concertos pour piano n°2 et n°5 de Saint-Saëns avec le BBC Symphony Orchestra dirigé par Fabien Gabel et Martyn Brabbins.

 Louis Schwizgebel remercie, pour le soutien qu’il a reçu, le Migros Pour-cent culturel, la Hans Wilsdorf Foundation, la Mozart Gesellschaft Dortmund et l’Animato Foundation.

 

 

Born in Geneva in 1987, Swiss-Chinese pianist Louis Schwizgebel has been described as an “insightful musician” by the New York Times (May 2013) and “already one of the great masters of the piano” by Res Musica (July 2014). At the age of seventeen he won the Geneva International Music Competition and, two years later, the Young Concert Artists International Auditions in New York. In 2012 he won second prize at the Leeds International Piano Competition and was a BBC New Generation Artist from 2013-2015.

 

Schwizgebel has performed with many orchestras across the globe including the London Philharmonic, BBC Symphony, City of Birmingham Symphony, Wiener Symphoniker, Orchestre National de Lyon, Nagoya, Macao and Shanghai Philharmonic orchestras, and the Orchestra of St. Luke’s (NYC) amongst others. He has worked with conductors such as Edward Gardner, Thierry Fischer, Joshua Weilerstein, Fabio Luisi, Leonard Slatkin, Louis Langrée, Alondra de la Parra, James Gaffigan and Fabian Gabel and in the coming seasons he looks forward to working with Ticciati, Shani, and Schønwandt amongst others.

 

He performs regularly in his native Switzerland, both in recital and with the symphony and chamber orchestras; he has played at all the major festivals including Progetto Martha Argerich, Menuhin Festival Gstaad and Verbier Festival. In 2014 he made his BBC Proms debut with an electrifying televised performance of Prokofiev’s First Concerto and recent recital highlights include performances at London’s Wigmore Hall, Fribourg International Piano Series, Munich’s Herkulesaal, and with violinist Benjamin Beilman his debut at the Berlin Philharmonie.

 

In the 2015/16 season Schwizgebel returned to the London Philharmonic, BBC Symphony, Orchestre de la Suisse Romande, Lucerne Symphony and made his debut with the Tonhalle-Orchester Zürich/Bringuier and Munich Symphony/Altstaedt. Further afield he made his debut with the Utah Symphony, NAC Ottawa, Winnipeg Symphony and Queensland orchestras and in solo recital he performs at London’s Wigmore Hall, Klavierfest Ruhr, at Festival Pianissimmes (Paris) and in duo with Alina Ibragimova. In SE Asia he performed his debut recital in Hong Kong and to returned to China for four concerts which include Beijing Concert Hall and Shanghai Symphony Hall.

 

Schwizgebel records for Aparté; his recording of Beethoven’s First and Second Piano Concertos with the London Philharmonic Orchestra and Thierry Fischer received critical acclaim with Gramophone magazine describing Schwizgebel’s performance as a “beautifully nuanced account.” His solo disc, Poems, which features works by Ravel, Liszt, Holliger and Schubert was given four stars by Germany’s Fono Forum who hailed Schwizgebel “a genuine virtuoso, a spirited young genius with real depth”. His recording Saint-Saens’s Piano Concertos Nos 2 and 5 with the BBC Symphony Orchestra was released in autumn 2015, with Radio Classique selecting it as ‘Disc du Jour’.

 

Schwizgebel studied with Brigitte Meyer in Lausanne and Pascal Devoyon in Berlin, and then later at the Juilliard School with Emanuel Ax and Robert McDonald, and at London’s Royal Academy of Music with Pascal Nemirovski.

 

 

Maurice Senn

Etudes à Genève, Düsseldorf et Salzburg. Violoncelle-solo (à l'âge de 23 ans) de l'Orchestre de la Suisse Romande, il côtoie de grands artistes comme Sawallisch, Stein, Gilels, Rubinstein, Stern, Milstein, Chailly, Pavarotti, pour n'en citer que quelques-uns.

En harmonie avec une activité de concerts, principalement dédiée à la musique de chambre, il enseigne aussi le violoncelle pendant 25 ans et la musique de chambre au Conservatoire de Musique de Genève. De 1979 à 1983, il est violoncelliste du Quatuor de Genève et fonde en 1988 l'Association "Pour la Musique de Chambre".

Enfin, en 1995, Maurice Senn déménage à Granges-Paccot, appelé au poste de Directeur du Conservatoire de Fribourg. Il y mène notamment l'évolution du niveau de l'enseignement professionnel à celui des standards des Hautes écoles.

Depuis 2002, il a repris à plein temps son activité de violoncelliste, tout en s'occupant, dans le cadre de la Fondation Clara Messagère, de l'encouragement de jeunes étudiants de talent.

 

Alexander Shelley

Né au Royaume-Uni en 1979, M. Shelley s’est d’abord signalé sur la scène internationale en remportant à l’unanimité le Premier prix au Concours de direction d’orchestre de Leeds en 2005. Il a été décrit comme « le jeune chef d’orchestre le plus passionnant et le plus doué à avoir récolté ce prix hautement prestigieux. Sa technique de direction est sans faille, tout dans son approche est d’une clarté cristalline et s’inscrit dans une musicalité innée. »

De ce fils de pianistes de concert célèbres, petit-fils de violoncelliste de talent et arrière-petit-fils d’organiste tout aussi doué, la presse a dit qu’il était un « musicien aux talents considérables et aux qualités d’interprétation extraordinairement impressionnantes » (dans Strauss, Elgar et Sibelius à Londres), un chef d’orchestre « d’une autorité artistique exceptionnelle » (dans Brahms avec le DSO Berlin). On a aussi décrit son Requiem de Verdi donné à Salzbourg comme « une interprétation originale, intelligente, très convaincante et bien ficelée ».

Depuis, le maestro Shelley est très sollicité à l’échelle mondiale, notamment par le Philharmonia, les orchestres philharmoniques de Rotterdam et de Stockholm, les orchestres symphoniques de Birmingham, Seattle et Houston, le Mozarteum Orchester de Salzbourg, le Konzerthausorchester de Berlin, le DSO-Berlin, le Gewandhaus de Leipzig et l’Orchestre Simón Bolívar. On le retrouve aussi régulièrement comme chef invité de prestigieux orchestres de l’Asie et de l’Australasie.

À l’opéra, il a dirigé notamment Roméo et Juliette de Gounod et La Veuve joyeuse (Opéra royal du Danemark), La Bohème (Opéra Lyra au Centre national des Arts à Ottawa), Iolanta (Deutsche Kammerphilharmonie de Brême), Cosi fan tutte à Montpellier et, en 2015, une nouvelle production des Noces de Figaro (Opera North).

Durant la saison 2014-2015, en plus de ses engagements réguliers à Londres, Ottawa et Nuremberg, le chef visite à nouveau, entre autres, le DSO-Berlin, les orchestres symphoniques de Göteborg et de Melbourne, le Konzerthausorchester de Berlin, le Gewandhaus de Leipzig et le NDR Radio Philharmonic. Il fait ses débuts avec le Camerata Salzburg, l’Orchestre philharmonique de la République tchèque, l’Orchestre de la Suisse Romande, l’Orchestre Philharmonique de Luxembourg et l’Orchestre philharmonique d’Oslo. Son tout premier CD, sous l’étiquette Deutsche Grammophon, enregistré avec le violoniste Daniel Hope et l’Orchestre philharmonique royal de Stockholm, est paru en septembre 2014.

M. Shelley entretient par ailleurs une relation privilégiée avec le Deutsche Kammerphilharmonie de Brême, qu’il dirige régulièrement dans le cadre de ses concerts d’abonnement et partout en Allemagne. En octobre 2013, il a dirigé l’ensemble en tournée en Italie dans des œuvres de Strauss, Wagner et Brahms. Il assure la direction artistique du Zukunftslabor (Labo de l’avenir) de cet orchestre – une série primée qui vise à tisser des liens durables entre l’ensemble et la nouvelle génération d’amateurs de concerts par un rapprochement populaire et par l’utilisation de la musique comme source de cohésion et d’intégration sociales.

Alexander Shelley s’attache depuis le tout début de sa carrière à inspirer les musiciens et les auditoires des jeunes générations. Au printemps 2014, il a dirigé une grande tournée en Allemagne du Bundesjugendorchester et du Bundesjugendballett comprenant un concert conjoint au Festival de Pâques de Baden-Baden avec le chef Sir Simon Rattle et des membres du Berliner Philharmoniker. En 2001, alors étudiant en violoncelle et en direction d’orchestre à Düsseldorf, il a fondé l’ensemble Schumann Camerata, avec lequel il a créé « 440Hz », une série novatrice de concerts faisant appel à des personnalités en vue de la télévision, de la scène et de la musique en Allemagne. Il s’agit d’une initiative majeure qui cadre avec la vision du maestro d’attirer les jeunes adultes dans les salles de concerts.

 

Stephan Siegenthaler

Geboren 1957 in Biel (Schweiz). Studium am Konservatorium Bern, Hauptfach Klarinette (Lehrer: Kurt Weber). Nach dem Lehrdiplom 1980-1981 Studien bei Prof. Jost Michaels an der Nordwestdeutschen Musikakademie in Detmold. 1984-1986 Studium bei Thomas Friedli am Konservatorium Genf.

Zahlreiche Auftritte als Solist und vor allem als Kammermusiker 1990-1995 Soloklarinettist des Bieler Sinfonieorchesters. Ab 1995 Mitbegründer und Generaldirektor einer medizintechnischen Firma. Sommer 2002 Verkauf dieser Firma an einen internationalen Grosskonzern. Rückkehr zur Musik.

 

Emmanuel Siffert

Né en 1967, il étudie le violon à Fribourg et à Bâle, et profite des précieux conseils de Sandor Végh, à Salzbourg où, durant quelque temps, il joue à la Camerata Academica. Il étudie la direction chez Ewald Körner, puis chez Jorma Panula, en Finlande. Il se perfectionne ensuite auprès de Horst Stein, Ralf Weikert et de Carlo Maria Giulini, à Milan. Dès 1999, il est chef titulaire de l’European Chamber Opera, à Londres, ainsi que de l’Orchestra Sinfonica della Valle d’Aosta.

 

Jan Simon

Né à Prague en 1966, Jan Simon "soliste en résidence" de l'Orchestre de Radio-Prague, compte parmi les meilleurs pianistes tchèques actuels. Après ses études à l'Académie de Prague, entre autres avec Ivan Moravec, à la HEM de Zurich avec Homero Francesch, puis avec James Tocco à Lübeck, il s'est fait remarquer dans plusieurs concours internationaux.

Ces succès lui ont ouvert les portes d'une carrière avec de célèbres orchestres: BBC Symphony Orchestra London, Israel Philharmonic Orchestra, Baltimore Symphony Orchestra, Belgisches Nationalorchester Brüssel, Beethovenorchester Bonn, Tschechische Philharmonie, Prager Symphoniker, Prague Philharmonia, Symphonieorchester des Tschechischen Rundfunks Prag, Slowakische Philharmonie, Norkopping Sinfonieorkest, Toronto Philharmonia. Ses tournées l'ont conduit dans le monde entier, et dans les salles les plus fameuses. Notamment, il a fait ses débuts à Carnegie Hall à New York en 2010 avec le 3e concerto de Beethoven.

 

 Sinfonieorchester Wuppertal

© Andreas Fischer

Sinfonieorchester Wuppertal


1862 als Elberfelder Kapelle gegründet, feierte das Sinfonieorchester Wuppertal in der vergangenen Spielzeit sein 150-jähriges Bestehen. Heute ist es als A-Orchester klassifiziert. Die 88 Musikerinnen und Musiker werden seit 2004/05 von Prof. Toshiyuki Kamioka geleitet, zunächst in der Funktion des
Generalmusikdirektors, seit 2009/10 als Chefdirigent und Künstlerischer Leiter. Neben der Arbeit als Opernorchester spielt das Sinfonieorchester pro Saison über 40 Konzerte in seiner Heimatspielstätte, der Historischen Stadthalle Wuppertal. Seit Januar 2013 sind die Musiker Teil der Wuppertaler
Bühnen und Sinfonieorchester GmbH.
Das Wuppertaler Ensemble ist regelmäßig im In- und Ausland zu Gast. Neben jährlichen Gastspielen in Mailand stand die Saison 2007/08 erstmals im Zeichen einer großen Japan-Tournee. Das Sinfonieorchester Wuppertal spielte fünf ausverkaufte Konzerte in den beeindruckendsten Konzerthallen des Landes. In der Saison 2010/11 folgte eine umfangreichere und von den Japanern stark umjubelte Tournee durch das Heimatland von Toshiyuki Kamioka. Im August 2011 gaben die Wuppertaler unter der Leitung des Chefdirigenten ihr Debüt im ausverkauften Amsterdamer
Concertgebouw.

(Stand: 8/2013)

 

Eva Slongo

 

Lisa Smirnova

Lisa Smirnova

Als ihr 1993 der Brahms-Preis des Schleswig-Holstein Musikfestivals verliehen wurde, schrieb die Fachpresse: „…Lisa Smirnova überraschte wohl alle Zuhörer mit ihrer fantastischen Darbietung. Die gesamte Palette positiver Eigenschaften vereinigt sie in sich. Vielleicht hat die Klavierbranche nach dem Abtreten der Grossen wie Horowitz und Richter nun endlich wieder einen Megastar!“

Einzigartiger Interpretationsstil: Das Beste in sich vereint

Ihrem besonderen Werdegang hat es die österreichische Pianistin russischer Herkunft zu verdanken, dass sie die unterschiedlichen Klang- und Spielkulturen sowohl der russischen als auch der mitteleuropäischen Schule in sich vereint. Dementsprechend einzigartig ist auch ihr Interpretationsstil.

Und es ist ganz außergewöhnlich, dass sich Lisa Smirnova entgegen der herkömmlichen Art großer russischer Pianisten, nicht mit Werken der Romantik, sondern gerade mit dem westeuropäischen Repertoire - von Händel über die Wiener Klassik bis zu Brahms - einen Namen gemacht hat.

Stationen einer hochbegabten Pianistin

Bereits mit vier Jahren begann Lisa Smirnova mit dem Klavierspiel, womit der Grundstein für Ihre herausragende Karriere gelegt wurde. Gemeinsam mit Jewgeny Kissin wurde sie von Anna Kantor als hochbegabte Klavier-Schülerin an der renommierten Gnessin Schule in Moskau aufgenommen.

Darnach studierte sie am Moskauer Tschaikowsky Konservatorium, wo sie bei Lev Naumov, dem Assistenten und Nachfolger von Heinrich Neuhaus, Klavierunterricht nahm. Nach einer Begegnung mit Professor Karl-Heinz Kämmerling übersiedelte sie 1991 nach Österreich, wo sie bei ihm am Salzburger Mozarteum ihr Studium fortsetzte und Ihr Konzertdiplom mit Auszeichnung erlangte. Während des Studiums legte sie ein kurzes „Intermezzo“ in London ein, um bei Maria Curcio ihre Ausbildung zu vertiefen, zudem besuchte sie Meisterkurse bei Robert Levin.

