American String Quartet

© Peter Schaaf

http://www.americanstringquartet.com/

En bientôt quatre décennies de « musique itinérante », l’American String Quartet s’est produit dans les cinquante Etats des Etats-Unis et pratiquement sur la totalité des grandes scènes musicales du monde. La critique a acclamé unanimement ses interprétations de tous les quatuors de Beethoven, Schubert, Schönberg, Bartók et Mozart. Son intégrale des quatuors de Mozart, enregistrée sur quatre Stradivarius, parue chez MusicMasters en 1998, fait encore aujourd’hui référence.

Champion résolu de la musique contemporaine, l’American a donné de nombreuses premières d’œuvres écrites pour lui par des compositeurs tels que Claus Adam, Richard Danielpour, Kenneth Fuchs, Tobias Picker et George Tsontakis et plus récemment, de Cortese, Fuentes et Fairouz.

La discographie de l’American se trouve sous les marques Albany, CRI, MusicMasters, Musical Heritage Society, Nonesuch et RCA et comporte des œuvres de Adam, Corigliano, Danielpour, Dvorák, Fuchs, Prokofiev, Schoenberg et Tsontakis, ainsi que l’intégrale des quatuors de Mozart. Pour marquer son 35ème anniversaire, le groupe a enregistré, pour la marque NSS Music, le CD « Schubert’s Echo », qui invite l’auditeur à apprécier l’influence de Schubert sur deux chef-d’œuvres de la Vienne du début du 20ème siècle.

Le groupe retourne régulièrement en Chine, en Israël, en Amérique du Sud et en Europe. Le producteur David Frost, porteur d’un Grammy Award, a invité le quatuor à enregistrer l’oeuvre de musique de chambre américaine la plus connue, à savoir le Adagio de Samuel Barber, pour le chapitre New Yorkais de la National Academy of Recording, Arts & Sciences – précisément 35 ans après que les musiciens ont joué le morceau devant le compositeur lors du 67ème anniversaire de ce dernier.

Quatuor en résidence au Festival de musique d’Aspen depuis 1974 et à la Manhattan School of Music de New York depuis 1984, l’American a assumé la même fonction à la Taos School of Music, au Peabody Conservatory et au Concours international de piano Van Cliburn. Parmi les multiples activités du Quatuor, citons encore sa participation à de nombreuses émissions internationales de radio et de télévision ainsi que ses prestations avec le New York City Ballet, l’Orchestre Symphonique de Montréal et l’Orchestre Philadelphia.

Constitué en 1974, alors que ses membres d’origine étudiaient à la Juillard School, l’American String Quartet s’est fait connaître en obtenant la même année le Concours Coleman et le Naumburg Award.

 

2012

 

 

 

Daniel Avshalomov

The Strad magazine hailed violist Daniel Avshalomov as “one of the finest occupants of that chair, both instrumentally and musically, of any quartet now active.” Avshalomov performs in recitals and collaborations and as a featured performer and concerto soloist at festivals across the country. Before joining the Quartet, Avshalomov served as principal violist for the Aspen, Tanglewood, and Spoleto festival orchestras, as well as for the Brooklyn Philharmonic, Opera Orchestra of New York, and American Composers Orchestra. He also was a founding member of the Orpheus Chamber Ensemble. A frequent guest artist with the Guarneri Quartet, he has performed with such groups as the Da Camera Society, Marin Music Fest, and La Musica di Asolo. He has shared the stage with Norbert Brainin (first violinist of the Amadeus Quartet), Misha Dichter, Bruno Giuranna (a founding member of I Musici), Maureen Forrester, the Juilliard and Tokyo quartets, and the Bolshoi Ballet (as solo violist). Avshalomov’s articles appear in Notes and Strings; he has edited several viola works for publication and contributed to ASTA’s Playing and Teaching the Viola. He has been the subject of two articles in The Strad magazine and one in Classical Pulse. Avshalomov developed a lecture-demonstration, “Inside Passages,” first presented to the New York Viola Society in 2000. He performed the world premiere of Giampaolo Bracali’s Concerto per Viola, which RAI has broadcast in Europe, and the American premiere of Alessandro Rolla’s Esercizio 3. On his CD, Three Generations Avshalomov, with pianists Robert McDonald and Pamela Pyle, Avshalomov performs works for viola and piano composed by his grandfather, father and brother. The CD was featured on NPR’s All Things Con­sidered. Avshalomov has been on the faculty of the Manhattan School of Music since 1984 and at the Aspen School since 1976. His viola is by Andrea Amati (Cremona, 1568).

 

Andrei Baranov

© Tashko Tasheff

Andrey Baranov est lauréat du Concours de violon Queen Elisabeth 2012. Il est également le gagnant des concours internationaux de violon de Benjamin Britten et Henri Marteau et un lauréat de plus de vingt autres compétitions internationales dont Indianapolis, Séoul, Sendai, Liana Isakadze, David Oistrakh, Compétitions internationales de Paganini (Moscou). Andrey est aussi le premier violon de David Oistrakh String Quartet, un ensemble exceptionnel établi en 2012.
Né à Saint-Pétersbourg en 1986 dans une famille de musiciens, Andrey a commencé l’apprentissage du violon à l'âge de cinq ans. Il a fréquenté le Conservatoire Rimsky-Korsakov à Saint-Pétersbourg et le Consevatoire de Lausanne. Il a étudié avec Lev Ivaschenko, Vladimir Ovcharek et Pierre Amoyal.
Après avoir fait ses débuts en 2005 à la Salle Philharmonique de Saint-Pétersbourg avec Orchestre philharmonique sous V. Petrenko, Andrey a joué sur des scènes de renom dans le monde entier, entre autre au Bozar à Brussels, Concertgebouw d’Amsterdam, Mozarteum, Cadogan Hall London, Gewandhaus Leipzig, Konzerthaus Berlin, la salle Tchaikovsky à Moscou, la salle du théâtre Mariinsky et celle de Philharmonie de Saint-Pétersbourg.
Andrey est déjà collaboré avec des orchestres internationaux de premier plan, notamment Orchestre symphonique de Vienne, Orchestre symphonique de Montréal, Philharmonie luxembourgeoise, Orchestre de chambre de Mahler, Orchestre philharmonique de Bruxelles, Orchestre national de Belgique, Orchestre MusicAeterna, Orchestre philharmonique de Saint-Pétersbourg, Orchestre philharmonique de Mariinsky, Philharmonique de Sendai, Royal Phiharmonic London , Et SWR Stuttgart Symphony Orchestra avec des chefs T. Currentzis, V. Petrenko, V. Fedoseev, M. Tabachnik, W. Weller, E. Krivine, Y. Temirkanov, K. Nagano, T. Sanderling, A. Vedernikov parmi d'autres.
Il a joué avec des artistes tels que Martha Argerich, Julian Rachlin, Boris Andrianov, Pierre Amoyal, Eliso Virsaladze, Liana Isakadze, Alexander Buzlov.
Agé seulement 23, Andrey a été nommé assistant de Pierre Amoyal au Conservatoire de Lausanne et a depuis été demandé en tant que professeur dans de nombreuses master-classes internationales. Il a été invité également par des instituts à Bangkok, Chicago, Riga, Vilnius, Stockholm, Moscou, Manchester, entre autres.

 

Laurie Carney

A founding member of the American String Quartet, Laurie Carney holds the distinction of performing quartets longer than any other woman in this elite field. The ASQ began concertizing while she was still an undergraduate at Juilliard. Apart from the Quartet, she has per­formed trios with her husband, cellist William Grubb, and pianist Anton Nel; duos with violist Michael Tree; and as an ensemble partner to such artists as Isaac Stern, Pinchas Zukerman, Salvatore Accardo, Cho-Liang Lin, Joshua Bell, Yefim Bronfman, Misha Dichter, Ralph Kirshbaum, Alain Meunier, and Frederica von Stade. Carney’s concerto appearances include performing Mozart’s Sinfonia Concertante with the Bournemouth Symphony, Basque National Orchestra, and the Welsh National Orchestra. She gave the premiere of Gianpaolo Bracali’s Fantasia for violin and piano. Most recently, Robert Sirota composed his Violin Sonata No. 2 for her, and in addition to performing the premiere last spring, she will record the work later this season. A faculty artist at the Aspen Music Festival and School since 1974 and the Manhattan School of Music since 1984, Carney has held teaching positions at the Mannes College of Music, Peabody Conservatory of Johns Hopkins University, University of Nebraska, University of Michigan, Shepherd School at Rice University, and the Taos School of Music. Her dedication to the development of young players brings frequent invitations to offer master classes, most recently in California, Colorado, Illinois, Michigan, and New Mexico. Carney is a member of a prodigious musical family: her father was a trumpeter and educator, her mother a concert pianist, and all three siblings are professional violinists. Her violin is by Carlo Tononi (Venice, 1720).

 

Simon Dechambre

© Anne Laure Lechat

Né en 1991, Simon Dechambre a une formation de violoncelliste diversifiée. Il fréquente plusieurs conservatoires (CNR d'Avignon, CRD d'Aix en Provence, CNR de Reims et de Lille) avant de se fixer auCNR de Paris dans la classe d'Hélène Dautry en 2008.Il est l’élève deMarc Didier Thirault et Francois Baduel etapprofondit son enseignement avec Jerôme Pernoo, Raphaël Pidoux, Raphaël Perraud et Marcel Bardon. En 2011, il est admis au CNSM de Paris dans la classe de Roland Pidoux et Xavier Phillips.Membre du Quatuor Vivace depuis 2007 et du Trio Euterpe depuis 2011, il travaille avec Marc Coppey en classe de musique de chambre au CNSM.Passionné aussi par l’orchestre, il participe à la création de plusieurs ensembles instrumentaux tels que les formations Carminis et Gendron ou l'ensemble de violoncelles Jean-louis Florentz .Ayant pu rencontrer Vincent Ségal lors d'une master-class au CNR de Lille, il n'oublie pas que la musique peut sortir du cadre du« concert »:il a joué en 2010 pour la pièce lyrique Orphelins d’Olivier Dhénin, inspirée par des poèmes de Rilke

 

Jules Dussap

© maxresdefault

Né à Clermont-Ferrand, Jules Dussap commence le violon à l’âge de cinq ans. Egalement pianiste, il est diplômé du CRR de Clermont-Ferrand. Il choisit de se consacrer définitivement au violon en étudiant avec Gérard Poulet pendant trois ans, il entre ensuite dans la classe d’Antoine Goulard à l’Ecole Normale de Musique de Paris et obtient, en 2008, le Diplôme supérieur d’exécution à l’unanimité.Il poursuit alors un cycle de perfectionnement en Diplôme Supérieur de Concertiste et est admis à l’unanimité au CNSM de Paris dans la classe d’Olivier Charlier.Entre 2006 et 2011, il reçoit aussi l’enseignement de violonistes tels que Roland Daugareil, Suzanne Gessner ou Dong Suk Kang lors de différents stages ou master-classes.En tant que soliste ou chambriste, il se produit régulièrement en France ou à l’étranger. En 2011 il est lauréat en sextuor à cordes du forum musical de Normandie qui lui donne l’opportunité de collaborer avec des compositeurs comme Graciane Finzi ou Edith Lejet. Il se produit en musique de chambre aux Flâneries musicales de Reims ou à l’Hôtel de Soubise.Il participe à différentes formations orchestrales, telles que le Gustav Malher Jugendorchester, avec lequel il se produit dans les grandes salles européennes, mais aussi l’orchestre Pasdeloup ou le Star Pop Orchestra. Passionné par le jazz, il participe en tant que pianiste ou violoniste à diverses formations

 

 Ensemble Corund

© Stephen Smith

Der Edel-Korund, besser bekannt als Rubin und Saphir, dient gleichermassen als Name, Vor- und Ebenbild des professionellen Luzerner Ensembles. Die geistliche Musik der Renaissance und des Barock sowie Musik des 20. und 21. Jahrhunderts bilden die Schwerpunkte des Repertoires, eine werktreue, historisch orientierte, gleichzeitig hoch expressive und lebendige Wiedergabe bildet den Kern der Arbeit.