Intensive Konzerttätigkeit

Seit Anbeginn kam sie intensiver Konzerttätigkeit nach. Sowohl als Solistin wie auch als Kammermusikpartnerin ist Lisa Smirnova weltweit gleichermaßen gefragt. Bereits mit 20 Jahren debütierte sie in der Carnegie Hall in New York und ging auf ihre erste Japan-Tournee, wo sie in der Suntory Hall Tokyo ihr Debüt feierte. 1993 folgten Auftritte in der Wigmore Hall London, im Concertgebouw Amsterdam und im Wiener Konzerthaus. Im Sommer 1996 debütierte sie mit Benjamin Schmid bei den Salzburger Festspielen. Seither konzertiert sie auf den Konzertpodien in Europa, Asien sowie den USA und ist Gast bei bedeutenden Festivals wie Salzburger Mozartwoche, Schleswig Holstein Festival, Lucerne Festival usw.

Als Solistin wird sie regelmäßig von international wirkenden Orchestern eingeladen, und sie machte sich auch einen hervorragenden Namen als Kammermusikerin.  Zu ihren regelmäßigen Partnern zählen u.a. Dmitry Sitkovetsky, Antje Weithaas, Clemens Hagen, Benjamin Schmid, Thomas Zehetmair, das Leipziger Streichquartett, Sergej Nakariakov, die Bläsersolisten der Berliner Philharmoniker und die Mitglieder des Astor Piazzolla New Tango Quintetts.

Höchste Auszeichnungen für CD-Einspielungen

Gemeinsam mit dem Geiger Benjamin Schmid veröffentlichte Lisa Smirnova bei MDG erstmals Bachsche Sonaten und Partiten sowie Paganini´s Capricen für Violine mit Klavierbegleitung von Robert Schumann. Diese Aufnahmen wurden von der internationalen Fachpresse begeistert rezensiert und erhielten höchste Auszeichnungen in Frankreich und Australien.

Ihre Partnerschaft mit BMG/Arte Nova Classics wurde mit der Einspielung des Gesamtwerkes von Ernest Bloch für Viola und Klavier mit Daniel Raiskin gekrönt,  ebenfalls mit höchstem Kritikerlob im deutschsprachigem Raum und in Frankreich bedacht.

Zur Zeit bereitet die Künstlerin die Gesamteinspielung der acht  Londoner Suiten von Händel auf dem modernen Flügel vor.

Zahlreiche Rundfunkaufzeichnungen (ORF, WDR, SDR, NDR, BBC, Radio France,  Bayerischer Rundfunk) dokumentieren ihre Vielseitigkeit.

Seit 2007 ist Lisa Smirnova Künstlerische Leiterin des Nagasaki-Ojika International Music Festivals in Japan.

 

Iwona Sobotka

Lauréate remarquée du prestigieux Concours Reine Elisabeth 2004, la soprano polonaise Iwona Sobotka est née en 1981 à Mlawa.  Elle débute ses études de chant et de piano dans sa ville natale avant de poursuivre sa formation à Varsovie l'Académie Fryderyk Chopin et à la « Escuela Superior de Música Reina Sofía » de Madrid où elle travaille auprès du grand baryton finlandais Tom Krause depuis septembre 2003.

En 2001, elle avait remporté le premier prix du “chant polonais artistique de Varsovie”, puis en 2003 le Grand Prix  et plusieurs prix spéciaux du Concours Paderewski de Bydgoszcz. Toujours en 2003, elle avait gagné le premier Prix du “East and West International Artists Audition” de New York ce qui lui valut un récital à Carnegie Hall en 2004/05.

Avec Piotr Beczala,  Juliana Gondek et Urszula Kryger, elle enregistre  en mai 2004 l'intégrale des mélodies de Karol Szymanowski pour le label hollandais “Channel Classics Records”.

Iwona Sobotka se produit sur de grandes scènes : Le Palais des Beaux-Arts de Bruxelles, Le Singel d'Anvers, le Conservatoire de Musique de Luxembourg, à Madrid l'Auditorio Nacional et el Teatro Real, le Tokyo Opera City Hall, le Lutoslawski Hall à Varsovie et la grande salle de la Philharmonie de St. Petersburg.

Avec l'Orchestre Baroque de la Communauté, après une tournée triomphale, elle a signé un enregistrement de cantates de Haendel pour le label “Naxos”. En juin 2005, elle a chanté sous la direction de Sir Colin Davis.

Iwona Sobotka a donné des récitals, outre en Pologne, aux U.S.A., en Amérique du Sud, en France, Espagne, Autriche, Japon, Russie et Turquie, avec des partenaires comme Piotr Anderszewski, Jose van Dam, Radovan Vlatkovic, Urszula Kryger et Eldar Nebolsin.

 

Inger  Södergren

Née en Suède, la pianiste Inger Södergren reçoit une bourse de la Stockholm Royal Academy of Music pour continuer ses études à Vienne dans la classe de Carlo Zecchi, puis en France avec Nadia Boulanger et Yvonne Lefébure. Elle s'embarque alors dans une carrière internationale, prouvant qu'elle est une musicienne dotée d'un talent exceptionnel et original.

Inger Södergren démontre un bon flair et une bonne perspicacité dans ses interprétations d'oeuvres de grands compositeurs comme Beethoven, Schumann et Brahms. Ses enregistrements- exclusivement pour Calliope - ont été salués unanimement par les critiques et couverts de récompenses : "Diapason d'Or", "Choc" du Monde de la Musique, Grand Prix du Disque de l'Académie Charles Cros ...

Ses deux plus récents enregistrements sont consacrés à trois sonates de Beethoven dont «Waldstein» et «les Adieux», ainsi qu'un récital Mozart.

Inger Södergren participe aux grands événements du piano et est l'invitée de différentes séries prestigieuses de concerts : A Paris, invitée par Piano quatre Etoiles et Les grands concerts à la salle Gaveau ; concerts au Théâtre du Châtelet ; Festivals de La Roque d'Anthéron, de Radio France et de Montpellier, récitals au Concertgebouw d'Amsterdam, Fundaçao Calouste Gulbenkian à Lisbonne, à Tokyo au Bunka Kaikan, à Londres, Berlin, Milan, Madrid...

Inger Södergren reste complètement détachée des modes et tendances.

Elle n'a pas peur de proclamer son amour pour le pathétique. Elle se permet d'être guidée par son intuition. L'auditeur n'est pas pris par force, mais il est libre de la suivre dans sa conquête s'il le désire.

Depuis 1994, elle est également la partenaire de la contralto Nathalie Stutzmann, avec laquelle elle a enregistré (pour RCA Victor red seal) des lieder de Schumann (Japan Record Academy Award) et Brahms, des mélodies de Chausson et Poulenc et il y a quelques mois «Winterreise» de Schubert, enregistrement qui a été unanimement salué par la critique musicale internationale.

Depuis l'automne 2005, est disponible toujours chez Calliope un autre cycle de lieder de Schubert : «Schwanengesang», chanté par Nathalie Stutzmann.

Aux côtés de Nathalie Stutzmann, elle parcourt le monde musical, du Japon à Sao Paulo en passant par tous les grands centres musicaux d'Europe et d'Amérique du Nord.

 

Valeryi Sokolov

Né le 22 Septembre 1986 à Kharkov, Ukraine, Valeriy Sokolov a commencé l'étude du violon à l'âge de cinq ans. A 9 ans, il est admis dans la classe du Professeur Serguei Evdokimov à l'école Supérieure de Musique de Kharkov. Il donne en 1997 son premier concert avec orchestre, jouant à cette occasion le 5ème Concerto de Vieuxtemps, suivi du bis consistant en rien de moins que la 6ème sonate de Ysaye. Il prend également part à plusieurs concours internationaux, et remporte le 3ème prix dans deux d'entre eux, en Tchécoslovaqie et en Ukraine.

Puis âgé de treize ans, en 1999 il se présente au Concours International Pablo saraste à Pampelune en Espagne et se voit attributer le Prix Spécial du Jury, une bourse d'études qui lui permettra de poursuivre sa scolarité à l'école Yehudi Menuhin en Angleterre. En été 2003, Valeriy Sokolov participle au Festival Menuhin de Gstaad et est acclamé dans l'Introduction et Rondo Capriccioso de Saint-Saëns au Festival International de Yalta en Criméee. En Novembre de la même année, il reçoit le prix Laina Issakadze au Concours International de Saint-Pétersbourg. Remarqué en 2003 par le cinéaste Bruno Monsaingeon - lui-même élève de Yehudi Menuhin et auteur de nombreux films-documentaires sur Yehudi Menuhin, Glenn Gould entres autres - celui-ci décide de lui consacrer un documentaire.

Pendant l'été 2007, il a fait ses débuts aux Etats-Unis aux festivals de Grand Tetons, d'Aspen et de Blossom.

The Ukrainian violinist, Valeriy Sokolov, is one of the most outstanding young artists of his generation. Working regularly with the world's leading orchestras, he has enjoyed collaborations with the Philharmonia Orchestra, Chamber Orchestra of Europe, Cleveland Orchestra, Tonhalle Orchestra Zurich, Rotterdam Philharmonic, City of Birmingham Symphony Orchestra, Tokyo Symphony, Moscow Philharmonic Orchestra, Seoul Philharmonic, NAC Ottawa, Orchestre National de France and the Deutsche Kammerphilharmonie Bremen. He works frequently with conductors including Vladimir Ashkenazy, David Zinman, Susanna Malkki, Andris Nelsons, Peter Oundjian, Yannick Nézet-Séguin, Vasily Petrenko, Herbert Soudant & Juraj Valcuha

He has performed at many major European festivals including Verbier and Lockenhaus, and regularly performs in the major concert halls around the world including the Theatre du Chatelet, Wigmore Hall, Lincoln Center, Mariinsky Theatre, Prinzregenten Theatre in Munich and Musikverein in Vienna.

Valeriy regularly performs with Evgeny Izotov in recital as well as with his own piano trio alongside the Ukrainian cellist Alexei Shadrin.

Exclusively signed with Erato records (formerly EMI Classics) Valeriy has developed a strong and varied catalogue of recordings, releasing Enescu’s Sonata No. 3 for them in 2009. His first concerto DVD was of the Sibelius Violin Concerto under Vladimir Ashkenazy and with the Chamber Orchestra of Europe, and Bruno Monsaingeon’s film “un violon dans l’âme / Natural Born Fiddler”, a record of Valeriy’s recital in Toulouse in 2004, received much praise from the critics and continues to be frequently broadcast on ARTE TV. In 2010 Valeriy recorded violin concertos of Bartok and Tchaikovsky under the direction of David Zinman and Tonhalle Orchestra Zurich.

During the 2015-16 season, he will appear with the St Petersburg Philharmonic, NDR Hamburg Sinfonieorchester, Orchestre de Paris, Philharmonia Orchestra, Singapore Symphony & the Bournemouth Symphony, amongst others. He will also tour a chamber music project with Lisa Batiashvili and Gautier Capuçon throughout Europe including venues in Paris, Vienna, Cologne, Amsterdam and London.

Born in 1986 in Kharkov, Ukraine, Valeriy is one of the leading violinists to come out of Ukraine in the past twenty years. Valeriy left his native country age 13 to study with Natalia Boyarskaya at the Yehudi Menuhin School in England. He continued his studies with Felix Andrievsky, Mark Lubotsky, Ana Chumachenko, Gidon Kremer and Boris Kushnir. He was the first prize winner of the 2005 George Enescu International Violin Competition in Bucharest, Romania

He has recently commissioned a violin concerto from Ukraine's most significant composer Yevhen Stankovich and has become artistic director of a newly set-up chamber music festival on the lake of Konstanz in Germany.

 

 Solenn' Lavanant-Linke

Die 1980 geborene Mezzosopranistin studierte zuerst an der Kunsthochschule Paris Gravur. Schliesslich entschied sie sich, nur noch die parallel begonnene Gesangsausbildung am Pariser Konservatorium fortzusetzen. 2008 erwarb sie an der Musikhochschule Lausanne ihr Gesangsdiplom. Meisterkurse u. a. bei Edda Moser, Nathalie Stutzing oder Dale Dusing. Sie ist Preisträgerin des Internationalen Gesangswettbewerbs von Conegliano 2008 sowie von 2008 - 2009 Stipendiatin der Stiftung von Colette Mosetti. Erste Auftritte u. a. beim Lyrikstudio Lausanne mit der Titelpartie in D. Scarlattis «La Dirindina» in Genf, mit Partien in «La prova d'orchestra» und «Cendrillon» an der Oper Bern, als Dido («Dido und Aeneas») in Siena, als Hermia («A Midsummer Night's Dream») in Mezières sowie als Ida («Die Fledermaus») und Ancella («Simone Boccanegra») am Grand Théâtre de Genève.

 

Martin Stadtfeld

© Marco Borggreve

Martin Stadtfeld

Biographie

Der Pianist Martin Stadtfeld gab mit 9 Jahren sein Konzertdebüt und studierte ab seinem 14. Lebensjahr an der Musikhochschule Frankfurt bei Lev Natochenny, seinerseits Schüler des legendären Lev Oborin.
Die Reihe seiner Wettbewerbserfolge hatte ihren Höhepunkt im Jahr 2002, als er als erster bundesdeutscher Pianist den Internationalen Bach-Wettbewerb in Leipzig gewann. Der erste Preis dieses traditionsreichen Wettbewerbs, der 14 Jahre zuvor nicht vergeben worden war, öffnete dem Künstler endgültig die Türen zu den wichtigsten Konzertpodien Europas.
"Bach ist zwar das Alpha und Omega seines Denkens, doch mitnichten das ganze Alphabet. Der junge Deutsche kann noch viel mehr" (Die Zeit). So reicht die Bandbreite der von Martin Stadtfeld interpretierten Werke von Bach über die Wiener Klassik hin zu den Werken der Romantik (Schumann, Liszt, Wagner, Brahms) und den großen romantisch-expressiven Klavierkonzerten wie Tschaikowsky und Rachmaninoff.
Konzertauftritte führen ihn in die wichtigsten Musikzentren und zu den großen Orchestern Europas, der USA und Japans. Er konzertiert mit Orchestern wie den Münchner Philharmonikern, der Academy of St Martin in the Fields, dem Leipziger Gewandhausorchester, der Staatskapelle Dresden, den Wiener Symphonikern, der Tschechischen Philharmonie Prag und dem Mozarteum Orchester Salzburg. Neben regelmäßigen Auftritten auf den großen deutschen Konzertpodien gastiert er zudem in der Sumida Triphony Hall in Tokio, dem Seoul Arts Center, dem National Center of Performing Arts in Peking, im Wiener Konzerthaus und Musikverein, der Tonhalle Zürich, dem Concertgebouw Amsterdam und vielen weiteren international renommierten Konzerthäusern. Bei den großen Festivals wie den Salzburger Festspielen, dem Rheingau Musik Festival, dem Schleswig Holstein Musik Festival, Lockenhaus Festival, der Schubertiade in Schwarzenberg und Hohenems und dem Menuhin Festival Gstaad ist er regelmäßig zu Gast.
Martin Stadtfeld nimmt exklusiv für Sony Classical auf. Den furiosen Auftakt zu seinen zahlreichen Einspielungen machte 2003 seine CD mit J.S. Bachs "Goldberg-Variationen", die in der Presse höchste Beachtung fand und zu seinem ersten ECHO-Klassik-Preis als "Nachwuchskünstler des Jahres" führte. Auch für seine zweite CD "Bach Pur" erhielt er ein Jahr später den ECHO für die "Solistische Einspielung des Jahres". Martin Stadtfelds Einspielung von Bachs Klavierkonzerten wurde 2007 mit seinem dritten ECHO-Klassik-Preis in der Kategorie "Die Konzerteinspielung des Jahres" ausgezeichnet. Seine CD mit zwei der großen Sonaten des Spätwerks von Franz Schubert bekam den ECHO Klassik 2008 als "Beste Soloeinspielung (19. Jahrhundert)" verliehen. Es folgte Buch I des "Wohltemperierten Klaviers" von Bach, das Album "Der junge Beethoven", die CD "Deutsche Romantik", die Einspielung dreier Klavierkonzerte von Bach mit dem Philharmonischen Kammerorchester München sowie ein Live-Mitschnitt von Mendelssohns Klavierkonzerts Nr. 1 mit der Academy of St. Martin in the Fields unter Sir Neville Marriner vom Rheingau Musik Festival 2012. Auf seiner neuen CD hat Martin Stadtfeld die Englischen Suiten Nr. 1-3 von Bach eingespielt.
Ein großes Anliegen des Künstlers ist es darüber hinaus, Kindern und Jugendlichen in Schulen den Zugang zur klassischen Musik zu ermöglichen. So spricht Martin Stadtfeld bei regelmäßigen Schulbesuchen mit Schülern über seine Arbeit als Pianist, stellt ihnen die Musik vor und vermittelt so außerhalb des Konzertlebens auf eine unmittelbare persönliche Art die Begeisterung für klassische Musik.

 

David Stern

Originaire de New York, David Stern fonde son expression artistique tant dans l'usage des instruments modernes que d'époque. Il dirige la musique baroque avec la même intensité que le répertoire plus récent, gardant toujours une sensibilité particulière aux subtilités et aux articulations que la musique baroque fait découvrir. Avec ses programmes créatifs et innovants, il gagne en Europe et en Amérique la réputation d'un artiste dont les projets sortent des chemins battus.

Cette saison, Stern a obtenu un grand succès dans ses débuts au English National Opera (La Flûte enchantée dans une production avec Toby Spence et Janice Watson), avec Händel et Haydn, à Boston, où il est immédiatement réinvité, avec l'Orchestre symphonique de St-Gall et avec la Philharmonie de Varsovie Orchestra : Il poursuit sa collaboration avec plusieurs ensembles de renom.

Depuis 2001, quand Stern a commencé sa carrière au Festival de Gstaad, avec une version concertante du Mariage de Figaro produite par et avec Barbara Bonney, il a travaillé régulièrement, chaque saison, avec l'Orchestre de chambre de Bâle.

 

Emmanuel Strosser

Né à Strasbourg, Emmanuel STROSSER débute ses études musicales, dans sa ville natale, à l’âge de 6 ans, auprès d'Hélène Boschi. Il entre ensuite au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris où il suit l'enseignement de Jean-Claude Pennetier (piano) et Christian Ivaldi (musique de chambre). Il est couronné, dans ces deux disciplines, par des premiers prix à l'unanimité avant d'entrer en cycle de perfectionnement où il suit les cours de Leon Fleisher, Dimitri Bashkirov et Maria Joao Pires. Lauréat du concours international de musique de chambre de Florence, il est aussi finaliste, en 1991, du concours Clara Haskil et joue ainsi avec l'Orchestre de Chambre de Lausanne. Il est, par ailleurs, assistant de la classe d'Alain Planès au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris.

La connivence entretenue avec ses partenaires de musique de chambre, sa compréhension des textes en font un interprète recherché par ses pairs : Claire Désert, Christian Ivaldi, Jean-François Heisser, Régis Pasquier, Raphaël Oleg, Vladimir Mendelssohn, François Leleux, le Quatuor Prazak, le Quatuor Artis ...

Il se produit régulièrement en soliste, en récital ou avec orchestre (Philharmonique de Radio-France, Ensemble Orchestral de Paris, Orchestre de Picardie, Orchestre de Chambre de Toulouse, Orchestre de Lille, Orchestre de Montpellier ...). Il est aussi invité dans les plus prestigieux festivals comme le Festival de l'Epau, de Sceaux, la Roque d'Anthéron, le Festival de Prades, de Kuhmo ...

Il a participé à de nombreux enregistrements, tous salués par la critique, notamment son disque consacré à Mozart, paru sous le label Harmonia Mundi.

Il a enregistré les Mélodies de Debussy avec Véronique Dietschy, ainsi que les deux quintettes de Fauré avec le Quatuor Rosamonde. Ces dernières années sont parues chez Assaï les trois sonates de l'op. 10 de Beethoven pour lesquelles il a obtenu «Choc» du Monde de la Musique, ainsi que la Ballade et la Fantaisie de Gabriel Fauré avec l'Orchestre de Picardie, sous la direction d'Edmon Colomer. Il a plus récemment enregistré les sonates de Fauré et de Debussy pour violon et piano avec le violoniste Régis Pasquier.

Il a participé au projet de René Martin qui a consisté à donner, dans de nombreux pays, l'intégrale des Sonates de Beethoven avec cinq autres pianistes, ainsi que l'intégrale de la musique de Schumann pour piano.

En 2006, outre les concerts en Europe, Emmanuel Strosser s'est produit au Mexique, en Amérique du Sud, au Japon et en Corée. Cet automne, il a donné également deux concerts à Washington.

En 2007, paraîtra chez Mirare son enregistrement d'oeuvres de Schubert.

Nous tenons à profondément remercier Emmanuel Strosser pour avoir remplacé au pied levé Frank Braley, malade pour cette occasion.

 

Gyula Stuller

Diplômé de Guildhall School of Music and Drama (classe de György Pauk) et de l'Académie Franz Liszt de Budapest, où il étudie auprès de Ferenc Halàsz, le violoniste Gyula Stuller se perfectionne auprès de Nathan Milstein, Sàndor Végh, Lòrànt Fenyves et Tibor Varga. Lauréat de plusieurs concours internationaux - parmi lesquels les concours Joseph Szigeti à Budapest et Rodolpho Lipizer à Gorizia - il devient l'assistant de Tibor Varga à Sion en 1986 à la suite du 1er Prix décroché lors du concours qui porte son nom.

En 1990, il est nommé 1er violon solo de l'Orchestre de Chambre de Lausanne.

Gyula Stuller enseigne le violon au niveau professionnel depuis 1996, d'abord sous l'égide du Conservatoire de Fribourg, puis (depuis 2008) sous la bannière de la Haute Ecole de Musique de Lausanne (HEMU), où il est responsable du département des cordes. De 2002 à 2007, il a également été professeur au Conservatoire Supérieur et Académie de Musique Tibor Varga de Sion.

Gyula Stuller donne régulièrement des masterclasses en Suisse, en Hongrie et au Venezuela. Depuis 2007, il est directeur artistique de l'Académie Musicale de Morges.

Actif comme soliste, il est également très engagé dans le domaine de la musique de chambre; il est membre fondateur notamment en 2008 du Quatuor Dohnányi aux côtés de la violoniste Nancy Benda, de l'altiste Yukari Shimanuki et du violoncelliste Niall Brown.

 

Christophe Sturzenegger

Musicien né à Genève, Christophe Sturzenegger est titulaire de plusieurs Prix de conservatoires supérieurs (cor, piano, solfège, harmonie).

En tant que corniste, il a étudié avec Gregory Cass et Bruno Schneider.

En tant que pianiste, il a étudié avec Elisabeth Athanassova et Marc Pantillon et a reçu les encouragements de grands pédagogues comme Sebok, Badura-Skoda ou encore Starkmann.

Il se produit régulièrement en soliste avec orchestre, en récital et en musique de chambre (notamment le Duo Sforzando).

En tant que compositeur, Christophe Sturzenegger est édité chez Woodbrass-music et compte une quinzaine d'oeuvres à son catalogue.

 

Nathalie  Stutzmann

C'est tout d'abord avec sa mère, la soprano lyrique Christiane Stutzmann, que Nathalie Stutzmann, étudie le chant. Puis à l'Ecole Lyrique de l'Opéra de Paris, elle se perfectionne dans la classe de Lied du baryton Hans Hotter. Elle est également une pianiste, bassoniste et chambriste accomplie. Considérée comme une des plus grandes voix et talent musical de notre époque, Nathalie Stutzmann travaille avec Riccardo Chailly, Christoph von Dohnanyi, Sir John Eliot Gardiner, Seiji Ozawa, Sir Simon Rattle ... invitée, par exemple, de la Dresden Staatskapelle, du Boston Symphony Orchestra, du Cleveland Symphony Orchestra, de l'Orchestre de Paris, du London Symphony Orchestra, du Concertgebouw Orkest... pour chanter un répertoire qui s'étend des passions et des grands oratorios des périodes baroque, classique et romantique aux oeuvres du 20e siècle.

Nathalie Stutzmann est particulièrement appréciée comme interprète du Lied allemand et de la mélodie française. Une collaboration intense la lie depuis 1994 à la pianiste suédoise Inger Södergren. Elles donnent des concerts régulièrement à Berlin, Bruxelles, Madrid, New York, Paris, Londres, Milan et Florence, Amsterdam, Lisbonne, Genève, et ses tournées l'amènent au Japon, aux Etats Unis et en Amérique du Sud. En compagnie d'Inger Södergren, elle a déjà enregistré, chez Calliope, deux des trois grands cycles de Lieder de Schubert : "Winterreise" puis "Schwanengesang". Dans un proche avenir suivra "Die schöne Müllerin». Une autre de ses récentes nouveautés discographiques est "l' Elias" de Mendelssohn, sous la direction d'Herbert Blomstedt à la tête du Gewandhaus de Leipzig, publiée par Sony-BMG.

Nathalie Stutzmann a enregistré plus de 70 titres, dont une grande partie par RCA, sa maison de disques depuis 1991, mais également par Philips, EMI, DGG ou Sony. On retiendra plus particulièrement les Lieder de Schumann en 5 volumes, des mélodies de Chausson et Poulenc chez RCA, la Symphonie n° 2 de Mahler dirigée par Seiji Ozawa chez Sony - qui lui ont valu de nombreuses distinctions telles que la Deutsche Schallplatten Kritik, un Diapason d'Or, le Japan Record Academy Award ou un Grammy Award.

A l'opéra, Nathalie Stutzmann incarne les premiers rôles des grands opéras de Haendel : Jules César, Radamisto, Disinganno (Il Trionfo del Tempo), mais aussi Orphée (Orphée et Eurydice de Gluck), ou encore Ombra felice (Pasticcio de Mozart), une création au Festival de Salzbourg.

Au cours de l'été 2006 passé principalement au Japon en tournée aux côtés de Seiji Ozawa dirigeant tout d'abord son nouvel orchestre, le Ongaku-Juku Orchestra pour la symphonie n° 2 dite "Résurrection" de Mahler, puis son orchestre du Saito Kinen Festival pour "l'Elias" de Mendelssohn en version scénique, Nathalie Stutzmann a donné, toujours au Japon, une série de récitals avec "Schwanengesang" au programme, toujours accompagnée par Inger Södergren.

Au cours de ce même été 2006, Nathalie Stutzmann a fait ses débuts au Festival de Tanglewood, Seiji Ozawa dirigeant le Boston Symphony Orchestra dans la symphonie n° 2 dite "Résurrection" de Mahler. Durant la saison 2006-2007, Nathalie Stutzmann sera présente sur les principales scènes de concerts européennes, en récital (Séville, Bordeaux, Paris, Amsterdam, mais aussi en Turquie), ou avec orchestre, par exemple à Florence au Teatro Comunale pour une reprise de la production d'"Elias" dirigée par Seiji Ozawa, avec Fabio Biondi dirigeant l'Orchestre de Chambre de Lausanne ou à la tête de son ensemble Europa Galante, ou encore en tournée en Espagne et en France avec les Musiciens du Louvre et Marc Minkovski (Messe en si mineur de Bach et "Il Trionfo del tempo e del Disinganno" de Haendel).

Nathalie Stutzmann donne, par ailleurs, régulièrement des cours d'interprétation à travers le monde. Nathalie Stutzmann est Chevalier des Arts et Lettres.

 

Máté Szücs

Máté Szücs est né en 1978 à Debrecen en Hongrie de parents musiciens. Il débute l'étude du violon à l'âge de 5 ans avec Zs. Szesztay puis avec Ferenc Szecsödi. Sous l'impulsion de Ervin Schiffer (Bruxelles-Amsterdam), il entame ensuite des études d'alto, obtenant son diplôme avec distinction au Conservatoire Royal de Bruxelles.

De 1998 à 2001, il est reçu comme pensionnaire à la «Chapelle Musicale Reine Elisabeth de Belgique» (Waterloo) dont il sort gradué avec la plus haute récompense. Il se perfectionne jusqu'en 2005 chez Prof. Leo De Neve au Conservatoire Royal d'Anvers.

Máté Szücs est lauréat de nombreux concours nationaux et internationaux. Il a participé en tant qu'alto-solo à différents ensembles de musique de chambre et orchestres.

Il est actuellement alto-solo de l'Orchestre symphonique de la Radio de Hesse à Francfort-sur-le-Main et à la Kammerphilharmonie allemande à Brême.

Il enseigne à la HEM de Saarbrücken et poursuite une carrière de soliste et de musique de chambre dans l'Europe entière.

 

Máté Szücs kam 1978 in Debrecen, Ungarn, in einer musikalischen Familie zur Welt. Er begann mit 5 Jahren Geige zu spielen, bei Zs. Szesztay und schloss bei Professor Ferenc Szecsôdi am Konservatorium in Szeged (Ungarn) ab.

Ab 1996 studierte er Bratsche bei Prof. Ervin Schiffer am Königlichen Konservatorium von Brüssel.