Die Musikerinnen und Musiker des Ensemble Corund haben alle einen Namen als Solisten verschiedenster Stilrichtungen. Sie besitzen fundiertes Wissen über historische Aufführungspraxis und breite Erfahrung als professionelle Ensemblesängerinnen und -sänger.

Unterschiedlichster Herkunft, ist den Mitgliedern des Ensembles die Liebe zum Repertoire des Ensembles und das Bestreben nach einem reichen, farbigen, vitalen doch homogenen Ensembleklang im vokalen wie auch im instrumentalen Bereich gemeinsam.

Das Ensemble Corund ist seit seiner Gründung 1993 das einzige 
professionelle Vokalensemble der Zentralschweiz und eines der ältesten der ganzen Schweiz. Gründer und Leiter ist der Amerikaner/Schweizer Stephen Smith. 
Das Ensemble Corund ist ein gern gesehener Gast an Festivals und in Konzerten auf beiden Seiten des Atlantiks. Seine Aufführungen werden von Publikum und Kritikern gelobt für die durchdachten Programme und das risikofreudige Musizieren. Seit seiner Gründung veranstaltet Corund eine eigene Konzertreihe in der Schweiz. 
CD-Aufnahmen sowie Radiosendungen in verschiedenen Ländern ergänzen die Konzerttätigkeit und tragen zur breiten Ausstrahlung seiner Arbeit bei.

Sängerinnen und Sänger der kommenden Saison  2017/18: 

Sopran:  Alessandra Boër  |  Gabriela Bürgler  |  Lucy De Butts  |  Sara Jäggi  |  Marianne Knoblauch  |  Andrea Oberparleiter  |  Pauline Persoud  |  Stephanie Pfeffer  |  Daniela Portmann  |  Caroline Reitzel  |  Gunta Smirnova  |  Simone Stock  |  Aline Willi-Jayet

Mezzo  |  Alt  |  Altus:  Ingrid Alexandre  |  Nadia Catania  |  Annina Haug  |  Tobias Knaus  |  Anna Nero  |  Ursina Patzen  |  Natascha Polanetz  |  Susanne Puchegger  |  Michaela Unsinn  |  Carmen Würsch

Tenor:  Ulrich Amacher  |  Ross Buddie  |  Rolf Ehlers  |  Raphaël Favre  |  Gregory Finch  |  Zacharie Fogal  |  Laurent Galabru  |  Christophe Gindraux  |  Achim Glatz  |  Tamas Henter  |  Eelke van Koot  |  Sebastian Lipp  |  Sebastian Mory  |  Tiago P. Oliveira

Bariton | Bass:   Ismael Arroniz  |  Kevin Gagnon  |  Richard Helm  |  Jean Knutti  |  Janos Missuray  |  Thomas Moser  |  Gerhard Nennemann  |  Hubert Michael Saladin  |  Philipp Scherer  |  Tobias Schlierf  |  Erwin Schnider  |  Jonathan Sells  |  Tobias Wicky

 

 

 

 Ensemble Symphonique Neuchâtel

© Anne Laure Lechat

Pour la sixième saison consécutive l’Orchestre de chambre fribourgeois et l’Ensemble Symphonique Neuchâtel réunissent leurs effectifs pour aborder un programme en grande formation, que ni l’un ni l’autre ne pourrait affronter seul. Rappelons le franc succès remporté lors de chaque édition précédente, avec des œuvres maîtresses de Mahler, Bruckner, Dvorak, Bernstein, Berlioz, ainsi que le Boléro de Ravel proposé la saison 2016-2017. La formule prévoyant une alternance des 2 chefs titulaires, c’est cette année Laurent Gendre qui dirigera des pages de Glinka, Mahler et Tchaïkovski.

On ne peut que se réjouir de cette belle collaboration annuelle entre les deux orchestres, qui se concrétisera à nouveau par un concert dans chaque canton : à la salle Equilibre de Fribourg le mardi 17 avril, et à la Salle de Musique de La Chaux-de-Fonds le dimanche 22 avril 2018.

 

Fondé en 2008, l’Ensemble Symphonique Neuchâtel est un acteur essentiel dans le paysage culturel de la région neuchâteloise. Fort de sa géométrie variable, il se produit sur des projets aussi multiformes que variés, articulant en fonction formation de musique de chambre ou grand symphonique.

Outre une programmation de saison de qualité, l’ESN se plaît à fréquemment explorer la rencontre entre classique et contemporain en proposant des manifestations pluridisciplinaires.

Ayant à coeur d’apporter son soutien aux jeunes musiciens, l’ensemble collabore régulièrement avec des étudiants et inclut dans sa programmation de saison un concert « Étoile Montante » depuis 2016. L’ESN développe par ailleurs un vaste projet d’actions musicales et offre chaque année une première expérience de concert aux écoliers du canton.

 

Laurent Galabru

Laurent Galabru est un ténor français. Il a effectué sa formation au côté de la soprano Nobuko Takahashi et de Pierre Mervant, professeur au CNSM de Paris , qu’il compléta avec un cursus au Conservatoire de Lille. Il suivit par ailleurs de nombreuses cours de maîtres, notamment avec Udo Reineman et Susan Manhof sur l’interprétation du Lied.

Il a pu aborder dans sa jeune carrière de nombreux rôles importants du répertoire : Alfredo in La Traviata de Verdi,  Almaviva dans  Il barbiere di Siviglia  de Rossini,  Don Ottavio dans  Don Giovanni  de Mozart, Lenski dans  Eugène Onéguine , Pâris dans la « Belle Hélène » et Fragoletto dans  Les Brigands  d’Offenbach,  Nemorino dans  L’elisir d’amore  de Donizetti. Il chanta début 2013 le rôle du comte Almaviva dans I due Figaro de Michele Carafa avec la Free Opera Company de Zürich.

Il participe dans les chœurs à de nombreuses représentations à l’Opéra de Paris, au théâtre des Champs Elysées, de Compiègne, de Lille, avec l’Atelier Lyrique de Tourcoing dirigé par Jean-Claude Malgloire. Il fait partie par ailleurs des membres des chœurs de chambre Les Eléments, d’Accentus.

Enfin, il a pu chanter en soliste dans de nombreux oratorios : Evangelist dans la Passion selon Saint Jean de Bach, soliste dans le Messie de Haendel, dans la Petite Messe solennelle de Rossini et dans des récitals de Lieder : Die schone Müllerin de Schubert et les Dichterliebe de Schuman.

Ainsi que des rôles de Qui pass’par là dans le Voyage dans la Lune d’Offenbach, et de Normanno dans Lucia di Lamermoor de Donizetti, productions d’Opéra Eclaté. Il a participé dans le rôle de Dickson dans la Dame Blanche de Boieldieu produit par la Free Opera Company de Zürich.

 

Laurent Gendre

© Moreno Gardenghi

Après des études de piano à Fribourg et de direction d’orchestre à Bâle, Laurent Gendre est lauréat du prix pour chefs d’orchestre de l’Association des Musiciens Suisses et se perfectionne en Allemagne et en Autriche. Il a dirigé notamment l’Orchestre symphonique de Berne, l’Orchestre de Bretagne, l’Orchestre national de Lettonie, l’Orchestre de chambre de Lausanne, l’Orchestre national de Lorraine, la Camerata Zürich et les orchestres baroques Le Parlement de Musique et La Cetra Basel.

Depuis 1999, il est directeur musical de l’Orchestre de Thoune, avec lequel il donne dix concerts à l’abonnement par année. Il est fondateur de l’Orchestre de chambre fribourgeois, qui donne son premier concert au début 2009. Son activité comme chef d’opéra le conduit à diriger de nombreux spectacles tant en Suisse qu’en France (Lausanne, Rennes, Reims, Dijon, Metz et Besançon). Il est directeur musical de l’Opéra de Fribourg. 

Laurent Gendre a dirigé jusqu’en 2016 le Chœur d’Oratorio de la ville de Berne, avec lequel il a interprété des œuvres comme Le Martyre de Saint-Sébastien, Elias, The Dream of Gerontius (Elgar), la Messe Glagolitique de Janacek, Ein deutsches Requiem de Brahms, la messe en fa mineur de Bruckner, le Requiem et le Stabat Mater de Dvorak et Szenen aus Goethes Faust de Schumann.