1998 setzte Máté Szücs seine Bratschenstudium bei der Chapelle Musicale Reine Elisabeth bei Ervin Schiffer in Waterloo fort und absolvierte 2001 sein Diplom mit Auszeichnung.

Von 2000 bis 2005 studierte er bei Prof. Leo De Neve am Königlichen Konservatorium von Antwerpen und beendete auch hier seine Studium mit Auszeichnung.

Máté Szücs gewann viele Preise bei verschiedenen nationalen und internationalen Wettbewerben und nahm in verschieden Kammermusik-Ensembles und Orchestrern als Solo-Bratschist teil.

Seit Mai 2007 ist er Solo-Bratscher beim Sinfonieorchester des Hessischen Rundfunk in Frankfurt am Main und ab September auch bei der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen.

Er unterrichtet er an der Musikhochschule Saarbrücken und konzertiert als Solist und Kammermusiker europaweit.

 

Michel Tabachnik

Depuis la saison 2008-2009, Michel Tabachnik joue un rôle déterminant comme directeur musical du Brussels Philharmonic. Avec cet orchestre, il combine des programmes créatifs qui associent le répertoire traditionnel aux œuvres du XXe siècle, montrant qu’aucun fossé ne sépare les musiques d’hier et d’aujourd’hui. Michel Tabachnik a étudié le piano, la composition et la direction d’orchestre à Genève. Ses études à peine terminées, il est remarqué par plusieurs grands chefs d’orchestre qui lui ont témoigné un précieux soutien. Il fut d’abord l’assistant de Igor Markevitch à l’Orchestre de la Radio-Télévision Espagnole à Madrid puis, pendant quatre ans, celui de Pierre Boulez, principalement auprès du BBC Symphony Orchestra à Londres. Herbert von Karajan ensuite l’invita à diriger ses Berliner Philharmoniker pendant de nombreuses années. Très proche de Stockhausen, Berio, Ligeti et Messiaen, il a dirigé de nombreuses premières mondiales, en particulier une vingtaine d’œuvres de Iannis Xenakis, qui le considérait comme son interprète favori. Michel Tabachnik a été le chef d’orchestre titulaire de l’orchestre de la Fondation Gulbenkian à Lisbonne, de l’Orchestre Philharmonique de Lorraine et de l’Ensemble InterContemporain à Paris. Des collaborations avec les Berliner Philharmoniker, le Koninklijk Concertgebouworkest, le Tokyo NHK, l’Orchestre de Paris et des festivals, comme ceux de Lucerne, Salzbourg, Aix-en-Provence, le Printemps de Prague, le Septembre Musical de Montreux, les Berliner Festwochen, viennent enrichir son impressionnant curriculum vitae.

 

Anu Tali

Dirigentin und Künstlerische Leiterin des Estnisch-Finnischen Sinfonieorchesters

Anu Tali (geb. 1972) gehört zu jener Generation junger Dirigenten, die nach neuen Wegen und einer eigenen Positionierung in der Welt der Musik sucht. Sie begann ihre musikalische Ausbildung als Pianistin, besuchte das Musische Gymnasium in Tallinn, machte dort 1991 ihren Schulabschluss und studierte anschliessend Dirigieren an der Estnischen Musikakademie bei Prof. Kuno Areng, Dr. Toomas Kapten und Prof. Roman Matsow. 1995 machte sie dort ihr Diplom. Von 1998 bis 2000 studierte sie am St. Petersburger Staatlichen Konservatorium bei Prof. Ilya Mussin und später bei Leonid Kortchmar. Seit 1995 nimmt sie regelmässig an Prof. Jorma Panulas Meisterkursen an der Sibelius-Akademie in Helsinki und Moskau teil.

1997 gründete Anu Tali das Estnisch-Finnische Sinfonieorchester, dessen Künstlerische Leiterin und Dirigentin sie seitdem ist. Ausserdem dirigiert sie regelmässig das Nationale Estnische Sinfonieorchester und war Gastdirigentin in Finnland, in Lettland, in der Slowakei, in Russland, in Osterreich, in Schweden, in Japan und in Deutschland.

 

Muhai Tang

© Alberto Venzago

Muhai TANG

Le chef d’orchestre chinois Muhai Tang - établi en Europe depuis des décennies - a ouvert de manière brillante comme un pont musical entre Orient et Occident. Après l'ouverture de la Chine, il a été envoyé comme premier chef chinois étudier à l'Ouest ; à la Haute Ecole de musique de Munich, la composition et la direction d'orchestre.

À l'invitation de Herbert von Karajan, il dirigea la première fois en 1983 les Berliner Philharmoniker. Le succès exceptionnel l’a ensuite conduit à de nombreux engagements avec d'autres orchestres tels que la Staatskapelle de Dresde, l’orchestre du Gewandhaus de Leipzig, l'Orchestre symphonique de la Radio bavaroise Munich, le London Philharmonic Orchestra, l'Orchestre de Paris, l’Orchestre National de France, l’Orchestre symphonique de San Francisco, Sydney Symphony Orchestra, et d’autres

En 1987, Muhai Tang devint chef titulaire de l'Orchestre Gulbenkian de Lisbonne, dont il fit croître en douze ans la réputation par de nombreuses tournées internationales et des enregistrements CD.

Autres étapes de sa carrière : le Queensland Symphony Orchestra Brisbane, dont il a été nommé en 2005 chef honoraire ; le Royal Philharmonic Orchestra de Flandre, l'Orchestre symphonique national de Chine et l'Opéra national de Finlande à Helsinki (de 2002 à 2006).

 Jusqu’en 2011, Muhai Tang fut chef de l'Orchestre de chambre de Zurich, avec qui il cultiva (comme il dit lui-même) sa "grande passion pour les œuvres symphoniques de Joseph Haydn»; les programmes Haydn à la Tonhalle de Zurich connurent l’enthousiasme éclatant du public et de la presse.

 En 2010 Muhai Tang devint chef d'orchestre titulaire de la célèbre Philharmonie de Belgrade (le meilleur orchestre de l'ex-Yougoslavie). Dans sa terre natale, il exerce comme directeur artistique de l'Opéra de Tianjin, et chef d'orchestre principal de l'Orchestre symphonique de Tianjin, à l'Orchestre philharmonique de Shanghai, directeur artistique du Zhejiang ainsi que de l'Orchestre symphonique de Henan.

 Comme chef d'opéra, Muhai Tang cultive un vaste répertoire, de Puccini à Stravinsky. À l'Opéra de Zurich, il s'est par exemple distingué ces derniers temps dans Rossini (La Cenerentola, le Comte Ory et Otello).

 Le répertoire de Muhai Tang va du baroque à la musique des époques classique, romantique et modernes ; il contribue volontiers à faire connaître des œuvres de compositeurs chinois.

 Dans le domaine de ses nombreux enregistrements de toutes sortes, relevons une des plus récentes productions, celle d’un DVD d’airs d'opéra avec Cecilia Bartoli.

 

2013/14

 

Jacques Tchamkerten

Jacques Tchamkerten est né à Genève en 1960. Après avoir travaillé l'orgue avec Pierre Segond au Conservatoire de Genève, il entreprend l'étude des Ondes Martenot auprès de Jeanne Loriod, dans la classe de qui il obtient une médaille d'or à l'unanimité au Conservatoire de Saint-Maur (France) en 1986. Depuis lors, il s'est produit dans une dizaine de pays européens, tant avec orchestre qu'en formation de musique de chambre.

Il a également fait partie, de 1990 à 1996, du Sextuor Jeanne Loriod, ensemble de six ondes Martenot.

Outre ses activités d'instrumentiste, Jacques Tchamkerten a publié divers travaux sur la musique en Suisse romande au début du XXème siècle, consacrés notamment à Emile Jaques-Dalcroze et à Ernest Bloch, et à écrit plusieurs articles sur des compositeurs français pour la nouvelle édition du New Grove Dictionnary.

Il est, par ailleurs, responsable de la Bibliothèque du Conservatoire de Musique de Genève.

 

Jean-Yves Thibaudet

Le pianiste Jean-Yves Thibaudet continue à enthousiasmer le public du monde entier avec son style élégant, les couleurs profondes de son jeu et une technique brillante. Ses interprétations mêlent une virtuosité magistrale à une expressivité poétique et lyrique, avec lesquelles il s'approprie l'oeuvre du compositeur. Il est recherché par les orchestres, chefs d'orchestres, festivals et autres musiciens pour sa souplesse et sa sensibilité artistique, également prolifique au concert comme au disque.

Suite aux concerts aux festivals de Sole, Aspen, Saratoga, et Tanglewood, Jean-Yves Thibaudet débute la saison 2010/11 avec le Royal Philharmonic Orchestra sous la direction de Charles Dutoit.

Jean-Yves Thibaudet enregistre en exclusivité pour Decca, qui a sorti plus de 40 de ses albums. Son enregistrement Gershwin comprend Rhapsody in Blue dans une orchestration pour «big jazz band », des variations sur le thème deI got Rhythm, et le concerto en fa avec le Baltimore Symphony sous la baguette de Marin Alsop, en live. Son enregistrement Saint-Saëns, Piano concertos Nos. 2&5 avec l'Orchestre de la Suisse Romande, est sorti à l'automne 2007. Ce disque présente des transcriptions d'airs d'opéra de Saint-Saëns, Strauss, Gluck, Korngold, Bellini, J. Strauss II, Puccini, Mikhashoff, Sgambati, Brassin et de Jean-Yves Thibaudet lui-même. Parmi ses autres enregistrements figurent L'Oeuvre complète pour piano de Satie, et Réflexions sur Duke, dans lequel Jean-Yves Thibaudet joue la musique de Duke Elligton et Conversations avec Bill Evans en hommage aux deux grands noms de l'histoire du Jazz.

Jean-Yves Thibaudet est né à Lyon en France, où il débute l'étude du piano à l'âge de cinq ans et fait sa première apparition en public à l'âge de sept ans. A douze ans, il entre au Conservatoire de Paris où il étudie avec Aldo Ciccolini et Lucette Descaves, une amie et collaboratrice de Ravel. A quinze ans, il gagne le Premier Prix du Conservatoire.

 

André Thomet

André Thomet est né à Berne en 1961. Études de piano au Conservatoire de Berne chez Michael Studer, où il a acquis son diplôme d'instruction, et chez Erika Radermacher. Diplôme de soliste en 1990. Une bourse de la fondation «Marianne et Curt Dienemann Lucerne» lui a permis un séjour d'étude de deux ans dans la classe de maître de Germaine Mounier à l’École Normale de Musique Alfred Cortot à Paris, et à Salzbourg.

Il se consacre, depuis lors, à son activité de soliste et de musicien de chambre, surtout en duo (violon, duo de pianos avec Susanne Huber), trio et accompagnement de Lied.

Nombreux enregistrements sur CD, à la radio et à la télévision. Depuis 2002, il est le pianiste du célèbre ensemble "I Salonisti" avec une activité de concert internationale.

 

Töbi  Tobler

In den frühen 70er-Jahren, zu einer Zeit, in der das Hackbrett in der Schweiz nur noch selten gespielt wurde, fing Töbi Tobler an, damit zu experimentieren. Die Suche nach einer persönlichen Sprache war für ihn von Anfang an ein Grund und ein Bedürfnis, Musik zu machen.

Durch die Erfahrung unzähliger Konzerte mit Eigenkompositionen, freier Improvisation und traditioneller Appenzellermusik und ist es Töbi Tobler gelungen, zu einem eigenen Stil auf seinem Instrument zu finden. Heute kennt man ihn als vielseitigen Hackbrettler, der sich und den Klang seines Instrumentes in die verschiedensten Formationen einbrachte und -bringt, so unter anderen bei Toblermit, Appenzeller Space Schöttl, Neues Appenzeller Quintett, Sternmotor oder Max Lässers Überlandorchester.

Daneben tritt Töbi Tobler mit dem Appenzeller Hackbrett und seiner Stimme immer wieder solo auf und beschäftigt sich neuerdings auch mit klassischer Musik.

 

Stefan Tönz

Né en 1972, le violoniste Stefan Tönz a tout d'abord vécu à Vienne, puis à Zurich. Durant ses études, il a bénéficié des conseils de Françoise et Sandor Zöldy (membre du légendaire Quatuor Végh), Valery Klimov, Herman Krebbers et Nathan Milstein.

Après des succès à divers concours, à Genève (CIEM), Florence et Vienne, il a entrepris une carrière internationale de concerts qui l’a amené à jouer avec des orchestres de renom, tels l’Academy of St. Martin-in-the-Fields, l’orchestre de la Tonhalle de Zurich, l’orchestre de la Radiodiffusion de Berlin ou l’orchestre de la RAI de Turin, ainsi qu’avec des chefs d’orchestre aussi célèbres que Sir Neville Marriner, Eliahu Inbal ou Kurt Masur.

 

Łukasz Trepczyński

Né le 21 avril 1985, Łukasz Trepczyński a commencé le piano à l'âge de 5 ans à la "Karol Szymanowski Academy of Music" de Katowice dans la classe du Professeur Andrzej Jasiński. Il est lauréat de plusieurs compétitions nationales et internationales : 4e prix du Concours National de Piano "EPTA" à Cracovie (2000); 2e prix du Concours de Piano "Władysław Kendra" à Łódź (2002); 5e prix du Concours National de Piano Chopin pour les candidats au Concours International de Piano Chopin à Varsovie (2006); demi-finaliste et prix spécial pour le meilleur concourant polonais au 7e Concours International I.J. Paderewski à Bydgoszcz (2007); 2e prix au Concours de Piano "Yamaha" (Fondation Européenne de Musique Yamaha, bourse à Gdańsk en 2008); 2e prix au 7e Concours International de Piano Chopin à Marianske Lazne (République Tchèque) (2008).

Il a reçu une bourse du Fond d'Assistance Jolanta et Aleksander Kwaśniewski pour les Jeunes Talents, une autre de l'"Academy of Philantrophy Development", du Fond National pour les Enfants, du Fond pour les Initiatives Culturelles de Radomsko, et du Ministère Polonais de la Culture.

Łukasz Trepczyński a donné des concerts dans de nombreuses villes, en Pologne, en Allemagne, en Italie, en Roumanie, en Russie, en Slovaquie, en Ukraine, entre autres. Il a également participé à nombre de masterclasses: John O'Conor, Jacques Rouvier, Lee Kum Sing, Vladimir Krainev, Daejin Kim, Dang Thai Son et Krystian Zimerman.

Nous tenons à remercier profondément Łukasz Trepczyński d'avoir remplacé au pied levé Wojciech Świtała, indisponible pour des raisons de santé.

 

 Trio à cordes Aristos

Szymon Krzeszowiec, violon,

Alexander Ollgaard, alto,

Jakob Kullberg, violoncelle

Après avoir gagné le Concours de musique de chambre de la Radio danoise en 2006, puis le 4e Concours Max Reger à Sondershausen, en Allemagne, le Trio Aristos devient très demandé comme ensemble de chambre. Il fait ses débuts lors du 13e Festival international Strings Only en Croatie.

Chacun de ses membres est non seulement musicien de chambre éprouvé, mais déploie aussi une activité internationale de soliste, réunissant par là son individualité et sa capacité à se fondre dans un trio. Le Trio Aristos partage ses intérêts entre les répertoires classique et contemporain. Il collabore étroitement avec le compositeur danois Per Norgard qui lui a dédié son Trio à cordes.

Le nom du Trio Aristos provient du titre de l'oeuvre philosophique «The Aristos» de l'auteur britannique John Fowles. Le mot grec aristos, tel que retenu par Fowles, suggère la quête individuelle pour l'accomplissement de ce qui est le meilleur dans toute situation, quelque chose qui réside au plus profond de chacun.

 

 Trio Nota Bene

Le trio suisse NOTA BENE est formé du pianiste Lionel Monnet, du violoncelliste Xavier Pignat et du violoniste Julien Zufferey.

Après l’obtention d’une virtuosité de musique de chambre au Conservatoire de Lausanne, le groupe se perfectionne à Paris auprès du Trio Wanderer et suit les conseils de professeurs tels que Roberto Szidon, Menahem Pressler (Beaux-Arts Trio), Patrick Genet (Quatuor Sine Nomine), Christian Favre (Quatuor Schumann), Jean Balissat, Raphaël Wallfisch, Thomas Grossenbacher, Shmuel Ashkenasi (Quatuor Vermeer), Mauro Minguzzi, Christian Ivaldi, Claire Désert et Emmanuel Strosser.

Le Nota Bene accède à la finale du 11ème Concours International "Carlo Soliva" à Casale Monferrato (Italie), remporte le 1er Prix du Concours International de musique de chambre de Hellevoetsluis-Rotterdam (Hollande), reçoit le Prix Culturel d'Encouragement de l'Etat du Valais, décroche le 1er Prix à l'unanimité du jury au 28ème Concours pour Trio Instrumental - Prix Géraldine Whittaker à Neuchâtel, se distingue en remportant le Prix Philippe Chaignat (récompensant la qualité de sa prestation lors des Sommets Musicaux de Gstaad) et s'adjuge le Prix du Public à l'édition 2009 du Prix Zulawski-Ville de Chamonix. En 2011, la bourse trisannuelle MusiquePro lui est, en outre, décernée par l’Etat du Valais.

Le trio se produit au Festival Sine Nomine à Lausanne, aux Flâneries musicales de Champéry, au Festival des Haudères, au Festival d’Ernen, à la Tonhalle de Zurich, au Theater Basel, au studio Ernest Ansermet, à l’Auditorium du Conservatoire de Genève, au Musée d’Art et d’Histoire de Genève, à l’Octogone de Pully, à la Fondation Gianadda, au Festival International de la Roque d’Anthéron (France), à La Folle Journée de Nantes (France), au Concertgebouw d’Amsterdam (Hollande), au Festival de Hellevoetsluis (Hollande), au Teatro Sociale de Castiglione delle Stiviere (Italie), aux Zinettiadi de Vérone (Italie), ou encore au Festival D-Marin de Bodrum (Turquie) où les trois artistes apparaissent en solistes dans le Triple Concerto de Beethoven aux côtés du Dogus Youth Symphony Orchestra. A l’automne 2011, une tournée mène les trois musiciens au Recanati Hall de Tel Aviv, au Music Center de Jérusalem et à la Chamber Music Society de Haïfa.

Actif dans le domaine de la musique contemporaine, le trio Nota Bene crée régulièrement des œuvres de compositeurs suisses et étrangers : citons les premières des trios de Roberto Sierra, Marie-Christine Raboud, Jean-Luc Darbellay, Gregorio Zanon ou encore Alfred Zimmerlin. Leur interprétation live des « Nachtstudenstücke » de ce dernier compositeur - créés lors du Festival d’Ernen et répliqués au Theater Rigiblick de Zurich - est choisie par la commission artistique Migros pour figurer sur son CD-Sélection regroupant les plus belles créations de l’année 2013.

Le trio collabore avec des artistes de renom tels que Fabio di Càsola, Brigitte Fournier, Christoph Schiller, Shlomo Mintz, Nobuko Imai, Gérard Caussé, Silvia Simionescu, Pierre Amoyal, Ilya Gringolts ou encore Shmuel Ashkenasi.

Nota Bene a à son actif deux enregistrements parus sous le label Claves et chaleureusement salués par la critique. Le premier, «100% Russe», est dédié aux trios d’Arenski, Rachmaninov et Chostakovich; le second, «Swiss Perspective», est consacré aux compositeurs helvétiques J. Raff, A. Honegger, E. Bloch et F. Martin

 

 Trio Storioni

Wouter Vossen, violon, 

Marc Vossen, violoncelle, et 

Bart van der Roer, piano

Le Trio Storioni, fondé en 1995, doit son nom au violon Laurentius Storioni de Cremona (1794), joué par Wouter Vossen. Marc Vossen joue un violoncelle Giovanni Grancino de Milan (1700). Perfectionnant sans relâche leur jeu d'ensemble, le trio a travaillé avec des membres du Quatuor Emerson, du Quatuor Vermeer et avec l'Altenberg Trio de Vienne, ainsi qu'avec des célébrités comme Isaac Stern, Mstistlav Rostropovitch, Menahem Pressler et Ralph Kirshbaum.

Le Storioni Trio se produit régulièrement au Concertgebouw d'Amsterdam et dans les centres de musique les plus importants du monde, comme au Carnegie Hall (New York) et au Wigmore Hall (Londres ; quatrième saison consécutive). Le trio a fait des tournées en Belgique, en Inde, au Moyen Orient, au Japon et aux Etats-Unis.

Le Storioni Trio a un très large répertoire, allant de Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Brahms, Ravel, Chostakovitch jusqu'aux oeuvres des compositeurs modernes.

Depuis 1998 le Storioni Trio a édité cinq disques. Récemment leur disque Schubert (Trios 1 et 2, opus 99 et 100) a reçu des critiques très positives. Bientôt un disque entièrement dédié à l'oeuvre de Brahms paraîtra.

Les Storioni organisent leur propre festival de musique à Eindhoven. La 3e édition a eu lieu en janvier 2010.

 

Andrew Tyson

© Christian Schneider

Von BBC Radio 3 als „Poet am Klavier“ bezeichnet, präsentiert sich der 1985 geborene Amerikaner Andrew Tyson als neue bemerkenswerte Stimme in der Musikwelt. An der Schwelle zur Saison 2015/16 gewann er den 1. Preis beim Concours Géza Anda in Zürich. Zudem sprach ihm die Jury den Mozart-Preis zu. Mit der Interpretation von Chopins Klavierkonzert Nr. 1 in Begleitung des Tonhalle-Orchesters Zürich erspielte er sich auch den Publikumspreis.

 Tyson trat mit amerikanischen und europäischen Orchestern auf, wie den Sinfonieorchestern von Las Vegas, North Carolina, Edmonton, dem Orchestre de Chambre de Wallonie, dem Orchestre National de Belgique unter Marina Alsop, dem Hallé-Orchester unter Sir Mark Elder. Im Herbst 2015 stehen u.a. eine Russland-Tournee mit dem Kostroma Gubernski Sinfonieorchester und Gershwins Rhapsody in Blue sowie mit den Moskauer Virtuosi unter Vladimir Spivakov mit Mozarts Klavierkonzert KV 503 auf dem Programm.

 Seit Jahren ist Tyson in Klavierabenden und Festivals in Nord- und Mittelamerika sowie in zahlreichen Ländern Europas (u.a. Palais des Beaux-Arts in Brüssel, Zentrum Paul Klee in Bern, Sintra Festival, Art November in Moskau) zu hören.

 Seine Ausbildung begann er an der Universität von North Carolina bei Dr. Thomas Otten, später besuchte er das Curtis Institute of Music in der Klasse von Claude Frank. Seinen Master und das Solistendiplom holte er sich an der Juilliard School bei Robert McDonald.

 Preise gewann er ausserdem beim Gina Bachauer-Wettbewerb, beim Arthur Rubinstein-Wettbewerb, beim Leeds-Wettbewerb und beim Concours Reine Elisabeth in Brüssel. Seine vielgerühmten Debuts in New York und im Kennedy Center im Jahr 2013 verdankt er der Auszeichnung bei den Young Artists International Auditions 2011. Der Terence Judd-Preis im Rahmen des Leeds-Wettbewerbs wurde ihm durch das Hallé-Orchester und Sir Mark Elder verliehen; ein Preis, der Wiedereinladungen nach Hallé zur Folge hatte.

 In Verbindung mit seinem 1. Preis beim Concours Géza Anda sind unzählige Konzertauftritte geplant, u.a. mit dem Orchestra della Svizzera Italiana, dem Musikkollegium Winterthur, dem Tonhalle-Orchester Zürich, dem Argovia Philharmonic, dem SWR-Rundfunkorchester Stuttgart, dem Symphonischen Orchester St. Petersburg. Debuts wird er u.a. beim Lucerne Piano Festival, beim Kissinger Sommer, im Musikdorf Ernen und beim finnischen Joensuu-Festival geben. Auf Vermittlung von Steinway & Sons Hamburg wird der Bayerische Rundfunk mit Tyson im März 2016 eine Studio-Produktion von Mozarts Klavierkonzert KV 467 in Begleitung der Bamberger Symphoniker aufzeichnen.

 Als Duo-Partner tritt Andrew mit dem Cellisten Jeong-Hyoun Lee und dem Geiger Benjamin Beilman auf.

 2014 erschien beim Zig-Zag Territories Label seine erste CD mit Chopins “Préludes”.

 

Andrew Tyson bio-engl  

Hailed by BBC Radio 3 as “a real poet of the piano,” Andrew Tyson is emerging as a distinctive and important new musical voice. In summer 2015, he was awarded First Prize at the Géza Anda Competition in Zürich, as well as the Mozart and Audience Prizes. These victories result in performances of upwards of 100 concerts throughout Europe over the course of the next three years under the auspices of the Géza Anda Foundation.

He is a laureate of the Leeds International Piano Competition where he won the new Terence Judd-Hallé Orchestra Prize, awarded by the orchestra and conductor Sir Mark Elder resulting in several performances. Other concerto appearances include the Colorado Symphony, the Edmonton Symphony Orchestra, the Las Vegas Philharmonic, the National Orchestra of Belgium under Marin Alsop, and the Orchestra of St. Luke’s at Alice Tully Hall, amongst others. This season he makes his debut with the SWR Symphony Orchestra Stuttgart, returns to the North Carolina Symphony and appears in Russia performing Mozart’s Concerto no. 25 with the Moscow Virtuosi and Vladimir Spivakov.

In the US, Tyson has given recital performances in Boston, Miami, New York, and Washington, DC amongst others. In Europe he has appeared at the Zurich Tonhalle, Musiekzentrum de Bijloke Gent, the Brussels Palais des Beaux-Arts and the Filharmonia Narodowa in Poland, as well as concerts further afield in Azerbaijan, Estonia, Latvia, and Lithuania. As a chamber musician, Tyson appears in Europe with violinist Benjamin Beilman and cellist Jeong-Hyoun Lee in venues including the Auditorium du Louvre, Paris and London’s Wigmore Hall.

No stranger to the International festival scene, he has appeared at the Brevard Music Festival, the Brussels Piano Festival, the El Paso Chopin Music Festival, the International Festival of Arts “Art November” in Moscow, the Festival Cultural de Mayo in Guadalajara, Mexico, the Sintra Festival in Portugal, and last season he made his debut at the Dubrovnik Festival.

Tyson is represented on disc by the complete Chopin Preludes which was released in October 2014 on the Zig-Zag Territoires label to critical acclaim with further discs planned.

As winner of the Young Concert Artists International Auditions in 2011, Tyson was awarded YCA’s Paul A. Fish Memorial Prize and the John Browning Memorial Prize. In 2013 he was the Avery Fisher Career Grant recipient. He is a Laureate of the Queen Elisabeth Competition and won the Eastern Music Festival Competition at the age of 15. After early studies with Dr. Thomas Otten of the University of North Carolina, he attended the Curtis Institute of Music, where he worked with Claude Frank. He later earned his Master’s degree and Artist Diploma at The Juilliard School with Robert McDonald, where he won the Gina Bachauer Piano Competition and received the Arthur Rubinstein Prize in Piano.

 

Eugene Tzigane

In Tokio geboren und in Kalifornien aufgewachsen, etablierte sich der junge amerikanische Dirigent schnell als ein gefragter Künstler.

Nach Wettbewerbserfolgen erhielt er Einladungen zu führenden Orchestern in Polen und Deutschland.

2009 debütierte er an der Bayerischen Staatsoper.

Ein weiterer Höhepunkt war sein Engagement beim Polnischen Musikfestival 2008.

Eugene Tzigane studierte bei James DePreist an der Juilliard School in New York und beendete sein Studium bei Jorma Panula an der Königlichen Hochschule für Musik in Stockholm, wo er mit dem Franz Berwald-Preis ausgezeichnet wurde.

Ab der Saison 2010/11 ist Eugene Tzigane Chefdirigent der Nordwestdeutschen Philharmonie.

 

Mihaela Ursuleasa

Née en 1978, la pianiste roumaine Mihaela Ursuleasa a 16 ans lorsqu’elle remporte le Concours Clara Haskil. Elle bénéficie des conseils de Claudio Abbado, puis joue le Troisième Concerto de Beethoven sous sa direction à Vienne, ville où elle réside aujourd’hui. Elle partage son activité entre le concerto, le récital et la musique de chambre dont elle est une interprète passionnée. En 2005, elle a fait à Paris ses débuts avec l’Orchestre National de France, de même qu’avec Sir Colin Davis.

 

István Várdai

Elève de la prestigieuse Académie Franz Liszt de Budapest, István Várdai a étudié auprès de Lásló Mezó et se perfectionne aujourd'hui à Vienne avec Reinhard Latzko.

Lauréat de nombreuses compétitions, il a notamment remporté en 2007 le Troisième Prix ainsi qu'un Prix spécial au Concours Tchaïkovsky de Moscou. Précédemment, il avait été lauréat des Concours Feuermann à Berlin et de l'ARD à Munich. Il a suivi de nombreux cours de maître avec des artistes aussi renommés que Natalia Gutman, Tsuyoshi Tsutsumi, Natalia Shakovskaya, Janos Starker ou Frans Helmerson.