Avec l’ensemble Orlando Fribourg (EOF), il a été invité à se produire dans les festivals des principaux pays européens. L’EOF a réalisé plusieurs enregistrements discographiques remarqués par la presse spécialisée (10 de Répertoire, Pizzicato Award, CD of the Month et 5 de Diapason)

 

Anton Hanson

© Anne Laure Lechat

Anton Hanson a commencé l’étude du violon à 7ans au Japon, se rendant régulièrement en France et en Suisse lors de stages et master-classes, et a étudié avec M. Tibor Varga, Mme Leroy et Mme Theuveny. Il a été admis en 2002 dans la classe préprofessionnelle du Conservatoire de Sion dirigée par M. Tibor Varga.Entre 2003 et 2006, il a été élève au Conservatoire Jean-Philippe Rameau (Paris VI) avec Vadim Tchijik, ainsi qu’à la Schola Cantorum de Paris avec Mme Theuveny. En 2005, il passe avec succès le concours d’entrée pour le cycle spécialisé du CNR de Paris.Ilretourne en 2006 au Japon où il étudie avec M. Takashi Shimizu de l'Université des Beaux-Arts et de Musique de Tokyo ainsi qu'avec Michiko Kamiya. En 2008, il reçoit le deuxième prix (meilleur prix décerné) à un concours national japonais pour jeunes interprètes.Il étudie ensuite au conservatoire Maurice Ravel (Paris XIII) avec Igor Volochine, obtient son prix de violon au CRR de Paris et est admis en 2011 au CNS de Musique de Parisdans la classe de Boris Garlitsky, puis en 2012 en musique de chambre dans la classe d’Ami Flammer et Claire Désert. Il suitde nombreuses master-classesavec Pierre Amoyal, Takashi Shimizu, Boris Belkin, Roland Daugareil, Olivier Charlier, Stephan Picard, Jean-Jacques Kantorow et Helmut Zehetmair,et en musique de chambre avec Peter Csaba, Peter Cropper et Miguel Da Silva, Jean Sulem, Marc Coppey

 

Annina Haug

© Laurette Heim

Après l’obtention d’un diplôme d’enseignement de violoncelle au Conservatoire neuchâtelois Annina Haug cultive depuis 2005 sa passion pour le chant. A la "Royal Academy of Music" de Londres, elle obtient en 2008 un "Postgraduate Diploma of Performance" auprès d’Alison Pearce et en 2010 un "Master of performance" avec distinctions du jury à la "Musik-Hochschule" de Lucerne, auprès de Liliane Zuercher. Elle se perfectionne ensuite au "Schweizer Opernstudio" à Bienne.

Depuis lors, elle partage son activité professionnelle entre une carrière de soliste comme mezzo-soprano/alto indépendante et l'enseignement à Fribourg et Vevey. A l'aise autant dans un répertoire classique que dans un répertoire de chanson française ou comédie musicale, elle complète sa recherche artistique, avec la danse et l'écriture. Elle vit à Fribourg/Freiburg.

Lauréate de concours nationaux et demi-finaliste au « Concours de Genève », "Concours de chant de Marmande" et "Das Lied" à Berlin, Annina Haug suit successivement les cours des maîtres de Margreet Honig, d’Alison Pearce, de Klaus Mertens et de Robert Tear.

 Au fil des années, elle répond à maints engagements en soliste et à l’opéra. On peut l'entendre dans les grandes œuvres de Bach, de Mozart, de Haendel, de Mendelssohn et de Dvorak par exemple. Mais également dans des œuvres moins connues comme Le Paradis perdu de T. Dubois, Rédemption de C. Franck ou A Child of Our Time de M. Tippett.
Elle chante avec les orchestres suivants: le Basel Sinfonietta, le Filarmonica de Stat Sibiu, l'Orchestre de Chambre de Lausanne, l'Orchestre de chambre de Genève, l'Orchestre de chambre fribourgeois, l'Ensemble Symphonique de Neuchâtel et la Landwehr de Fribourg.

A l’opéra son répertoire s’étend de Monteverdi à Mozart, Rossini et Britten. La saison 2017-2018 s'ouvrira avec le rôle titre de l'opéra The Rape of Lucretia de Britten au Théâtre du Grütli à Genève et une création mondiale de l'opéra de Louis Crelier La citadelle de verre.

La musique de chambre fait également partie de ses domaines de prédilection, en récital avec piano ou avec la harpiste Meret Eve Haug, avec laquelle elle forme le DUO HAUG. ou avec un programme "Cabaret" sur scène avec le pianiste Raphaël Sudan par exemple.

Elle est artiste active et membre du comité de l'association "Besuch der Lieder" qui promeut le répertoire du Lied et de la mélodie française at home.

 

Andrei Ionuț  Ioniță

© Daniel Delang

Der 1994 in Bukarest geborene Cellist Andrei Ioniță begann im Alter von fünf Jahren mit dem Klavierspiel und erhielt drei Jahre später den ersten Cellounterricht. Er erhielt zunächst seine Ausbildung an der Musikschule Iosif Sava in Bukarest bei Ani-Marie Paladi und studiert seit 2012 bei Prof. Jens Peter Maintz an der Universität der Künste Berlin.
Bei vielen großen Cellisten unserer Zeiten hat Andrei Ioniță sich wichtige musikalische Impulse geholt, wie David Geringas, Steven Isserlis, Heinrich Schiff, Wolfgang Boettcher, Gary Hoffman und Wolfgang Emanuel Schmidt. Unter anderem musizierte er in Juni 2014 an Seite von Musikern wie Gidon Kremer und Christian Tetzlaff im Rahmen des Festivals der Kronberg Academy „Chamber Music Connects the World“. In den letzten Jahren war Andrei Ioniță in den großen Sälen wie dem Carnegie Hall in New York, dem Cadogan Hall in London, dem Kammermusiksaal der Berliner Philharmonie, oder dem Gasteig und Herkulesaal in München zu Gast. In 2015 gab er sein Debüt im großen Saal der Berliner Philharmonie als Solist mit dem Deutschen Symphonieorchester.
Der Cellist ist mehrfacher Preisträger internationaler Wettbewerbe. So erspielte er sich unter anderem in Juni 2013 den 1. Preis der Aram Khachaturian International Competition und in September 2014 den 2. Preis beim Internationalen ARD-Musikwettbewerb in München sowie den Sonderpreis für die beste Interpretation eines Auftragswerks. Zwei Monate später wurde er mit dem 2. Preis beim Grand Prix Emanuel Feuermann 2014 in Berlin ausgezeichnet. Der große internationale Durchbruch kam in Juni 2015 mit dem 1. Preis des Internationalen Tschaikowsky-Wettbewerbes in Moskau.
Die Saison 16/17 hält weitere große Debüts bereit, darunter das Tokyo Philharmonic Orchestra, dem Czech Philharmonic Orchestra, dem MDR Orchester und mit den Münchner Philharmonikern. Andrei Ioniță tritt zudem regelmäßig auf Einladung von und zusammen mit Maestro Valery Gergiev auf. Mit einem Duo-Programm für Violoncello und Klavier wird er in Helsinki, in Japan, in der Laeiszhalle Hamburg aber auch im KKL Luzern zu erleben sein. Von Mitsuko Utchida wurde er zum Marlboro Music Festival in Juli 2017 eingeladen.
Er wurde von der BBC als New Generation Artist von 2016 bis 2018 ausgewählt. Ionita ist einer von sechs Musikern, die die Möglichkeit bekommen mit den BBC Orchestern zu spielen, in 3 Konzerten der renommierten BBC Radio 3 Monday Lunchtime Konzerten der Wigmore Hall aufzutreten, neue Werke zu lernen, sowie Aufnahmen in den BBC Studios zu machen.
Der Luitpold Preis wird vom Förderverein des Kissinger Sommers für den besten jungen Künstler des jeweiligen Kissinger Sommers. 2016 ging dieser an ihn.
Andrei Ioniță ist Stipendiat der Deutschen Stiftung Musikleben, die ihm ein Violoncello von Giovanni Battista Rogeri, Brescia 1671, zur Verfügung stellen.

 

Alexander Janos

Né en Roumanie, Alexander Janos a vécu en Allemagne dès 1982 et, depuis 1990, en Suisse.

Après son diplôme au Conservatoire supérieur de Bucarest, Alexander Janos a étudié le violon auprès des professeurs Wolfgang Marschner à Fribourg-en-Brisgau et Ricardo Odnoposoff à Stuttgart. Alexander Janos a étudié la direction en Suisse auprès du professeur Ewald Körner puis se perfectionna auprès du maestro Dmitrij Kitajenko.

Ensuite, Alexander Janos a été pendant quelques années chef invité de l'Orchestre National d'Ukraine à Kiev. Ces dernières années, Alexander Janos a dirigé à maintes reprises en Suisse. Il est chef titulaire de l'Orchestre de la Ville et de l'Université de Fribourg.

 

Wolfram Koessel

Since his Carnegie Hall debut in 1994, cellist Wolfram Koessel has performed as a chamber musician, recitalist and soloist throughout the world. The Strad magazine praised his “exceptionally attractive cello playing.” As a soloist he has performed concertos throughout the United States as well as with Japan’s Osaka Symphony Orchestra and orchestras in Germany and South America. He also has appeared often with the New York Metamorphoses Orchestra, which he cofounded in 1994. His collaborations include performances with legendary tabla virtuoso Zakir Hussain, distinguished dancer Mikhail Baryshnikov, and cellist Yo Yo Ma, among many others. Koessel also appears with a wide range of ensembles, including the Orpheus Chamber Orchestra and Trio+ (a group he formed with violinist Yosuke Kawasaki and pianist Vadim Serebryani), which performs creative and collaborative concerts throughout Japan, the United States, and Canada. Koessel served as music director of the Mark Morris Dance Group from 2004 to 2008 and has toured extensively with the company both nationally and internationally, performing in several world premieres. In the fall of 2009, he was the featured performer in a new dance work, performing Beethoven’s Cello Sonata in C. He resides with his wife, pianist and writer J. Mae Barizo, and his daughter in Manhattan. His cello is by Giovanni Cavani (Modena, 1917).

 

Gabrielle Lafait

© Anne Laure Lechat

Gabrielle Lafait débute sa formation musicale au CRR de Reims, où elle étudie l’alto auprès de Maud Gastinel. En 2006, elle remporte la Première Médaille au concours international de l’UFAM à Paris dans la catégorie Fin d’études. Déjà passionnée de musique de chambre, elle obtient en formation trio : clarinette, alto et piano, un Prix de Perfectionnement mention très bien à l’unanimité. Elle se perfectionne ensuite dans la classe de Marie-Christine Witterkoer au CRR de Paris avec qui elle obtient son DEM d’alto.Finaliste du Concours National des Jeunes Altistes en 2010, elle entre au CNSM de Paris dans la classe de Sabine Toutain. Dansl’Orchestre des étudiants du CNSM, jouesalle Pleyel,àla Cité de la Musique, au Chatelet, ou à Notre Dame.Elle est sélectionnée avec le Quatuor Khaos, formation quatuor avec piano, pour l’Académie de Jeunes Solistes 2012 de Christophe Boulier. Ensemble, ils se produisent également à l’Hôtel de Soubise avec l’association Jeunes Talents et reçoivent les conseils de Claire Désert, Amy Flammer, et Yovan Markovitch..Membre fondateur du quatuor Hanson, elle joueaussi en duo avec la violoniste Emeline Concé (Quatuor Akilone) avec qui elle se produit avec orchestreau Théâtre du chemin vert à Reims, dansla Concertante de Mozart. Le Duo Svadistana organise au sein du Collectif Io des ateliers dans les écoles, et se produit dans les hôpitaux parisiens grâce à l’association Jeunes Talents.Avec12 autresmusiciens, elle crée le conte musical La Petite Marchande d’Allumettes de Thomas Nguyen, mis en scène par Christine Berg à l’Opéra de Reims,en novembre 2011 puis en 2013. Elle s’initie également au jazz avec Glenn Ferris au CNSMDP et participe régulièrement à des projets de musiques actuelles

 

Regula Mühlemann

© Henning Ross

Regula Mühlemann wurde in Adligenswil bei Luzern geboren und studierte an der Hochschule Luzern bei Prof. Barbara Locher. Erste Erfahrungen auf der Opernbühne sammelte die junge Sopranistin schon früh am Luzerner Theater. Danach führten sie Engagements u.a. als Despina (Così fan tutte) ans Teatro La Fenice nach Venedig, ans Opernhaus Zürich und ans Festspielhaus Baden-Baden, wo sie als Giannetta in Donizettis L‘ elisir d’amore  zu erleben war. Im Sommer 2012 gab sie ihr Debüt als Junge Papagena in der Oper Das Labyrinth von P. v. Winter bei den Salzburger Festspielen.