Il donne de nombreux concerts comme soliste, tant en Hongrie qu'à l'étranger avec des chefs de la renommée de Zoltán Kocis, Adam Fischer ou János Rolla. Il a joué les Variations Rococo de Tchaïkovsky lors d'une tounéne avec le Franz Liszt Chamber Orchestra en Hongrie, à Moscou, à Prague et à Londres. Avec Barnabás Kelemen et Jenó' Jandó, il a donné le Triple Concerto de Beethoven à Budapest et avec l'Orchestre Austro-Hongrois le Concerto en Ré de Haydn. En Récital, il a déjà joué en Hongrie, en Allemagne, au Japon, en Italie, en Angleterre et aux Pays-Bas.

 

Dénes Várjon

Le pianiste hongrois Dénes Várjon étudie de 1984 à 1991 à l'Académie Franz Liszt de Budapest auprès de Ferenc Rados, György Kurtag et Sándor Devich. Il achève ses études en 1991 et participe chaque année aux classes de maître internationales de András Schiff.

Depuis 1994, Dénes Várjon est assistant-professeur l'Académie Franz Liszt de Budapest.

En 1985, Dénes Várjon remporte un prix spécial au Concours de piano de la Radio Hongroise, le 1er Prix du Concours de Musique de chambre Leo-Weiner à Budapest ; en 1991, il est le lauréat du Concours Géza Anda à Zurich. A 25 ans, il fait ses débuts avec la Camerata Academica sous la direction de Sándor Végh au Festival de Salzbourg. D'autres engagements dans d'importants festivals internationaux suivent.

Comme soliste, il joue avec d'importants orchestres (Camerata Academica Salzbourg, Orchestre de Chambre de Vienne, Orchestre de Chambre Liszt de Budapest, Orchestre de Chambre de Munich, Camerata Bern, Tonhalle de Zurich, Orchestre National Hongrois, Orchestre National d'Athènes, Philharmonie du Rhin de Koblenz, Capitole de Toulouse, Orchestre Symphonique de la Radio Hongroise et Orchestre du Festival de Budapest.

Dans le cadre de la série de concert Solti fête Bartók, Dénes Várjon a joué au Barbican Center de Londres le Concerto pour deux pianos et percussion de Béla Bartók avec András Schiff, Evelyn Glennie et David Corkhill sous la direction artistique de Sir Georg Solti.

La musique de chambre joue un rôle important dans la vie musicale de Dénes Várjon. Parmi ses partenaires, citons Miklós Perényi, Boris Pergamenschikow, András Schiff, Radovan Vlatkovic, le Quatuor Carmina et le Quatuor Takács. Le pianiste est depuis 1996 membre fondateur du Trio Takács.

Parallèlement à de nombreux enregistrements radio, le jeune artiste a une discographie importante à son actif chez Naxos, Capriccio, Hungaroton et, pour Sony Classical, un disque live au Festival de Davos. En 1997, il a reçu du Gouvernement Hongrois le Prix Liszt.

 

Mojca Vedernjak

Die in Slowenien geborene Mezzosopranistin studierte Gesang bei Prof. Eva Novšak-Houšk (Ljubljana), Kurt Widmer (Konzertklasse Basel) und war auch Mitglied des Opernstudios Basel.

Im September 1997 war sie Finalistin am XII. Concours International de Chant de Verviers (B) und am 6. Internationalen Koloraturgesangswettbewerb S. Geszty in Luxembourg 1998 erhielt Mojca Verdernjak als Finalistin einen Förderpreis.

Mojca Vedernjak wirkt als freiberufliche Sängerin in verschiedenen Opern-, Lied- und Konzertproduktionen mit. Im Theater Biel war sie als Cherubino, Smeton und Rosina zu hören. Sie gastierte auch am Opernfestival OPUS Gattières (F) als Rosina und Cenerentola. Bei ihrer zweiten Einladung ans Rossini Opern Festival Rügen 97 wurde sie mit dem Putbus Stipendium "Gerd Zinser" ausgezeichnet. 1998 gastierte sie am Putbus Festival als Giannina in Spontinis Oper "Li puntigli delle donne". CD-Produktionen und verschiedene Radioaufnahme in Slowenien und der Schweiz.

 

Afonso Venturieri

Afonso Venturieri est né en 1960 à Belém, Brésil. Il commence ses études musicales dans son pays natal.

Bénéficiaire d'une bourse d'étude du gouvernement allemand, il entre dans la classe de Helman Jung à la Hochschule für Musik de Detmold où il passe l'examen de Künstlerische Reifeprüfung avec haute distinction en 1984. Il achève sa formation auprès de Milan Turkovic, à la célèbre Hochschule für Musik du Mozarteum de Salzbourg, et suit plusieurs masterclasses de Klaus Thunemann.

Après avoir été bassoniste à l'Ensemble Modern de Francfort, Afonso Venturieri est devenu membre de l'Orchestre de la Suisse Romande en 1987, où il occupe le poste de premier basson solo.

Il remporte en 1989 le Premier Prix du Concours International pour instruments à vent organisé par l'Union Suisse des Artistes Musiciens (USDAM).

L'activité de soliste et de chambriste d'Afonso Venturieri l'amène à jouer dans plusieurs pays européens et en Amérique du Sud, notamment avec les "Salzburg Chamber Soloists" et la Camerata Academica des Mozarteums Salzburg, ensembles avec lesquels il garde un contact régulier et précieux.

Dés l'automne 2002 il est professeur de basson - classes professionnelles - au Conservatoire de Musique de Genève.

Lien: Ensemble Fidelio

 

Mario Venzago

© Alberto Venzago

Mario Venzago vient d’une famille tessinoise d’origine vénitienne, mais avec des racines espagnoles. Son frère est le photographe et réalisateur zurichois Alberto Venzago. Né à Zurich, c’est à l’âge de cinq ans qu’il commence à apprendre le piano. Il poursuit ses études musicales de piano et de direction d’orchestre à l’École supérieure de musique et à l’Université de Zurich. Il est l’élève d’Erich Schmid, prédécesseur de Simon Rattle à la tête de l’Orchestre Symphonique de Birmingham. En début de carrière, il travaille également beaucoup comme pianiste, puis est engagé par la Radiotelevisione Svizzera Italiana. Venzago complète sa formation de chef d’orchestre à Vienne avec Hans Swarowsky et commence à diriger à Lugano. De 1986 à 1989, il est Generalmusikdirektor de la Ville de Heidelberg, puis Directeur de la Deutsche Kammerphilharmonie Bremen, de l’Opéra de Graz, de l’Orchestre Symphonique de Bâle, de l’Orchestre National Basque de San Sebastián, et de celui de Göteborg. De 2002 à 2009, Mario Venzago est Directeur musical de l’Indianapolis Symphony Orchestra. En 2010, il accepte la direction musicale de l’Orchestre Symphonique de Berne.

 

Boian Videnoff

Boian Videnoff, 1987 in einer bekannten Musikerfamilie geboren, wird zu den aufstrebenden Dirigenten seiner Generation gezählt. Im Jahre 2009 ruft er die Institution Mannheimer Philharmoniker ins Leben, deren künstlerische Leitung er übernimmt.

Schon im Alter von 18 Jahren debütiert er als Dirigent in Deutschland. Seitdem führen ihn diverse Engagements regelmäßig zu professionellen Orchestern und auf Konzertreisen durch Europa und Asien. Seine musikalische Begabung sorgt stets für besonderes Aufsehen und wird von Publikum und Presse hoch geschätzt. Sein Lehrer Jorma Panula bezeichnet ihn als "äußerst musikalisch", lobt seine "expressiven Hände" und das "gute Gedächtnis".

Er setzt seine Studien in Siena an der "Accademia Musicale Chigiana" in der Meisterklasse von Gianluigi Gelmetti fort, bedeutender italienischer Dirigent und ehemaliger Schüler von Sergiu Celibidache, Franco Ferrara und Hans Swarowsky. Diese intensive Ausbildung erweitert Boian Videnoff durch Assistenzarbeit für Maestro Gelmetti am "Teatro dell'Opera" in Rom. Zusätzlich führt er ein Klavierstudium an der Musikhochschule Mannheim in der Klasse von Prof. Rudolf Meister und Ok-He Lee.

Als ständiger Gastdirigent des "Varna Philharmonic Orchestra" fördert Boian Videnoff seit 2006 regelmäßig junge und aufstrebende Solisten verschiedenster Nationalitäten. Anlässlich einer Einladung der "Staatlichen Agentur für Kunst" in Shenyang/China stellte er im Jahre 2006 ein Sinfonieorchester aus über 50 Studenten deutscher Musikhochschulen und 16 verschiedener Nationen zusammen, welches er auf einer 14-tägigen Tournee durch China leitete. Die durchweg ausverkauften Konzerte wurden von diversen nationalen Rundfunk- und Fernsehanstalten aufgezeichnet und übertragen. Ihren Höhepunkt erreichte die Tournee beim traditionellen Neujahrskonzert vor 3000 Zuhörern im Liaoning Grand Theatre in Shenyang.

Im September 2008 wurde Boian Videnoff, von Gustavo Dudamel ausgewählt, das venezolanische "Simón Bolívar Youth Orchestra" mit Beethovens Fünfter Sinfonie zu leiten. Zudem hat er weitere Orchester wie: "I Pomeriggi Musicali di Milano", das "Sofia Festival Orchestra", das "Plovdiv Philharmonic Orchestra", das "Varna Philharmonic Orchestra", das "Staatliche Akademische Sinfonieorchester St. Petersburg", das "Mannheimer Ensemble" und das "Riegelsberger Kammerorchester", mit Werken von Bach, Mozart, Beethoven, Brahms, Mendelssohn, Tschaikowsky, Dvorák, Rossini, Martucci, Grieg, Reger, Sibelius, Debussy, Orkin, Strauss, Mahler und Schostakowitsch dirigiert.

Die multikulturellen Einflüsse seines familiären Hintergrunds und die dadurch bedingte Lebenserfahrung - geboren in Bulgarien, aufgewachsen in Italien und Deutschland, Besuch eines Deutsch-Französischen Gymnasiums - haben sowohl seine Persönlichkeit als auch sein künstlerisches Interpretationsvermögen stark geprägt.

 

Delphine Vincent

Delphine Vincent        Maître d'enseignement et de recherche, chercheure senior FNS

 

Domaines de recherche

Music and moving image (musique de film, opéra filmé, concert filmé)

Musique française (1850-1950)

Littérature pour flûte

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Stefan Vladar

Nachdem er 1985 als jüngster Teilnehmer und als erster Österreicher überhaupt den Ersten Preis beim «Internationalen Beethoven-Klavierwettbewerb» in seiner Heimatstadt Wien erspielte, stellte sich Stefan Vladar als äusserst vielseitiger Künstler vor, der sich ungern auf ein bestimmtes Repertoire festlegen lässt.

Seine internationale Karriere führte ihn in die wichtigsten Metropolen der Musikwelt rund um den Globus und zu den wichtigsten Musikfestivals.

Seine Partner waren unter vielen anderen renommierte Orchester wie die Wiener Philharmoniker, das Chicago Symphony Orchestra, die Academy of St. Martin in the fields, das Concertgebouworchester Amsterdam, die Rotterdamer Philharmoniker, das Bayrische Staatsorchester, das Tonhalleorchester Zürich, die Camerata Salzburg und das Chamber Orchestra of Europe.

Dabei musizierte er mit namhaften Dirigenten wie Claudio Abbado, Riccardo Chailly, Christoph von Dohnanyi, Vladimir Fedosejev, Rafael Frühbeck de Burgos, Daniel Harding, Christopher Hogwood, Louis Langrée, Sir Neville Marriner, Lord Yehudi Menuhin, Seiji Ozawa, Horst Stein, Christian Thielemann und Sándor Végh.

Schon bald sollte sich Vladars Wunsch erfüllen, die Grenzen des Klaviers zu überschreiten und ebenso als Dirigent grosser Orchester zu musizieren.

Auf einer ausgedehnten Japan-Tournee leitete er die Capella istropolitana, die schon bei CD-Aufnahmen als Pianist sein Partner gewesen war.

Seither arbeitete er als Dirigent u. a. mit den Wiener Symphonikern, dem Mozarteum Orchester Salzburg, dem Brucknerorchester Linz, dem Residenzorchester Den Haag, den Essener und Stuttgarter Philharmonikern, der Rheinischen und der Württembergischen Philharmonie, dem RSO Budapest, dem Dänischen Radiosymphonieorchester, dem Haydn Orchester Bozen, sowie den Kammerorchestern aus Prag, Köln, Zürich, Basel und Irland.

Eine besonders enge Zusammenarbeit ergab sich mit dem Wiener KammerOrchester und der Camerata Salzburg.

Grosse Solisten wie Tzimon Barto, Viktoria Mullova, Julian Rachlin, Heinrich Schiff, sowie Juliane Banse, Ian Bostridge, Nicolai Gedda, Angelika Kirchschlager, Bo Skovhus und Ramon Vargas waren dabei seine Partner.

Ab der Saison 2003/2004 war Stefan Vladar für drei Jahre Chefdirigent des Orchesters «Recreation- Grosses Orchester Graz», dem er auch jetzt noch als Gastdirigent verbunden ist.

Nach über 20 Tonträgern als Pianist erschien 2006 bei Harmonia Mundi eine CD mit Werken von W. A. Mozart, bei der er als Dirigent und Solist mit der Camerata Salzburg musiziert. In Kürze erscheint bei SONY eine CD mit orchestrierten Liedern von Schubert und Schumann mit Bo Skovhus, bei der Stefan Vladar das Dänische Radiosymphonieorchester dirigiert.

Im Mai 2008 wurde Stefan Vladar zum Chefdirigenten des Wiener KammerOrchesters ernannt.

Im Juni 2008 wird er die Wiener Symphoniker mit Bruckners 8. Symphonie in der Stiftskirche St. Florian leiten.

Für die kommende Saison sind Wiedereinladungen zu den Stuttgarter Philharmonikern, dem Mozarteum Orchester Salzburg, dem Tiroler Symphonieorchester, dem Noord Nederlands Orkest sowie dem Orkest van het Oosten geplant.

Nous tenons à remercier profondément Stefan Vladar d'avoir remplacé au pied levé Jeremy Menuhin, indisponible pour des raisons personnelles.

 

Alexei Volodin

Né en 1977 à Saint-Pétersbourg, il débute le piano à 9 ans, dans sa ville natale. En 1987, sa famille s’installe à Moscou où il étudie auprès de I. Chaklina, puis de T. Zelikman. En 1994, il est dans la classe de maître de Elisso Virsaladze, au Conservatoire de Moscou. Durant la saison 2001/2, il étudie à l’International Piano Fondation “Theo Lieven”, à Côme. Il remporte le Concurso Internacional Paloma O’Shea, à Santander, en 1998, l’Interntional Piano Competition of Australia, à Sydney, en 2000, et le Concorso Internazionale Ennio Porrino, à Cagliari, en 2001. Enfin, en juin 2003, il est le lauréat du 9e Concours Géza Anda, à Zurich. Grâce à cette dernière distinction, il est l’invité de plusieurs orchestres, les Wiener Philharmoniker, l’Orchestre d’État d’Athènes, la Tonhalle de Zurich, l’Orchestre Tchaïkovsky de Moscou et l’Orchestre Philharmonique de Belgrade. En 2003, paraît son premier CD avec des transcriptions de musiques de ballets de Tchaïkovsky et de Strawinsky.

 

Fabrizio  Von Arx

Il débute ses études de violon à l'âge de cinq ans à Naples, sa ville natale. Déjà à dix ans, il sort victorieux du concours Vittorio Veneto. Diplômé du Conservatoire de San Pietro a Majella de Naples, il entreprend des études à l'étranger.

Il obtient de prestigieuses reconnaissances, comme le diplôme de virtuosité de Genève (classé 1er) auprès de Corrado Romano, celui de Performer aux Etats-Unis dans la prestigieuse School of Music de l'Université d'Indiana à Bloomington auprès de Franco Gulli et Nelli Skolnikova. Il travaille à Berlin avec Ruggiero Ricci et à Cremona avec Salvatore Accardo.

Ses débuts, à l'âge de seize ans avec l'Orchestre de la RAI de Naples, le projettent vers une intense activité au niveau national et international. Il est depuis lors l'invité régulier des principales saisons de concerts, comme, par exemple, les Soirées Musicales de Milan, l'Association Scarlatti de Naples, l'Automne Musical de Côme, la Saison de Musique de Chambre de la Radio Suisse Romande, la Cité de la Musique de Paris, la Tonhalle de Zurich, ou la Musikhalle de Berlin. Au cours de sa carrière, il se produit comme soliste avec de prestigieux orchestres, dont l'Orchestre de Chambre de Prague, l'Orchestre de Padoue et de la Vénétie, les Solistes de Moscou, le Japan Royal Chamber Orchestra et l'Orchestre Symphonique de Zurich. Il joue sous la direction de chefs réputés, notamment Franco Petracchi, Alexander Vedernikov, Shunsaku Tsutsumi, Yuri Bashmet et Peter Maag. Il effectue des tournées aux Etats-Unis, en France, en Allemagne ou encore en Belgique. En 2005, il est la vedette d'une tournée triomphale en Chine aux côtés de Roberto Prosseda.

Ses débuts discographiques, avec les enregistrements de l'intégrale des compositions pour violon et piano de Serge Prokofiev, avec Antonio Valentino, ont reçu les plus grands éloges de la critique spécialisée. Le CD est produit sous le label Nuova Era de Turin. À souligner, dans le domaine de la musique de chambre, sa longue et durable collaboration avec Bruno Canino, avec lequel il a récemment enregistré les deux Sonates de Schumann sous le label Dynamic.

 

Sarah Wegener

La soprano britanno-allemande Sarah Wegener a étudié chez le Prof. Bernhard Jaeger-Böhm à Stuttgart. Ayant achevé ses études en 2006 avec distinction, elle s'est perfectionnée dans le domaine du lied avec Prof. Cornelis Witthoefft et a gagné en 2007 le 1er prix de lied en duo au Concours international Max Reger à Weiden.

Sa voix de "soprano d'argent straussienne" a été vite remarquée et sa carrière s'est développée sur le plan international, notamment dans des festivals : la Biennale de Salzburg, Bachfest à Leipzig, La folle journée de Nantes, De Singel à Anvers, Konzerthaus Berlin l'Opéra Garnier à Paris.

Le compositeur Georg Friedrich Haas a dédié à Sarah Wegener le cycle de lieder "...wie stille brannte das Licht" (2009) séduit par l'ampleur de sa tessiture et son talent exceptionnel pour l'intonation microtonale et spectrale.

 

Hanna Weinmeister

Née à Salzbourg, elle étudie avec Bruno Steinschaden au Mozarteum, puis avec Gerhard Schulz, au Conservatoire de Vienne, et enfin avec Zakhar Bron, au Conservatoire de Lübeck. Elle est lauréate de nombreux concours internationaux : Concours Mozart à Salzbourg, Concours Jacques Thibaud à Paris, Parkhouse Award, à Londres. Elle fait de la musique de chambre avec Gidon Kremer, Christian Tetzlaff, Alexander Lonquich, Eduard Brunner et Alexei Lubimov. Elle se produit régulièrement avec ses frère et soeur. En 1997-1998, elle est invitée dans la série “Étoiles montantes” de l’European Concert Hall, qui présente de jeunes artistes poursuivant une carrière internationale. Dès 1998, elle est premier violon solo de l’Opéra de Zurich. Elle joue un Stradivarius “Bennett” de 1692.

 

Yip Wing-sie

© Yvonne Chan

Yip Wing-sie (chinois : 葉詠詩 ; née en 1960 à Guangzhou, République populaire de Chine) est une chef d'orchestre hongkongaise. Elevée à Hong Kong, Yip a étudié au Royal College of Music à Londres, puis à l’Université d’Indiana à Bloomington USA, où elle a obtenu son master en violon et en direction d’orchestre.

Yip Wing-sie est actuellement directrice musical de  la Sinfonietta  de Hong Kong , depuis 2002.

Yip Wing-sie est lauréate du 35e concours international de jeunes chefs d'orchestre du Festival de musique de Besançon Franche-Comté (1985). Elle fut chef d'orchestre principal du Guangzhou Symphony Orchestra, et puis directrice musicale de 1997 à 2003 et chef d'orchestre résidente du Hong Kong Philharmonic Orchestra de 1986 à 2000.

En 2007, Yip Wing-sie reçut le Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres du Consul Général de France à Hong Kong le 5 octobre 2007 de la part du Ministère de la Culture, lors d'un concert fêtant l'anniversaire de la Sinfonietta

Yip Wing-sie est très demandée par les meilleurs orchestres en Asie. En Europe, elle a notamment dirigé l’Orchestre National du Capitol de Toulouse l’Orchestre de chambre de Besançon, la Philharmonie de Varsovie, L’Orchestre symphonique de Tenerife et l’Orchestre symphonique national tchèque de Košice. Elle a collaboré avec des solistes renommés comme  Augustin Dumay, Fou Ts’ong, Shlomo Mintz, Anne-Sophie Mutter, Itzhak Perlman et Pinchas Zukerman.

Avec la Sinfonietta  de Hong Kong , elle parcoure le monde entier et participe à de nombreux festivals

 

Mary Ellen Woodside

Mary Ellen Woodside, tant comme soliste qu'en musique de chambre, ou à son poste de chef de pupitre à la Tonhalle de Zurich, convainc par son jeu sensible et intense. Elle a étudié chez Charles Castleman à la Eastman School of Music Yfrah Neaman à la Guildhall School à Londres. Mary Ellen a été imprégnée également des riches expériences musicales vécues sous la direction d'artistes tels que Sándor Végh, Donald Weilerstein, Isaac Stern, András Schiff, György Kurtág, Robert Levin et Alfred Brendel.

Elle est une partenaire de musique de chambre très recherchée et a été invitée à de nombreux festivals internationaux comme les Concerts de Pâques d'Ittingen, Young Artists in Concert à Davos, International Musicians Seminar Prussia Cove et le Festival Menuhin à Gstaad.

Elle a notamment joué avec Joshua Bell, Heinz Holliger, Julian Bliss et Hélène Grimaud.

En soliste, elle s'est faite entendre en Suisse, en Allemagne et aux USA et a créé les concertos de violon de Aaron Jay Kernis et de Martin Derungs. Elle a enregistré en CD des oeuvres de Bohuslav Martinu et Robert Blum et on peut l'entendre fréquemment sur les ondes de Schweizer Radio DRS.

 

Ingolf  Wunder

© Patrick Walter / exklusiv DG

"A pianist who inhabits Chopin from the inside" Gramophone

Mit seinem Erfolg beim Chopin-Wettbewerb 2010 in Warschau hat Ingolf Wunder eindrucksvoll unter Beweis gestellt, dass er ein Chopin-Interpret allerersten Ranges ist. So erspielte sich der junge österreicher bei dem legendären Klavierwettbewerb nicht nur den 2. Preis, sondern auch mehrere Sonderpreise und den Publikumspreis. Nicht zuletzt löste die Juryentscheidung eine lebhafte öffentliche Debatte aus und sorgte weltweit für Aufmerksamkeit. Als Preisträger tritt der 25-Jährige in die Fussstapfen so bedeutender Pianisten wie Martha Argerich, Krystian Zimerman, Vladimir Ashkenazy, Mitsuko Uchida und Maurizio Pollini.

Highlights der Saison 2011/12 sind die Debüts mit dem Mozarteumorchester Salzburg, den Münchner Symphonikern, dem Wiener Kammerorchester und der Tapiola Sinfonietta. Zudem konzertiert er wiederholt mit den Philharmonikern in Krakau und Warschau. Er spielt Rezitale in den bedeutendsten Sälen Polens, im Konzerthaus Berlin, der Laeiszhalle Hamburg, im Musikverein Wien, der Tonhalle Zürich, im Rudolfinum Prag, in Moskau, Shanghai, Tokyo und zahlreichen weiteren Städten.

Bereits mit 14 Jahren debütierte Wunder im Schubertsaal des Wiener Konzerthauses. Zwei Jahre später spielte er im Pariser Théâtre des Champs-élysées mit dem Orchestre National de France Prokofieffs 3. Klavierkonzert. Konzerte und Soloauftritte führten ihn u.a. nach Lissabon, Madrid, Budapest, Vancouver, ins Mariinsky-Theater St. Petersburg, die Tonhalle Zürich, den Musikverein Wien und das Konzerthaus Berlin. Er war Gast bei so renommierten Festivals wie dem Internationalen Klavierfestival in La Roque d'Anthéron und dem Klavierfestival Ruhr. 2011 begleitete er die Warschauer Philharmoniker unter Antoni Wit als Solist auf einer Japantournee.

Seit Februar 2011 ist Ingolf Wunder Exklusivkünstler beim Label Deutsche Grammophon. Erstes Ergebnis dieser Zusammenarbeit ist eine CD mit Solowerken von Chopin, die bereits wenige Monate später veröffentlicht und von der Kritik mit grossem Lob bedacht wurde. 2006 erschien sein Debütalbum mit Chopin und Ravels Gaspard de la nuit (ORF).

Er ist Preisträger zahlreicher Wettbewerbe. So erhielt er unter anderem 1. Preise beim Steinway-Wettbewerb in Hamburg, bei "Prima la musica" im österreichischen Feldkirch und beim "Concours Musical de France" in Asti. 2001 nahm er am 36. Internationalen Liszt-Wettbewerb in Budapest teil und wurde mit dem Preis der Stadt Budapest ausgezeichnet.

Ingolf Wunder wurde in Klagenfurt geboren. Seinen ersten Musikunterricht erhielt er mit vier Jahren. Zunächst widmete er sich dem Violinspiel und erzielte hier schon früh erste Erfolge. Mit dem Klavier befasste er sich erst im Alter von 14 Jahren intensiver. Er besuchte die Konservatorien in Klagenfurt und Linz, und studierte anschliessend Klavier an der Universität für Musik und darstellende Kunst in Wien. Heute holt er sich gelegentlich Rat bei seinem Mentor Adam Harasiewicz, dem polnischen Pianisten und Gewinner des Warschauer Wettbewerbs 1955.

 

 Württembergisches Kammerorchester

© M42_Katja Zern & Thomas Frank

Depuis sa création en 1960 par Jörg Faerber, l’Orchestre de Chambre de Wurtemberg de Heilbronn s’est affirmé comme l’un des orchestres de chambre les plus demandés dans le monde.

De par ses multiples facettes artistiques, l’orchestre éblouit par une culture de son très émotionnelle et sensuelle, complétée par un idéal complètement vécu par les musiciens. En Septembre 2002, Ruben Gazarian a pris la baguette en tant que Chef d’orchestre et directeur artistique. Il a enrichi le répertoire standard de l’orchestre par un élargissement symphonique de la composition de l’orchestre et par le choix de nombreuses œuvres  de l’époque romantique, de l’époque précoce moderne et de l’époque dite avant-garde.

A Heilbronn, l’Orchestre de chambre de Wurtemberg à force des concerts pour abonnés, constitue la clef de voute de la vie culturelle. Même la plus jeune série « redblue meets Klassik » avec des projets innovants est fortement apprécié. On ajoute à cela le fait que les musiciens conduisent depuis  plus de 20 ans, par une direction propre, de la musique de chambre organisée par la caisse d’épargne d’Heilbronn.  Spectaculaire a été en 2010 la création d’un festival biennal, où  déjà en première année les symphonies de Beethoven ont été entièrement enregistré.

L’Orchestre de Chambre de Wurtemberg de Heilbronn se produit régulièrement dans le pays comme à l’étranger. En 2008, il a débuté avec des concerts sensationnels  à Nantes, Bibao et Tokyio lors du festival «La Folle journée». D’autres apparitions exceptionnelles  en tant qu’invités pendant ses dernières années ont eu lieu au Royal Albert Hall à Londres et au théâtre des Champs-Elysées à Paris comme des tournées en Corée, au Cambodge et en Chine comme enfin une représentation au conservatoire de Tschaikowsky à Moscou.

Un des préoccupations particulières des musiciens et des musiciennes du WKO sont les offres pour les plus jeunes comme pour les visiteurs de concert avec une histoire d’immigration. Chaque saison, il y a toujours deux concerts pour bébés au programme et depuis 2008, le WKO est l’orchestre parrain de l’Orchestre de Chambre pour jeunes de Stuttgart.  La production «Le voyage d’hivers pour enfants» a été nominé en 2012 pour le prix des «jeunes oreilles» et les projets de migration «Etre là : Heilbronn» et «musique pour la vie» ont reçu le soutien généreux du land Baden Württemberg.

Au cours des cinq dernières décennies,  le WKO a non seulement travaillé avec des artistes renommés mais aussi encouragé l’affirmation de jeunes talents.  Des solistes célèbres comme Martha Argerich, Maurice André, Alfred Brendel, Rudolf Buchbinder, Gautier Capuçon, Giora Feidmann, Julia Fischer, Juan Diego Floréz, James Galway, Evelyn Glennie, Hilary Hahn, Sharon Kam, Gidon Kremer, Katia & Marielle Labèque, Mischa Maisky, Sabine Meyer, Wolfgang Meyer, Viktoria Mullova, Anne-Sophie Mutter, Sergei Nakariakov, Christiane Oelze, Alice Sara Ott, Ivo Pogorelich, Thomas Quasthoff, Christine Schäfer, Daniel Müller-Schott, Frank Peter Zimmermann et Tabea Zimmermann ont collaboré avec l’Orchestre de Chambre  de Wurtemberg de Heilbronn.