In der Spielzeit 2016/17 wird Regula Mühlemann nach einer Konzerttournee mit dem Verbier Festival Chamber Orchestra u.a. in Konzerten in der Tonhalle Zürich, dem KKL Luzern und der Dresdner Frauenkirche zu hören sein. Außerdem wird sie ihr Debüt in den Vereinigten Staaten mit dem Chicago Symphony Orchestra unter der Leitung von Manfred Honeck geben. Zu den weiteren Höhepunkten der kommenden Saison zählen Schumanns Das Paradies und die Peri mit der Accademia Nazionale di Santa Cecilia unter der musikalischen Leitung von Daniele Gatti sowie konzertante Aufführungen von Mozarts La clemenza di Tito im Festspielhaus Baden-Baden in der Regula Mühlemann an der Seite von Joyce di Donato und Sonya Yoncheva die Partie der Servilia singen wird.

 

 Musikkollegium Winterthur

L'histoire du Musikkollegium Winterthur remonte au 17e siècle. Dans la première moitié du 20e siècle, le mécène Werner Reinhart et le chef d'orchestre Hermann Scherchen ont profondément marqué le destin de l'orchestre. De célèbres compositeurs comme Richard Strauss, Igor Stravinsky, Othmar Schoeck ou Anton von Webern ont composé pour le Musikkollegium.

Des chefs d'orchestre comme Wilhelm Furtwängler, Fritz Busch, Joseph Keilberth et Mario Venzago ont entretenu des rapports suivis avec le Musikkollegium de Winterthur. Sous la direction de ses chefs successifs Franz Welser-Möst ou Heinrich Schiff, l'orchestre est devenu un des ensembles phares de Suisse. Dès la saison 2009/10 le nouveau chef d'orchestre sera l'Ecossais Douglas Boyd.

L'orchestre donne environ 70 concerts par saison, dont 40 à Winterthur, dans le cadre de ses propres séries de concerts à l'Hôtel de ville de Winterthur. Il a réalisé pour le label MDG une série d'enregistrements d'oeuvres du 20ème siècle qui a retenu l'attention au plan international. Le CD le plus nouveau est réalisé par Deutsche Grammophon avec le pianiste Teo Gheorghiu en soliste. L'ensemble est de plus en plus invité pour d'importantes tournées en Suisse et à l'étranger (notamment pour une tournée en Allemagne avec Heinz Holliger).

En tant que chefs invités, Vladimir Ashkenazy, Theodor Guschlbauer, Heinz Holliger, Armin Jordan et Nicholas Kraemer travaillent régulièrement avec le Musikkollegium de Winterthur et contribuent considérablement à sa diversité artistique. De plus, de nombreux membres de l'orchestre se consacrent également à la musique de chambre de façon suivie, ce qui contribue encore à améliorer la remarquable qualité d'ensemble.

En raison du nombre des effectifs, 50 musiciennes et musiciens, les périodes classiques et les débuts du romantisme constituent, à côté des oeuvres du 20e siècle, l'essentiel du répertoire. Des musiciens comme Rudolf Buchbinder, Mikhail Pletnev, András Schiff et Pinchas Zukerman apprécient particulièrement d'interpréter les grandes oeuvres de ces époques avec le Musikkollegium de Winterthur, dans la double fonction de soliste et de chef.

Beaucoup de concerts ont lieu à la Stadthaus de Winterthur, un splendid bâtiment du célèbre architecte Gottfried Semper (construit de 1865 à 1869). La nouvelle structure de concerts «ciblés», inaugurée pour la saison 2006/07, renforce encore le statut novateur du Musikkollegium dans la région. Le soutien à des projets pour la jeunesse, une collaboration avec des instituts et hautes écoles qui dépasse les cloisonnements ainsi que l'organisation de festivals thématiques comptent parmi les points forts des activités diversifiées de cet ensemble.

Le Musikkollegium de Winterthur, sous la direction de son chef principal Jac van Steen, a réalisé pour le label MDG une série d'enregistrements d'oeuvres du 20e siècle qui a retenu l'attention au plan international.

Il se produit également lors de concerts de gala pour des ONG ou des firmes privées.

 

Das Musikkollegium Winterthur wurde 1629 gegründet und ist damit eine der traditionsreichsten musikalischen Institutionen Europas. Bereits Ende des 19. Jahrhundert formierte das Musikkollegium eines der ersten Berufsorchester der Schweiz.

In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts prägten der Mäzen Werner Reinhart und der Dirigent Hermann Scherchen die Geschicke des Orchesters wesentlich. Bedeutende Komponisten wie Strauss, Strawinsky, Hindemith, Schoeck oder Webern komponierten für das Musikkollegium Winterthur.

Heute gibt das Orchester etwa 70 Konzerte pro Saison, davon rund 40 in Winterthur im Rahmen seiner eigenen Konzertreihen im Stadthaus Winterthur. Zunehmend ist das Ensemble auch bei bedeutenden Konzertreihen im Ausland zu Gast. Durch die regelmässige Zusammenarbeit mit dem Opernhaus Zürich kann sich das Orchester auch im Opernbereich profilieren.

Aufgrund seiner Grösse von 50 Musikerinnen und Musikern stehen Werke der Klassik und Frühromantik neben solchen des 20. und 21. Jahrhunderts im Zentrum des Repertoires des Musikkollegiums Winterthur.

 

Gerhard Nennemann

·  Ab 1967 erste gesangliche Ausbildung als Knabensopran

·  Von 1981 bis 1986 Studium der Schulmusik an der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Stuttgart mit den Leistungs- und Hauptfächern Gesang (Prof. Georg Jelden, Prof. Sandor Konya) und Violoncello

·  1982 – 1984 methodisches Seminar für Sänger (bei Prof. August Meßthaler)

·  1984 – 1986 Liedklasse (Prof. Konrad Richter)

·  In den Jahren 1986 – 1989 Gesangsaufbaustudium (Opernschule) in Frankfurt (bei Prof. Mc Lane)

·  In den darauffolgenden 5 Jahren weitere Studien bei Prof. Eugen Rabine am Institut für funktionales Stimmtraining. Vervollkommnung der gesangstheoretischen Grundlagen

·  Laufende Weiterbildung: u.a. Eutonieunterricht und Studium bei Albert Jaton in Genf, am Lichtenberger Institut für Gesang bei Gisela Rohmert und Eva Marguerre

·  Seit 2003 bei Jon Buzea in Zürich

·  Meisterkurse bei Nicolai Gedda und Carlo Bergonzi

Berufliche Tätigkeit

·  seit 1982 freiberuflicher Sänger, zuerst noch während es Studiums als Mitglied des Kammerchors Stuttgart unter Frieder Bernius.

·  Dann seit 1985 als freiberuflicher Sänger tätig beim SWR Vokalensemble Stuttgart, im WDR Rundfunkchor, beim Rias Kammerchor Berlin, im Chor des Bayerischen Rundfunks, sowie im Chor des NDR Hamburg.

·  Später vermehrt solistische Aufgaben im Balthasar–Neumann Chor Freiburg und vor allem im Chor des RTSI Lugano unter Diego Fasolis.

·  Im weiteren Verlauf der solistischen Karriere Teilnahme an bedeutenden Festivals, wie z.B. den Settimane Musicali di Ascona, dem Flandern Festival in Brügge, sowie den Settimane Bach in Milano. Er sang unter Dirigenten wie Andrew Parrot, Robert King, Frieder Bernius, Thomas Hengelbrock, Diego Fasolis und Tom Koopmann. 2008 Debüt in der Tonhalle Zürich in Berlioz’ „L’Enfance du Christ“ unter Charles Dutoit.

·  2012 sang Nennemann erstmals unter Yannik Nezet-Seguin in einer vielbeachteten Matthäus-Passion in Rotterdam.

·  Darüber hinaus führten ihn Konzertreisen durch ganz Europa, sowie nach Israel, Argentinien, Chile, Brasilien und Japan. Zahlreiche Aufnahmen bei verschiedenen europäischen Rundfunk- und Fernsehanstalten sowie Schallplattenaufnahmen.

·  Seit 2004 ist Gerhard Nennemann Gast am Zürcher Opernhaus,

·  mit der Spielzeit 2010/11 am Theater Basel. Unter anderem war er zu hören in den „Meistersingern von Nürnberg“ unter Philipp Jordan, in „Tannhäuser“ unter Ingo Netzmacher oder in „La Fedeltà Premiata“ unter Adam Fischer.

·  2011 Debüt bei den Bayreuther Festspielen

·  In den vergangenen Jahren vermehrt Hauptrollen in freien Opernproduktionen, wie die Rolle des Giorgio Germont in La Traviata, die des Grafen in Mozarts Figaro, oder die Verkörperung des Besenbinders in Hänsel und Gretel.

·   Ab 1990 mit der britischen Pianistin Helen Yorke, der Schweizer Pianistin Rahel Sohn, sowie dem deutschen Pianisten Andreas Kersten Erarbeitung verschiedener Lied- und Operettenprogramme (u.a. „Schöne Müllerin“, „die Winterreise“, Liedkreis op. 24, Dichterliebe op. 48).

 

 NFM Orchestre Philharmonique de Wrocław

1945, unmittelbar nach dem Zweiten Weltkrieg wurde die Breslauer Philharmonie gegründet, das Erbe einer grossen städtischen Musiktradition antretend, welche weit ins

19. Jahrhundert zurückreicht: Komponisten und Interpreten von höchstem Rang gastierten in der niederschlesischen Metropole wie z.B. Johannes Brahms, Max Bruch, Richard Wagner, Edvard Grieg, Gustav Mahler, Ignaz Paderewski, Pablo de Sarasate und Eugène Ysaye, um nur die berühmtesten zu nennen.

Seit Anbeginn Ihres Bestehens setzte die Breslauer Philharmonie, neben der Pflege des klassisch-romantischen Repertoires, den Fokus auf die zeitgenössische Musik Polens durch Zusammenarbeit mit Komponisten wie z.B. Krzysztof Penderecki und Witold Lutoslawski, dessen Name dem Orchester 1994, im Todesjahr des Komponisten, offiziell verliehen wurde. Werke von ihm, aber auch von manch andern bedeutenden Komponisten Polens, standen zumeist auch auf den Programmen bei Tourneen durch viele Länder Europas und die USA: die Breslauer Philharmonie als musikalischer Botschafter Polens. Mehrere dieser Konzertreisen erfolgten mit Daniel Raiskin, der von 2001-2008 Erster Gastdirigent des Orchesters war und jetzt erneut mit ihm zusammenarbeitet.

Viele  Radio- und TV-Aufnahmen sowie CD-Produktionen zeugen von der Vielseitigkeit der Breslauer Philharmonie; sie steht im Mittelpunkt eines grossen CD-Projektes „Opera Omnia“ mit Aufnahmen aller Werke von Witold Lutoslawski unter so bekannten Dirigenten wie Jacek Kaspszyk (Chefdirigent von 2005-2012) und Stanislaw Skrowaczewski.

Das Orchester realisiert pro Saison durchschnittlich 50 Projekte, nicht nur in Breslau selber, sondern auch bei den wichtigsten polnischen Festivals wie z.B. beim Warschauer Herbst und beim Internationalen Festival Wratislavia Cantans; bei diesem Festspiel entstand 2012 die international beachtete Aufnahme von Hector Berlioz‘ Grande Messe des Morts (unter Paul McCreesh), preisgekrönt vom BBC Music Magazine.

Im Herbst 2015 beginnt – mit dem Namen NFM Philharmonisches Orchester Wroclaw  – eine neue Ära: dann nämlich bezieht das Orchester das von der EU mitfinanzierte Nationale Forum der Musik (mit einem 1800 Plätze fassenden Konzertsaal) als Heimstätte.

Der grossen Auslandtournee des Orchesters im Februar 2016 kommt besondere Bedeutung zu, ist Breslau 2016 doch Kulturhauptstadt Europas und das NFM Philharmonische Orchester einmal mehr deren musikalischer Botschafter.

 

 Orchestre de Chambre de Lausanne (OCL)

© Federal Studio

Fondé en 1942 par le violoniste Victor Desarzens, l’Orchestre de Chambre de Lausanne (OCL) n’a cessé de déployer ses ailes pour devenir aujourd’hui l’une des phalanges de chambre les plus demandées d’Europe. La nomination à sa tête en 2015 de l’un des jeunes chefs les plus prometteurs de la nouvelle génération, l’Américain Joshua Weilerstein, en est la preuve éclatante. De formation Mannheim (soit une quarantaine d’instrumentistes), il embrasse un vaste répertoire qui va des premiers baroques à la création contemporaine. Très vite convié à l’étranger — il participe au Festival d’Aix-en-Provence dès la deuxième édition, ses tournées en Allemagne puis aux Etats-Unis sont des succès retentissants, comme ses concerts plus récents au Théâtre des Champs-Elysées ou aux BBC Proms de Londres. Parmi ses dernières invitations, on citera le Théâtre Mariinski de Saint-Pétersbourg, le Festival Rostropovitch de Moscou et le Festival d’Istanbul.

En 2016—2017, l’OCL se produira entre autres à Rome, Budapest et Vienne. Ses concerts sont rythmés par l’engagement de solistes de premier plan: de Clara Haskil, Alfred Cortot, Walter Gieseking et Edwin Fischer à Murray Perahia, Radu Lupu, Martha Argerich et Nikolai Lugansky chez les pianistes, d’Arthur Grumiaux à Frank Peter Zimmermann chez les violonistes, de Paul Tortelier à Truls Mørk chez les violoncellistes, ou encore de Jean-Pierre Rampal à Emmanuel Pahud chez les flûtistes, les plus grands noms l’ont gratifié de leur concours et continuent plus que jamais à lui faire confiance. L’OCL a aussi toujours su attirer les baguettes les plus intéressantes du moment: de Günter Wand à Charles Dutoit, de Paul Hindemith à Ton Koopman, de Jeffrey Tate à Bertrand de Billy, il s’enrichit sous leur direction des influences les plus diverses. À l’instar du disque, qui offre un miroir pérenne de cet esprit d’ouverture: de l’intégrale des opéras de Haydn dans les années 1970–1980 sous la direction d’Antal Dorati aux concertos de Beethoven avec Christian Zacharias (en DVD chez Bel Air Media), en passant par les récentes gravures dédiées à Schönberg et Webern (avec Heinz Holliger) et à Spohr et Weber (avec Paul Meyer), la vitrine est séduisante et parfaitement en phase avec l’identité historique de l’OCL. Consacré à Stravinsky, le premier disque de l’orchestre sous la direction de Joshua Weilerstein paraît au printemps 2016.

Résident de la Salle Métropole, l’OCL est l’hôte régulier de la fosse de l’Opéra de Lausanne et le partenaire privilégié de nombreuses institutions de la région telles que la Haute Ecole de Musique de Lausanne, la Manufacture (Haute Ecole de Théâtre de Suisse Romande), la Fondation Pierre Gianadda de Martigny, le Festival d’opéra Avenches ou le Concours de piano Clara Haskil de Vevey. Il est également un partenaire historique de la Radio Télévision Suisse, dont il nourrit les programmes depuis l’origine et profite en retour de son vaste réseau de diffusion national et européen. C’est ainsi que ses concerts, enregistrés par Espace 2, sont mis à la disposition du public en écoute à la demande sur www.espace2.ch.

Une phalange du rang de l’OCL, c’est bien sûr des affiches aux noms de solistes et de chefs invités prestigieux, mais c’est d’abord une identité forte forgée au fil des ans par un petit nombre de directeurs artistiques. Au fondateur Victor Desarzens (1942—1973), qui marque l’institution par son engagement infatigable en faveur des créateurs suisses (Frank Martin en tête) succèdent Armin Jordan (1973—1985), qui par les disques (chez Philips et Erato) accentue considérablement le rayonnement international de l’orchestre, puis Lawrence Foster (1985—1990), Jesús López Cobos (1990—2000), Christian Zacharias (2000—2013) avec une exceptionnelle intégrale des concertos pour piano de Mozart chez MDG, pour arriver en 2015 à Joshua Weilerstein, qui d’emblée déclare son intention de poursuivre l’œuvre de ses prédécesseurs tout en inscrivant l’OCL dans le 21e siècle, par le biais de programmes audacieux ou l’exploitation plus efficace des nouveaux moyens de communication.

 

 Orchestre de chambre fribourgeois

© Moreno Gardenghi

Fondé en 2009, l’Orchestre de chambre fribourgeois (OCF) s’est rapidement imposé comme un acteur culturel de premier plan dans le canton et au-delà. Cette phalange professionnelle compte 37 musiciens (24 cordes, 2 flûtes, 2 hautbois, 2 clarinettes, 2 bassons, 2 cors, 2 trompettes, timbales) et s’étoffe au gré des projets.

Depuis ses débuts remarqués, l’OCF est un partenaire privilégié des chœurs fribourgeois, qu’il accompagne à de multiples occasions, du baroque au jazz. Il propose aussi aux mélomanes des concerts symphoniques sous la baguette de son chef titulaire Laurent Gendre, lors de concerts à l’abonnement au théâtre Équilibre ou de concerts décentralisés dans les autres salles du canton. De plus, les concerts de musique de chambre permettent aux musiciens de l’orchestre d’aborder d’autres répertoires et de mieux se (faire) connaître.

L’OCF se produit chaque année avec l’Ensemble Symphonique Neuchâtel et offre ainsi des œuvres symphoniques d’envergure au public fribourgeois (la septième symphonie de Bruckner, la quatrième de Mahler, la Symphonie fantastique de Berlioz, L’Oiseau de feu de Stravinski). Il propose aussi des concerts pour les familles, avec notamment Pierre et le loup de Prokofiev et Le Carnaval des animaux de Saint-Saëns.

Parmi les solistes qui ont marqué l’histoire de l’orchestre, nous pouvons par exemple mentionner Marie-Claude Chappuis, Pascal Rogé, Christian Chamorel, Cédric Pescia, Oliver Schnyder, Rachel Kolly d’Alba, Gyula Stuller, Alexandre Dubach, Christian Poltéra, Jean-François Michel, Jacques Mauger, Michael Zisman, Lionel Cottet ou Thomas Demenga. Des chefs invités font aussi profiter l’OCF de leur expérience, à l’instar de Philippe Bach ou de Gábor Takács-Nagy.

Enfin, l’OCF participe aux productions de l’Opéra de Fribourg depuis 2010 (Eugène Onéguine, Madame Butterfly, L’Enlèvement au Sérail, Orlando Paladino) et collabore régulièrement avec le festival Avenches Opéra (Nabucco, Le Barbier de Séville).

 

 

 

Jamie Phillips

© Benjamin Ealovega

Alors qu’il n’a que 23 ans, le chef d’orchestre anglais Jamie Phillips fait ses débuts au Festival de Salzbourg en 2013, après avoir remporté le premier prix du concours de direction d’orchestre au même festival une année auparavant.

Jamie Phillips est nommé chef associé du prestigieux Orchestre Hallé en juillet 2015 ainsi que directeur de son ensemble de jeunes musiciens. Auparavant, il a occupé le poste de chef assistant auprès du Hallé, dirigeant des concerts d’abonnement à Manchester.
Ardent défenseur de la musique contemporaine, il  enregistre la musique de la compositrice écossaise Helen Grime avec l’Orchestre Hallé et Sir Mark Elder pour les disques NMC. Fondateur et chef principal de l’Orchestre du Festival de Birmingham, sa ville natale, le jeune maestro a déjà ajouté des œuvres comme Une Vie de héros de Richard Strauss ou la Sixième Symphonie de Mahler à son répertoire.
Parmi d’autres engagements, il faut mentionner ceux du Philharmonique de Bruxelles, avec lequel il a dirigé son premier ballet, Roméo et Juliette de Prokofiev, l’Orchestre de chambre de Lausanne, l’Orchestre symphonique de Bâle ou l’Orchestre de la Radio irlandaise.
En 2015-2016, Jamie Phillips est en résidence auprès de l’Orchestre philharmonique de Los Angeles, où il travaille aux côtés de Gustavo Dudamel et d’autres chefs réputés, notamment pour diriger les concerts jeunes de cet ensemble.
Il est invité par le Nash Ensemble au Wigmore Hall de Londres et enregistre des œuvres du compositeur anglais Tarik O’Regan pour NMC.