La discographie de l’orchestre de Chambre de Wurtemberg de Heilbronn comprend tant et plus de 500 œuvres. Sous la direction de Jörg Faerber, il y a eu ainsi entre autres un enregistrement des concerts pour piano de Schostakowitsch et de Haydn avec Martha Argerich au piano (Deutsche Grammophon) ou encore les concertos pour violons de Mozart avec Frank Peter Zimmermann (EMI Classics).

 

Christian Zacharias

© Marc Van Appelghem

Christian Zacharias

chef d'orchestre, piano

Intégrité combinée avec individualité, aptitudes verbales brillantes, compréhension musicale profonde couplée avec un instinct artistique précis, une présence sur scène charismatique et attachante, telle est la personnalité artistique de Christian Zacharias. Ces compétences lui ont permis de s’établir à la fois comme l'un des plus grands pianistes et aussi d'acquérir une solide réputation en tant que chef d'orchestre, directeur du festival et penseur musical.

Sa carrière internationale a commencé en tant que pianiste. De nombreux récitals acclamés, des concerts avec les plus grands orchestres et chefs d'orchestre du monde, ainsi que de nombreux enregistrements primés, certains dès le début de son parcours artistique.

Le désir de Zacharias de travailler artistiquement à long terme avec des musiciens d'esprit comparable, est évident dans son travail de chef d'orchestre. Durant son mandat en tant que directeur artistique et chef principal de l'Orchestre de Chambre de Lausanne il a mis sur pied de nombreuses productions, acclamées par la presse internationale. Il faut relever particulièrement le remarquable enregistrement intégral des concertos pour piano de Wolfgang Amadeus Mozart, les prix tels que le Diapason d'Or, Choc du Monde de la Musique et l'ECHO Klassik. Ses derniers enregistrements sont consacrés aux quatre symphonies de Schumann.

Depuis le début de la saison 2009-10 Christian Zacharias est "partenaire artistique" de la St. Paul Chamber Orchestra. Avec l'Orchestre symphonique de Göteborg, dont il a été chef invité permanent au cours des dernières années, il est toujours étroitement lié musicalement. Il collabore aussi étroitement avec d'autres grands orchestres tels que l'Orchestre philharmonique de Los Angeles, l'Orchestre Hallé, le Het Residentie Orkest Den Haag, l'Orchestre National de Lyon, le Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, les Bamberger Symphonikern et le Gürzenich Orchester Köln. De plus en plus, il se consacre récemment au répertoire de l'opéra; ce qui a conduit à la production de trois opéras connus: l’opéra seria de Mozart "La Clemenza de Tito» et l’opéra buffa "Le nozze di Figaro" ainsi que "La Belle Hélène" d'Offenbach.

Depuis 1990, ont été également créés trois films avec lui: "Domenico Scarlatti à Séville", "Robert Schumann - le poète parle" (les deux pour l'INA, Paris) et "Zwischen Bühne und Künstlerzimmer" (pour WDR-Arte).

 

La carrière de Christian Zacharias est accompagnée par de nombreux prix, comme le Midem Classical Award "Artiste de l'année», qui lui a été décerné en 2007 à Cannes, par exemple. Après un prix pour sa contribution à la culture en Roumanie en 2009, Christian Zacharias a reçu la grande et prestigieuse distinction d'«Officier dans L'Ordre des Arts et des Lettres" de l'Etat français. A l'occasion du 60e anniversaire de Christian Zacharias, l'Alte Oper de Francfort a conçu un " Portrait de l’interprète", le  présentant en tant que pianiste, chef d'orchestre, musicien de chambre et accompagnateur de lieder. Un événement spécial a été les Christian Zacharias « débuts en récital » au Carnegie Hall de New York en décembre 2011, alors qu’aucun pianiste allemand n’y avait donné de récital de piano depuis trente ans.

Dans la saison 2013-14, Christian Zacharias, sera entre autres au pupître du MDR Symphony Orchestra Leipzig, de l'Orchestre Philharmonique de Hambourg, du Scottish Chamber Orchestra, du Royal Northern Sinfonia et de l'Orchestre della Svizzera Italiana. Depuis 2011, Christian Zacharias est professeur de jeu d’orchestre à l'Académie de Musique et de Théâtre de Göteborg.

 

Lothar Zagrosek

Lothar Zagrosek occupe depuis 1997 les fonctions de directeur musical de l’Opéra du Württemberg (Stuttgart). Il avait auparavant occupé les mêmes fonctions à Solingen et Krefeld-Mönchengladbach, avant d’être nommé en 1982 chef attitré de l’Orchestre Symphonique de la Radio Autrichienne (Vienne). Il a ensuite passé trois ans à l’Opéra de Paris comme directeur musical, avant d’assumer la direction musicale de l’Opéra de Leipzig de 1990 à 1992. Depuis 1995, il est étroitement lié à la Jeune Philharmonie Allemande en qualité de premier chef invité et conseiller artistique. Les activités lyriques de Lothar Zagrosek ont amené le chef à se produire dans les opéras de Vienne et de Hambourg, à la Deutsche Oper Berlin, à l’Opéra de Francfort, au Théâtre de la Monnaie de Bruxelles, au Royal Opera House Covent Garden de Londres et au Festival de Glyndebourne. Il a aussi dirigé maintes formations symphoniques d’importance, comme les Philharmonies de Berlin et de Munich, l’Orchestre du Gewandhaus de Leipzig, toutes les grandes formations radiophoniques allemandes, l’Orchestre National de France, l’Orchestre Philharmonique de Londres, l’Orchestre Symphonique de Montréal et l’Orchestre Symphonique NHK de Tokyo. Lothar Zagrosek a dirigé à plusieurs reprises dans le cadre des festivals de Salzbourg, Vienne et Berlin. En 1997, il a été désigné «Chef de l’année» par la revue «Opernwelt».

 

Daria Zappa

Née à Locarno, Daria Zappa a débuté la musique et l'improvisation en famille, avec son père Marco (auteur-compositeur) et en duo avec son frère Mattia.

Elle a étudié à la Musikhochschule à Freiburg en.Br. avec Jörg Hoffmann et Rainer Kussmaul et s'est perfectionnée avec Jean-Jacques Kantorov, Dorothy DeLay, Franco Gulli et Denes Zsigmondy.

Soliste très appréciée, elle a donné des concerts avec des ensembles réputés. Actuellement, elle est 1er violon du Casal Quartett, professeur au Conservatoire de Zurich et assistante de Benjamin Schmid à la HEM de Berne.

 

Mélodie Zhao

 

Lilya Zilberstein

© Lisa Kohler

La pianiste Lilya Zilberstein a connu son premier succès international en 1987, remportant le Concours Busoni à Bolzano. Sa victoire a fait sensation : ce n’est que cinq ans plus tard qu’un nouveau premier prix a pu être attribué pour ce concours qui a lieu pourtant chaque année. Dès 1988, la pianiste, née à Moscou, a effectué de grandes tournées en Occident, dans presque tous les pays européens, mais aussi au Mexique, au Japon, en Corée, au Canada et au Brésil.

Lilya Zilberstein a commencé le piano à l'âge de cinq ans. Après douze ans d'enseignement chez Ada Traub à l'école Gnessin de Moscou, elle a poursuivi ses études avec Alexander Satz, à l’Institut Gnessin, jusqu’à l'examen final en 1988.

Depuis 1990, Lilya Zilberstein vit en Allemagne. Elle a débuté en 1991 avec l'Orchestre Philharmonique de Berlin dirigé par Claudio Abbado, base d'une coopération répétée. Elle a joué avec les plus prestigieux orchestres, dont l'Orchestre symphonique de Chicago, l'Orchestre symphonique Tchaïkovski de Moscou, l'Orchestre symphonique de Londres, le Royal Philharmonic Orchestra, l'Orchestre de la Scala, la Staatskapelle de Dresde et bien d'autres. Elle a collaboré avec des chefs comme Claudio Abbado, Paavo Berglund, Semyon Bychkov, Gustavo Dudamel, Christoph Eschenbach, Vladimir Fedosseyev, A. Fransis, Leopold Hager, Dmitry Kitayenko, James Levine, Vasily Sinajski, Michael Tilson Thomas, Jean-Pascale Tortellier, Marcello Viotti et Antonin Witt. Son duo avec Maxim Vengerov a aussi été remarqué.

Pour Deutsche Grammophon Lilya Zilberstein a enregistré huit CD (notamment Grieg, Rachmaninov), puis en 1999 l'œuvre complète de Chopin. Plus récemment, plusieurs CD ont été publiés chez EMI (avec Martha Argerich, avec qui elle forme un duo renommé) et chez Haenssler Classic.

La saison passée, pour la première fois après 16 ans, elle est retournée dans sa ville natale de Moscou, où elle a donné un concert triomphal.

Depuis l'automne 2009, Lilya Zilberstein est professeure invitée à la Hochschule für Musik und Theater de Hambourg.

 

Serge Zimmermann

Serge Zimmermann, né en 1991 à Cologne dans une famille de musiciens, a étudié le violon dès 5 ans avec sa mère. Ses progrès furent rapides, et, en 2000 déjà, il a joué un concerto de Mozart avec orchestre.

Depuis, il a joué avec de très célèbres ensembles : Philharmonia Orchestra, Helsinki Philharmonic Orchestra, Orchestra della RAI Turin, Orquesta Nacional de España, Orquesta Sinfonica de Barcelona, Tschechische Philharmonie et Bamberger Symphoniker.

Son premier grand récital a eu lieu en 2005 à Essen. Ensuite, il a joué au Festival d'Ittingen, dans la Hamburger Musikhalle et à la Tonhalle de Zürich.

Ses projets futurs : aux USA avec le Pittsburgh Symphony Orchestra et au Japan avec le NHK Symphony Orchestra Tokyo.

 

David Zinman

David Zinman (né le 9 juillet 1936 à New York) est un chef d'orchestre américain.

Il a été l'assistant de Pierre Monteux de 1961 à 1964.

Il est Directeur musical de l'Orchestre de la Tonhalle depuis la saison 1995-96. Avec cet ensemble, il a effectué de nombreuses tournées en Europe, en Asie et aux USA, acclamées et riches de succès. Les innombrables enregistremments restent dans toutes les mémoires ; tout particulièrement l'intégrale Beethoven de 1999.

David Zinman s'est toujours engagé pour la relève, notamment par son engagement au Festival de musique de Aspen.

En automne 2009, Zinman a prolongé son contrat avec la Tonhalle jusqu'en 2014. L'ère "Zinman" sera alors la plus longue de l'histoire de l'orchestre.

 

Michael Zisman

© Reto Andreoli

Michael Zisman est l'un des plus grands talents d'aujourd'hui principalement connu dans la musique de tango argentin sur son instrument - le bandonéon, un instrument à anche unique, célèbre pour sa sonorité profondément mélancolique et chaleureuse.
Michael Zisman non seulement a hérité de l'âme du tango, mais il a adapté et exploré le langage du jazz traditionnel sur son instrument comme aucun autre bandéoniste à ce jour.

Relativement jeune, à 30 ans, Michael Zisman a déjà à son compte une étonnante carrière, comprenant les projets et les enregistrements avec de grands artistes tels que: Paquito D'Rivera, Billy Cobham, Al di Meola, Bert Joris, Dado Moroni, Franco Ambrosetti, Antonio Farao, Mark Soskin, Adrian Iaies , Gustavo Bergalli, Heiri Känzig, Matthieu Michel, Daniel Piazzolla, Pablo Aslan, Giora Feidman et bien d'autres, mais aussi avec ses propres ensembles.

Michael est né en Suisse en 1982 et détient à la fois la nationalité suisse et argentine. Loin de l' Argentine, son pays d'origine, il a commencé à jouer du bandonéon et reçu à 8 ans sa première leçon de bandonéon de Daniel Binelli, ancien membre du groupe formé autour de grand compositeur Astor Piazzolla. Michael reçoit son premier instrument, de son grand-père qui le lui apporte de l'Argentine le soir même de la mort de Piazzolla, décédé le 4 juillet 1992.

Dès son tout jeune âge il a baigné dans le monde musical de son père Daniel Zisman, violoniste-soliste et compositeur. Ayant appris l'instrument essentiellement en autodidacte, aux côtés de son collègue Peter Gneist à Berne, il est parti à 13 ans faire ses études musicales à Buenos Aires avec Nestor Marconi, bandonéon et Juan C. Cirigliano (ancien pianiste de Astor Piazzolla) composition.

Il a fait sa première apparition publique à 11 ans avec les légendes de tango Leopoldo Federico et Atilio Stampone, comme un invité surprise à Genève, en 1993, et ses débuts sur la grande scène un an plus tard, dans le cadre d'un ensemble du tango de son père lors d'un événement appelé "Tous les violons du monde" présenté par Yehudi Menuhin.

En 1995, à 13 ans lors de ses débuts argentins à Buenos Aires il se produit avec le légendaire tango-violoniste Szymsia Bajour, ancien membre de premier Astor Piazzolla Tango Quintett créé au début des années 1960.

Aux côtés de son père Daniel Zisman, Michael a réalisé un grand nombre d'enregistrements et en tant que soliste, a effectué le tour du monde avec de diverses formations symphoniques et chambristes.

Après son retour d'Argentine, il a terminé ses études avec un diplôme en composition et en arrangement, à l'Ecole Suisse de Jazz où il a eu la chance d'étudier avec de grands artistes: tels que Bert Joris, Andy Scherrer, Frank Sikora, Billy Brooks, Klaus Wagenleiter, Klaus König entre autres. Durant les années d'études il a participé aux "masterclasses" de Leopoldo Federico, Jim McNeely, Osvaldo Ruggiero, Roberto Lara et Daniel Schnyder, pour ne nommer qu'eux.

A côté d'un répertoire standard dans les deux domaine le tango et le jazz, Michael se spécialise dans la musique d' Astor Piazzolla, son grand modèle,.

En tant que soliste, il a joué avec, entre autres, de grands orchestres comme: Orchestre Philharmonique d'Israël, Orchestre de jazz de Bruxelles, Orchestre symphonique d'Odense, Orchestre symphonique de Boston, Orchestre de jazz suisse et est apparu dans de nombreux lieux et festivals internationaux comme: Jazz in Lincoln Center Jazz in Marciac, Festival Menuhin à Gstaad, Baltica Jazz Festival, Festival international de tango à Trieste, Estival Jazz Lugano, Notti di luce Bergame, Tango Festival de Wuppertal, Festival Trayectos Saragosse, Bandoenon Festival de Krefeld, Festival International de Jazz de Berne et de Zurich, Kiev Tango Festival, etc

En 2007, Michael Zisman a gagné le Premier Prix dans la catégorie bandonéon-solo, du Concours International d'accordéon à Klingenthal, en Allemagne.

 

Luca Zoppelli

Luca Zoppelli        Professeur ordinaire

Domaines de recherche

Musique et littérature (XVIIe-XIXe siècles) 

Opéra romantique (dramaturgie et éditions critiques) Expression et signification en musique

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