Source: Intermusica / 2015
T
raduction: Richard Cole

 

 Quatuor Hanson

https://www.quatuorhanson.com/

Quatuor Hanson :  Anton Hanson et Jules Dussap, violons, Gabrielle Lafait, alto et Simon Dechambre, violoncelle

   Lauréat du 2e Prix au Concours International de Quatuor à cordes J. Haydn ainsi que de trois Prix Spéciaux ( le Prix J. Haydn , le Prix 20e siècle avec le 2e Quatuor de Bartok et le Prix du Public) en 2017, du 2e Prix au Concours de Genève en 2016, et du 11e Concours International de Quatuor à Cordes de Lyon où il remporte en avril 2015 le 3e Prix ainsi que le Prix du Public, le Quatuor Hanson fait partie des ensembles montants de la nouvelle génération de chambristes français.  Les musiciens raflent trois prix dont celui du meilleur Quatuor à cordes, ainsi que deux Prix spéciaux, les "Wiener Klassik" et "Second Viennese School" prizes à l’ISA Competition à Reichenau en Autriche et ils se produisent à cette occasion en direct sur ORF Kulturhaus à Vienne. Lauréats du Concours européen «Musiques d ’Ensemble » de la Fnapec 2014 où ils remportent la Bourse de l’Académie des Beaux-Arts, ils sont désormais soutenus par la Fondation Banque Populaire.​

   Né en 2013 au Conservatoire Supérieur de Paris, le Quatuor Hanson est diplômé du master de Quatuor à cordes dans la classe de Jean Sulem (Quatuor Rosamunde). En 2015, il se perfectionne à l'Université des Arts de Vienne auprès de Johannes Meissl.

   Les quatre musiciens prennent à cœur le travail de recherche et de compréhension du langage musical. Grâce à leur maîtrise du répertoire fondateur du Quatuor à cordes, et en particulier des quatuors de J.Haydn, le Quatuor Hanson se forge une identité de discours où intelligence et humour se mêlent à la finesse et la sensibilité de leur jeu. 

   Le Quatuor est membre de l’European Chamber Music Academy après avoir été invité aux sessions de Manchester puis de Grossraming (Autriche) et travaille auprès de grands maîtres tels que Hatto Beyerle (Alban Berg Quartett), Johannes Meissl (Artis Quartett), Avo Kouyoumdjian... Il se perfectionne auprès de Mathieu Herzog et Miguel Da Silva et reçoit régulièrement les conseils du Quatuor Ebène. 

   Familiers de grandes salles de concerts telles que l'Auditorium de la Maison de la Radio, la Philharmonie de Paris, le Wigmore Hall, le Victoria Hall, l'Opéra de Lyon, ou encore des salles parisiennes telles que la Salle Cortot, le Grand Salon des Invalides, ou encore les Archives Nationales. Ces quatre musiciens sont également les invités de prestigieux festivals tels que La Roque d'Anthéron, le Festival Pablo Casals, le Kalkalpen Kammermusik Festival en Autriche, Les Vacances de Monsieur Haydn (IN), Les Chaises Musicales, le Festival de La Baule. Leur carrière internationale les amène à se produire dans toute l'Europe mais encore en Chine et au Maroc. 

   En 2014, ils sont sélectionnés en temps qu’Ensemble en Résidence au Festival International de La Roque d’Anthéron où l’on a pu les entendre en direct sur France Musique, notamment lors de l’émission Le Magazine des Festivals. Ils sont également en résidence sur France Musique dans l'émission Plaisirs du Quatuor de Stéphane Goldet depuis 2016.

   Ils se produisent en quintette avec Jean Sulem aux Grand Salon des Invalides dans le cadre des concerts Quinte et Plus. Artistes engagés en faveur de la Musique Contemporaine, ils interprètent Figura IV de Matthias Pintscher au Festival Manifeste de l’IRCAM. Ils sont actifs auprès de plusieurs ensembles orchestraux tels que l'Ensemble Appassionato (Direction Mathieu Herzog, Quatuor Ebène) et l'Ensemble Erasme, où l'on a pu les entendre en tant que chefs d'attaque.

Le Quatuor Hanson est depuis 2015 en Résidence à la Fondation Singer-Polignac. 

 

Daniel Raiskin

Daniel Raiskin s'affirme comme un des meilleurs musiciens d'Europe. En 2005 il a été nommé chef principal du Staatsorchester Rheinische Philharmonie et depuis 2008 il occupe la même fonction à l'Artur-Rubinstein-Philharmonie de la 2e plus grande ville de Pologne Lódz.

Né à Saint-Petersbourg, il commence à l'âge de 6 ans le violon, puis poursuit ses études musicales à l'Université de Musique Moussorgski en classe d'alto sous la conduite de D. Meerovich et O. Balabin. En même temps il étudie la direction au Conservatoire de Leningrad dans la classe du maître Leg Savich et termine brillamment ses études à la Hochschule für Musik de Freiburg en Brisgau, où il devient l'assistant de Kim Kashkaskian pendant un an.

En 2002, il a enregistré l'oeuvre complète pour alto d'Ernest Bloch. Sa carrière internationale le mène en Europe dans les plus grandes salles de concert : Philharmonie de Berlin, Concertgebouw d'Amsterdam... En 1995, il donne la symphonie concertante de Mozart lors d'une tournée de quatorze concerts avec le Mozarteum de Salzbourg. En 1996, il joue Harold en Italie de Berlioz au Concertgebouw d'Amsterdam.

Membre du trio à cordes Belcanto Stings, il a oeuvré également en musique de chambre avec Nathalie Gutman, Shlomo Mintz, les soeurs Katia et Maria Labêque.

En plus de ses deux fonctions de titulaire, Daniel Raiskin est invité par les plus célèbres orchestres, et pour des tournées prestigieuses.

 

“Daniel Raiskin ist ganz eindeutig ein Musiker mit einer ausgeprägten Sensibilität, der sein Handwerk bestens versteht, vielleicht ein weiteres Beispiel für ein letztes großes Geschenk der alten Sowjetunion mit der Strenge und Genauigkeit ihrer Dirigierschulen.“ (David Gutman, Gramophone, 2012)

Daniel Raiskin hat sich mit seiner künstlerisch unverwechselbaren Handschrift zu einem der anerkanntesten Dirigenten seiner Generation mit einem breit gefächerten Repertoire und dramaturgisch anspruchsvollen Programmen entwickelt. Er wuchs als Sohn eines Musikwissenschaftlers in St. Petersburg auf und begann ein Studium an der renommierten Hochschule seiner Heimatstadt. Raiskin widmete sich zunächst der Geige und Bratsche und begann zugleich die Ausbildung zum Dirigenten bei Lev Savich. Im Alter von 20 Jahren verließ er die Sowjetunion, um in Amsterdam und Freiburg seine Studien fortzusetzen. Mit vielen Engagements als Solist und Kammermusikpartner gehörte er schnell zu den führenden Bratschisten in Europa. Allmählich jedoch verlagerte er seinen Schwerpunkt vom Instrument zum Taktstock. Weitere wichtige Impulse erhielt er von seinen Lehrern Milan Horvat, Mariss Jansons, Neeme Järvi, Woldemar Nelson und Jorma Panula.

Mit Beginn der Saison 2017/18 wird Daniel Raiskin Erster Gastdirigent beim Belgrade Philharmonic Orchestra und beim Orquesta Sinfónica de Tenerife. Von 2005 bis 2016 war er Chefdirigent bei der Rheinischen Philharmonie Koblenz; von 2008 bis 2015 in gleicher Position bei der Artur-Rubinstein-Philharmonie in Lódz. Darüber hinaus gastiert er regelmäßig bei namhaften Orchestern wie Belgrade Philharmonic, Clásica Santa Cecilia in Madrid, Düsseldorfer Symphoniker, Estonian National Symphony Orchestra, Hong Kong Sinfonietta, Japan Century Symphony Orchestra, Jenaer Philharmonie, Latvian National Symphony Orchestra, Malmö Symfoniorkester, Mariinsky Orchestra, National Symphony Orchestra Taiwan, NFM Symphony Orchestra Wroclaw, Orchestre National de Belgique, Orkest van het Oosten, Orquesta Sinfonica de Tenerife, Orquesta Sinfónica Nacional de México, Osaka Philharmonic Orchestra, RTV Slovenia Symphony Orchestra, San Antonio Symphony, Slovak Philharmonic Orchestra Bratislava, State Academic Symphony of Russia „Svetlanov“, Stuttgarter Philharmoniker, Winnipeg Symphony und bei der Württembergischen Philharmonie Reutlingen.

Des Weiteren widmete sich Daniel Raiskin regelmäßig Produktionen im Opernbereich, darunter Carmen unter der Regie von Calixto Bieito an der niederländischen Opera Zuid. Eine weitere Carmen-Produktion leitete er am Theater Koblenz, wo er auch Dimitri Schostakowitschs Nase dirigierte. Ihm oblag das Dirigat der gefeierten Inszenierung von Mozarts Don Giovanni bei den Opernfestspielen 2011 im österreichischen St. Margarethen.

Als Gastdirigent wird er in der Saison 2016/17 mit Wiedereinladungen beim Het Gelders Orkest, Iceland Symphony Orchestra, NFM Wroclaw Philharmonic, Orquesta Clásica Santa Caecilia, Orquesta Sinfónica de Tenerife, RTV Slovenia Symphony Orchestra, Slovenska Filharmonia, State Academic Symphony Orchestra „Evgeny Svetlanov“, bei den Stuttgarter Philharmonikern, dem Winnipeg Symphony Orchestra und bei der Württembergischen Philharmonie Reutlingen zu erleben sein.

Daniel Raiskin arbeitet regelmäßig mit bedeutenden Solisten zusammen, darunter Martin Fröst, Alban Gerhardt, Vadim Gluzman, Natalia Gutman, Kari Kriikku, Francois Leleux, Jan Lisiecki, Alexei Lubimov, Mischa Maisky, Gerhard Oppitz, Steven Osborne, Ivo Pogorelich, Julian Rachlin, Vadim Repin, Benjamin Schmid, Julian Steckel, Akiko Suwanei, Stefan Vladar und Alexei Volodin.

Seine Einspielungen von Schostakowitschs 4. Sinfonie und Mahlers 3. Sinfonie bei AVI Music fanden großen Anklang in der internationalen Presse. Die Mahler-Aufnahme wurde in die Jahresliste des Preises der Deutschen Schallplattenkritik 2014 aufgenommen. Die Einspielung der Cellokonzerte von Korngold, Bloch und Goldschmidt mit Julian Steckel wurde mit dem Echo Klassik 2012 ausgezeichnet. Weitere Aufnahmeprojekte der letzten Jahre waren ein Louis Glass Symphoniezyklus beim Label CPO, Lutosławskis Vokal-Instrumentalwerke beim Label Dux sowie die Aufnahme der Welturaufführung von Alexandre Tansmans Isaie le Prophète und Psaumes.

 

 

 

Detlef Roth

Der deutsche Bariton Detlef Roth wurde in Freudenstadt im Schwarzwald geboren, studierte Gesang an der Musikhochschule Stuttgart und gewann bereits während dieser Zeit mehrere internationale Wettbewerbe, wie 1992 den Belvedere Wettbewerb in Wien oder 1994 den “Concours International pour Voix Wagneriennes” in Strasbourg.

Detlef Roth etablierte sich schnell als gefragter Bariton auf internationalen Bühnen und war von 2008 bis 2012 als Amfortas bei den Bayreuther Festpielen zu hören. Er war unter anderem zu Gast an den Opernhäusern von Amsterdam, Berlin, Hamburg, London, Mailand, Paris, Wien sowie bei den Festspielen von Aix-en-Provence, Ludwigsburg, Salzburg oder Schwetzingen.

Er arbeitete mit einer Vielzahl von Drigenten zusammen; darunter Gustavo Dudamel, John Eliot Gardiner, Daniele Gatti, Philippe Herreweghe, Armin und Philippe Jordan, Lorin Maazel, Neville Marriner, Kurt Masur, Kent Nagano, Roger Norrington, Simon Rattle, Wolfgang Sawallisch, Giuseppe Sinopoli, Jeffrey Tate, Christian Thielemann oder David Zinman.

Detlef Roths Stimme eignet sich perfekt für das deutsche Repertoire, was sich in zahlreichen Engagements widerspiegelt; dabei hat der Bariton ein Faible für Aussergewöhnliches – grosse Erfolge feierte er in den Titelpartien der Marschner-Opern ‘Hans Heiling’ und ‘Vampyr’ oder aber auch in Henzes ‘Bassariden.’ Dies bedeutet jedoch nicht, daß Detlef Roths Stärken nur im deutschen Repertoire zu suchen sind – er feierte ebenfalls grosse Erfolge im russischen (Eugen Onegin oder Pique Dame) und italienischen Repertoire, spricht daneben fliessend Englisch und Französisch.

Als gefragter Konzertsänger interpretiert Detlef Roth erfolgreich die Bach’schen Passionen, das Brahms-Requiem, sämtliche Mahler-Lieder, Mendelssohns ‘Elias’ und ‘Paulus’ oder Schumanns Faust-Szenen.

 

 

Né à Freudenstadt, Detlef Roth étudie le chant à Stuttgart. Pendant ses études il remporte plusieurs premiers prix aux concours de chant divers (notamment au Concours Belvedere à Vienne (Autriche) et au Concours des Voix Wagnériennes à Strasbourg).

En 1993 Detlef Roth fait ses débuts à l’opéra de Stuttgart, et ses débuts concerts aux Festival de Ludwigsburg et Schwetzingen.

En 1995 il fait ses débuts parisiens à l’Opéra-Comique dans Les Joyeuses Commères de Windsor. Depuis ce moment il a chanté des rôles principaux dans un répertoire très varié (avec des œuvres des compositeurs comme Händel, Haydn, Mozart, Beethoven, des compositeurs romantiques comme Tchaïkovski, Weber ou Wagner, et du 20e et 21e siècle comme Henze).

Des grands moments dans la carrière d’opéra de Detlef Roth comprennent des rôles comme Pentheus dans les Bassarides ou Al Kasim dans l’Upupa de Henze, Le Vampyr et Hans Heiling de Marschner ou Eugene Oneguine de Tchaïkovski. Parmi ses qualités comédiennes sont des rôles comme Papageno (Flûte Enchantée), Dulcamara (Elisir d’Amore), le Tsar dans Zar et Zimmermann et le Comte dans Wildschütz de Lortzing.

Son répertoire wagnérien comprend les rôles de Wolfram/Tannhäuser (Rome, Bern, Hambourg, Berlin, Amsterdam), de Kothner dans Les Maitres Chanteurs (Covent Garden de Londres, Milan), du Héraut dans Lohengrin (Madrid, Milan, Vienne, Genève), de Kurwenal dans Tristan et Iseut (à Salzbourg et à Paris), de Donner et de Gunther dans la Tétralogie (Turin, Genève, Washington DC, Aix-en-Provence, Berlin, Salzbourg) et même Morald dans Die Feen.

Plus remarquable, entre 2008 et 2012, il remporte un grand succès dans le rôle d’Amfortas au Festival de Bayreuth dans la production de Stefan Herheim sous la baguette de Daniele Gatti et Philippe Jordan. Rôle qu’il a incarné aussi à Paris et Zurich, à Londres, Berlin, Leipzig, Bologne et à Madrid.

En tant que concertiste, Detlef Roth est régulièrement invité par les orchestres les plus prestigieux d’Europe et est heureux d’avoir invité à Israël (Israel Philharmonique), en Asie, en Amérique du Nord (New York Philharmonic, Orchestre Symphonique de Montréal) et en Amérique du Sud.

Dans son considérable répertoire, l’artiste excelle tout particulièrement dans les œuvres de Gustav Mahler (Lieder, 8e Symphonie), les œuvres de Mendelssohn (Elias, Paulus, Walpurgisnacht), de Schumann (Faust Szenen) et de Brahms (Requiem Allemand) et aussi dans les passions et des cantates de J.S. Bach.

Detlef Roth a travaillé avec des chefs d’orchestre tels que Semyon Bychkov, Riccardo Chailly, Gustavo Dudamel, Daniele Gatti, Valery Gergiev, Marek Janowski, Armin Jordan, Phillipe Jordan, Lorin Maazel, Sir Charles Mackerras, Sir Neville Mariner, Kurt Masur, Kent Nagano, Sir Simon Rattle, Wolfgang Sawallisch, Giuseppe Sinopoli, Jeffrey Tate, Christian Thieleman, et David Zinman.

 

 

Stephen Smith

Der Gründer und künstlerische Leiter, Stephen Smith, ist gebürtiger Amerikaner und Doppelbürger der Schweiz und der USA. Geboren 1955, beginnt er seine musikalische Laufbahn mit 7 Jahren am Peabody Conservatory, Baltimore.

Nach Abschlüssen in den USA und der Schweiz setzt er sich intensiv mit dem geistlichen Repertoire der Renaissance und des Barocks auseinander. Insbesondere interessieren ihn die historische Aufführungspraxis sowie die Querverbindungen zur zeitgenössischen Musik. Davon zeugen mehr als 120 Konzerte mit dem Ensemble Corund. Seit 1982 in der Schweiz wohnhaft, ist Stephen Smith ein gefragter Dirigent und Organist. Neben dem Ensemble Corund leitet er die Kantorei an der historischen Matthäuskirche Luzern. Zahlreiche CD- und Rundfunkaufnahmen zeugen von seinen breitgefächerten musikalischen Interessen und Tätigkeiten.

Stephen Smith was born in the United States and has lived in Switzerland since 1982. His musical path began at the Peabody Conservatory in Baltimore, Maryland. After finishing studies in organ, conducting and church music in the USA and Switzerland, he studied the baroque and renaissance repertoires intensively. He is particularly interested in historical performance practice and the relationships of early music to contemporary music, which he has explored in hundreds of concerts with the Ensemble Corund Lucerne and the Corund Baroque Orchestra, which he founded in 1993.

Concerts with his ensembles and as a guest conductor have taken him to Spain, Germany, England, Latvia, Romania, Bermuda, the USA and throughout Switzerland. Smith also directs an ambitious music program at the historical St. Matthew’s Church in Lucerne and has been the artistic director of the Corund Concerts series for choral and early music in Lucerne for 25 years. As an innovative presenter of cross-over projects, he has enlivened the Swiss music scene with many «firsts». In 2006 he was the initiator and artistic director of a festival commemorating the 20th anniversary of Maurice Duruflé’s death. Unique to Switzerland, the festival presented Duruflé’s complete works for choir, orchestra and organ. In 2013 he directed a 3-month festival – also unique to Switzerland – commemorating Benjamin Britten’s 100th birthday, presenting a broad spectrum of Britten’s choral compositions, a cappella and with organ and orchestra. During the last years, he has followed invitations as a conductor to Frankfurt (Oder), Pamplona, Riga, Bratislava, Sibiu, Oradea, Cluj-Napoca, Canterbury, Oxford and Lincoln. He has worked with orchestras and choirs such as Lucerne Symphony Orchestra, Zurich Chamber Orchestra, Orquesta Sinfonica de Navarra, Musikkollegium Winterthur, Brandenburgisches Staatsorchester Frankfurt, Atlanta Baroque Choir & Orchester, Zuger Sinfonietta, Camerata Musica, Transylvanian Philharmonic Choir & Orchestra, Sibiu State Philharmonic Choir & Orchestra, Oradea State Philharmonic Choir & Orchestra, Magnolia Baroque Festival Choir & Orchestra, La banda antix, Cappricio, Putni, Zürcher Singakademie, etc. For the 2017/18 season Smith has received invitations from Stuttgarter Kammerorchester, Musikkollegium Winterthur and Timisoara Philharmonic Orchestra., as well as repeat invitations from Oradea State Philharmonic Choir & Orchestra, and Sibiu State Philharmonic Choir & Orchestra. Stephen Smith regularly prepares his choir, the Ensemble Corund, for conductors such as Douglas Boyd, James Gaffigan, Mario Venzago, Laurence Cummings, Mark Elder, Howard Arman or Douglas Bostock.
Numerous CD and radio recordings are testament to his broad musical interests and activities.

 

 Südwestdeutsche Philharmonie - Konstanz

Elle est fondée en 1942. Elle compte parmi les acteurs culturels les plus importants du Sud-ouest de l’Allemagne. Elle joue un rôle important dans l’offre culturelle de la ville universitaire de Constance et est aussi un élément important de la vie musicale de la Suisse voisine. Elle s’est également fait un renom international à l’occasion de ses nombreuses tournées dans plusieurs centre musicaux où elle est un hôte bienvenu et écouté. La Südwestdeutsche Philharmonie compte soixante musiciens et enthousiasme ses publics entre Stuttgart et Lucerne, Freiburg i. B. et Bregenz, lors de plus de cent concerts par an, grâce à son vaste répertoire.

 

Andrew Tyson

© Sophie Zhai

Von BBC Radio 3 als „Poet am Klavier“ bezeichnet, präsentiert sich der 1985 geborene Amerikaner Andrew Tyson als neue bemerkenswerte Stimme in der Musikwelt. An der Schwelle zur Saison 2015/16 gewann er den 1. Preis beim Concours Géza Anda in Zürich. Zudem sprach ihm die Jury den Mozart-Preis zu. Mit der Interpretation von Chopins Klavierkonzert Nr. 1 in Begleitung des Tonhalle-Orchesters Zürich erspielte er sich auch den Publikumspreis.

 Tyson trat mit amerikanischen und europäischen Orchestern auf, wie den Sinfonieorchestern von Las Vegas, North Carolina, Edmonton, dem Orchestre de Chambre de Wallonie, dem Orchestre National de Belgique unter Marina Alsop, dem Hallé-Orchester unter Sir Mark Elder. Im Herbst 2015 stehen u.a. eine Russland-Tournee mit dem Kostroma Gubernski Sinfonieorchester und Gershwins Rhapsody in Blue sowie mit den Moskauer Virtuosi unter Vladimir Spivakov mit Mozarts Klavierkonzert KV 503 auf dem Programm.

 Seit Jahren ist Tyson in Klavierabenden und Festivals in Nord- und Mittelamerika sowie in zahlreichen Ländern Europas (u.a. Palais des Beaux-Arts in Brüssel, Zentrum Paul Klee in Bern, Sintra Festival, Art November in Moskau) zu hören.

 Seine Ausbildung begann er an der Universität von North Carolina bei Dr. Thomas Otten, später besuchte er das Curtis Institute of Music in der Klasse von Claude Frank. Seinen Master und das Solistendiplom holte er sich an der Juilliard School bei Robert McDonald.

 Preise gewann er ausserdem beim Gina Bachauer-Wettbewerb, beim Arthur Rubinstein-Wettbewerb, beim Leeds-Wettbewerb und beim Concours Reine Elisabeth in Brüssel. Seine vielgerühmten Debuts in New York und im Kennedy Center im Jahr 2013 verdankt er der Auszeichnung bei den Young Artists International Auditions 2011. Der Terence Judd-Preis im Rahmen des Leeds-Wettbewerbs wurde ihm durch das Hallé-Orchester und Sir Mark Elder verliehen; ein Preis, der Wiedereinladungen nach Hallé zur Folge hatte.

 In Verbindung mit seinem 1. Preis beim Concours Géza Anda sind unzählige Konzertauftritte geplant, u.a. mit dem Orchestra della Svizzera Italiana, dem Musikkollegium Winterthur, dem Tonhalle-Orchester Zürich, dem Argovia Philharmonic, dem SWR-Rundfunkorchester Stuttgart, dem Symphonischen Orchester St. Petersburg. Debuts wird er u.a. beim Lucerne Piano Festival, beim Kissinger Sommer, im Musikdorf Ernen und beim finnischen Joensuu-Festival geben. Auf Vermittlung von Steinway & Sons Hamburg wird der Bayerische Rundfunk mit Tyson im März 2016 eine Studio-Produktion von Mozarts Klavierkonzert KV 467 in Begleitung der Bamberger Symphoniker aufzeichnen.

 Als Duo-Partner tritt Andrew mit dem Cellisten Jeong-Hyoun Lee und dem Geiger Benjamin Beilman auf.

 2014 erschien beim Zig-Zag Territories Label seine erste CD mit Chopins “Préludes”.

 

Andrew Tyson bio-engl  

Hailed by BBC Radio 3 as “a real poet of the piano,” Andrew Tyson is emerging as a distinctive and important new musical voice. In summer 2015, he was awarded First Prize at the Géza Anda Competition in Zürich, as well as the Mozart and Audience Prizes. These victories result in performances of upwards of 100 concerts throughout Europe over the course of the next three years under the auspices of the Géza Anda Foundation.

He is a laureate of the Leeds International Piano Competition where he won the new Terence Judd-Hallé Orchestra Prize, awarded by the orchestra and conductor Sir Mark Elder resulting in several performances. Other concerto appearances include the Colorado Symphony, the Edmonton Symphony Orchestra, the Las Vegas Philharmonic, the National Orchestra of Belgium under Marin Alsop, and the Orchestra of St. Luke’s at Alice Tully Hall, amongst others. This season he makes his debut with the SWR Symphony Orchestra Stuttgart, returns to the North Carolina Symphony and appears in Russia performing Mozart’s Concerto no. 25 with the Moscow Virtuosi and Vladimir Spivakov.

In the US, Tyson has given recital performances in Boston, Miami, New York, and Washington, DC amongst others. In Europe he has appeared at the Zurich Tonhalle, Musiekzentrum de Bijloke Gent, the Brussels Palais des Beaux-Arts and the Filharmonia Narodowa in Poland, as well as concerts further afield in Azerbaijan, Estonia, Latvia, and Lithuania. As a chamber musician, Tyson appears in Europe with violinist Benjamin Beilman and cellist Jeong-Hyoun Lee in venues including the Auditorium du Louvre, Paris and London’s Wigmore Hall.

No stranger to the International festival scene, he has appeared at the Brevard Music Festival, the Brussels Piano Festival, the El Paso Chopin Music Festival, the International Festival of Arts “Art November” in Moscow, the Festival Cultural de Mayo in Guadalajara, Mexico, the Sintra Festival in Portugal, and last season he made his debut at the Dubrovnik Festival.

Tyson is represented on disc by the complete Chopin Preludes which was released in October 2014 on the Zig-Zag Territoires label to critical acclaim with further discs planned.

As winner of the Young Concert Artists International Auditions in 2011, Tyson was awarded YCA’s Paul A. Fish Memorial Prize and the John Browning Memorial Prize. In 2013 he was the Avery Fisher Career Grant recipient. He is a Laureate of the Queen Elisabeth Competition and won the Eastern Music Festival Competition at the age of 15. After early studies with Dr. Thomas Otten of the University of North Carolina, he attended the Curtis Institute of Music, where he worked with Claude Frank. He later earned his Master’s degree and Artist Diploma at The Juilliard School with Robert McDonald, where he won the Gina Bachauer Piano Competition and received the Arthur Rubinstein Prize in Piano.

 

Delphine Vincent

Delphine Vincent        Maître d'enseignement et de recherche, chercheure senior FNS

 

Domaines de recherche

Music and moving image (musique de film, opéra filmé, concert filmé)

Musique française (1850-1950)

Littérature pour flûte

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Peter Winograd

Peter Winograd joined the American String Quartet in 1990. He gave his first solo public per­for­mance at the age of 11, and at age 17 he was accepted as a scholar­ship student of Dorothy DeLay at The Juilliard School. Recognized early as an ex­cep­tion­ally prom­is­ing young artist, Winograd was a top prize winner in the 1988 Naumburg Inter­na­tional Violin Competition. He then made his New York debut to critical acclaim and has since appeared as a guest soloist with numerous orchestras and in recital across the country and abroad, including annual collaborative performances with cellist Andrés Díaz at the Florida Arts Chamber Music Festival. In 2002 Winograd performed the Sibelius Violin Concerto with the Hartford Symphony; his father, Arthur Winograd, was the featured guest conductor. Winograd has been a mem­ber of the violin and chamber music faculties of the Manhattan School of Music and the Aspen Music School (where the American is Quartet-in-Residence) since 1990. Born into a gifted musical family, Winograd began his studies with his parents. His mother was a pro­fes­sion­al pianist, and his father was the founding cellist of the Juilliard Quartet and a conductor of the Hartford Symphony in Hartford, Connecticut, where Winograd grew up. He holds bachelor’s and master’s degrees from Juilliard. His wife, violinist Caterina Szepes, is a reg­u­lar participant in the Marlboro Festival and a member of the Metropolitan Opera Or­ches­tra. His violin is by Giovanni Maria del Bussetto (Cremona, 1675).

 

Soyoung Yoon

Soyoung Yoon ist Erste Konzertmeisterin des Sinfonieorchester Basel und darüber hinaus international als Solistin und Kammermusikerin tätig.

In der Spielzeit 2016/17 wird sie u. a. den 15. Internationalen Wieniawski Violinwettbewerb mit dem Violinkonzert Ludwig van Beethovens eröffnen. Das Konzert, unter der Leitung von Krzysztof Penderecki, wird gleichzeitig ihr Debüt mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen sein. Außerdem spielt sie erneut mit Antoni Wit und dem Orquesta Sinfónia de Navarra.

Den Auftakt zu einer beeindruckenden Reihe an Wettbewerbserfolgen bildet der Gewinn des Yehudi Menuhin Wettbewerbs mit gerade einmal 17 Jahren. Darüber hinaus ist sie Preisträgerin des Internationalen Tchaikovsky Wettbewerbs 2007, Königin Elisabeth Wettbewerb 2009, Internationalen Geigenwettbewerb Indianapolis 2010 und Gewinnerin des 14. Internationalen Henryk Wieniawski Geigenwettbewerbs 2011.

Als Solistin spielte Soyoung Yoon mit Orchestern wie dem NDR Sinfonieorchester, Russischen Nationalorchester, Belgischen Nationalorchester, Nationalen Symphonieorchester des Polnischen Rundfunks, Berner Symphonieorchester, Trondheim Symphony Orchestra, Trondheim Soloists oder dem Zürcher Kammerorchester und arbeitete dabei mit Dirigenten wie Gilbert Varga, Mario Venzago, Krzysztof Urbanski, Muhai Tang und Jesko Sirvend zusammen.

Von 2009 – 2012 ist sie Mitglied des Stradivari Quartett Zürich und gründet im Jahr 2012 mit Veit Hertenstein und Benjamin Gregor-Smith das “ORION string trio”, mit dem sie 2016 sowohl den 1. Preis als auch den Publikumspreis des 15. Kammermusikwettbewerbs des Migros Kulturprozent in Zürich gewinnt.

Nach ihrer Aufnahme der Violinkonzerte von Peter Tschaikowsky und Jean Sibelius im Jahr 2012, folgt im Jahr 2015 die Veröffentlichung einer zweiten CD mit Einspielungen der Vier Jahreszeiten von Astor Piazzolla sowie des Konzerts für Violine und Klavier von Felix Mendelssohn-Bartholdy, zusammen mit Ksenia Kogan und dem Korean Chamber Orchestra. Die dazugehörige Konzerttournee führt sie nach Seoul, London und Berlin.

Soyoung Yoon studiert zunächst an der Nationalen Universität der Künste in ihrer Heimatstadt Seoul, bevor sie in die Klasse von Prof. Zakhar Bron an der Hochschule für Musik und Tanz Köln und später der Zürcher Hochschule der Künste wechselt. Ihr Instrument ist die „ex-Bückeburg“ von J. B. Guadagnini aus dem Jahr 1773.

 

Luca Zoppelli

Luca Zoppelli        Professeur ordinaire

Domaines de recherche

Musique et littérature (XVIIe-XIXe siècles) 

Opéra romantique (dramaturgie et éditions critiques) Expression et signification en musique

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